Adieu à Siri Berg

L'artiste abstrait suédo-américain Siri Berg, membre du groupe American Abstract Artists dont les œuvres font partie de la collection du musée Solomon R. Guggenheim, entre autres institutions, est décédé à New York à l'âge de 98 ans. Comme Josef Albers et les autres artistes du Bauhaus qui l'ont inspirée, Berg a consacré son attention aux éléments fondamentaux de l'art visuel : la couleur, la lumière, la forme, la matière et la composition. Ses œuvres simples ont réussi grâce à leur honnêteté et leur confiance. Berg qualifiait autrefois ses œuvres de simples « déclarations ». Bien que son travail soit abstrait, elle ne le considère pas comme mystique, suggestif ou indirect. Une déclaration fait plutôt autorité. Il affirme. Cela révèle. L’essence de ce que Berg disait avec ses œuvres fluctuait en fonction de nombreux facteurs. Elle réalise parfois des peintures purement formalistes clairement conçues comme des déclarations sur la couleur, comme sa série « Gradation ». D’autres fois, elle a réalisé des peintures qui, bien qu’elles déploient la couleur comme dispositif esthétique, sont également allégoriques sans vergogne sur les relations que les gens développent entre eux et avec le monde. Son œuvre phare « La Ronde » (1972) tire son nom de la pièce d'Arthur Schnitzler La Ronde de 1897, qui traite des relations sexuelles entre dix personnes différentes. Pour sa version de « La Ronde », Berg a peint une série de toiles explorant les relations entre différentes couleurs, plaçant diverses couleurs dans différents contextes les unes par rapport aux autres. Tout comme les personnages de la pièce de Schnitzler révèlent différents aspects de leur personnalité selon les personnes avec lesquelles ils sont intimes, Berg montre comment les couleurs semblent changer complètement d'apparence en fonction des autres couleurs avec lesquelles elles sont associées - une déclaration sur la façon dont toutes sortes de changements se produisent. souvent en fait, ce ne sont que des fictions de notre perception, provoquées par des circonstances changeantes. Berg se délectait de conversations comme celle-ci, qu’elle savait que son travail avait le pouvoir de susciter.

Dialogues subtils

Berg est née en 1921 à Stockholm, en Suède. En 1940, après avoir obtenu son diplôme de l'Institut d'Art et d'Architecture de l'Université de Bruxelles—et juste au moment où les Allemands commençaient à occuper la Belgique dans les premières années de la Seconde Guerre mondiale—elle a fui seule vers l'Amérique, bravant un voyage de 28 jours à bord d'un petit cargo. Elle savait dès le départ que ses véritables ambitions se trouvaient dans le domaine de l'art, cependant Berg a passé ses deux premières décennies en Amérique à travailler dans des domaines créatifs adjacents : d'abord dans la mode, puis comme designer de vitrines pour des grands magasins. Elle a finalement tourné son attention entièrement vers la peinture dans la quarantaine, peignant d'abord chez elle, puis louant un espace de studio à SoHo, près de chez elle. Dès le départ, ses peintures occupaient un espace individualiste dans le contexte de ses contemporains. Pas exactement Minimaliste, mais loin d'être expressionniste ; formellement abstrait, mais plein de contenu allégorique : l'œuvre exemplifiait un objectif que Berg appelait s'assurer qu'elle était "là" dans le travail.

Siri Berg - La Ronde, 1972. chat #99, acrylique sur masonite, 12" x 87" (7@12"x12" ch.). © Siri Berg

Ce que cela signifiait pour Berg d'être "là" était qu'elle pouvait trouver des moyens de permettre à ses expériences et à ses épreuves personnelles de trouver leur chemin dans les formes géométriques et les relations de couleurs dans ses peintures. L'une de ses œuvres les plus renommées, "Cycle de la Vie" (1967), offre un exemple parfaitement subtil de cette association de contenu personnel et de précision formaliste : elle mobilise une simple grille superposée de cercles qui se chevauchent et une palette de couleurs limitée pour exprimer les étapes de développement d'un embryon. Un autre exemple nuancé de Berg étant "là" dans le travail peut être trouvé dans sa série "Phases", dans laquelle des cercles partiels et complets sont alignés sur des surfaces planes selon des motifs de grille. Les cercles peuvent sembler ressembler aux phases de la lune, mais tout ce qu'ils sont en réalité, ce sont juste des déclarations formelles du fait des phases. La vérité de l'existence des phases est ce qui compte, peu importe que nous parlions de phases géométriques, de phases naturelles ou des phases changeantes et incomplètes de la vie de l'artiste.

Siri Berg - Cycle de vie, 1967. chat #53, huile sur toile, 28" x 28". © Siri Berg

Contrastes et perception

Tout au long de sa carrière, Berg s’en est tenue à une palette simple de seulement neuf couleurs de base. À partir de ce cadre de base, elle s’est efforcée de mélanger des couleurs qui « n’existent pas » dans le monde naturel. En développant des teintes contre nature, elle a su susciter des rencontres avec le spectateur dans lesquelles il a pu cesser de s'encombrer de la recherche de références à la nature. L'artificialité est devenue vérité dans ses peintures. Libérée de références narratives extérieures à elle-même, l’œuvre est libre de communiquer le contenu que Berg souhaite lui confier. L'un de ses sujets préférés était la Kabbale, un domaine d'enseignements juifs ésotériques sur la relation entre les forces divines infinies et l'univers fini et mortel. Berg a exploré ce concept dans ses peintures « Kabbale » en se concentrant sur son aspect le plus essentiel : la notion de contrastes.

Siri Berg - Kabbale, 1983. cat#443, huile sur toile, 12" x 12". © Siri Berg

D'autres questions importantes pour Berg comprenaient l'architecture et la lumière. Elle a clairement exprimé ces intérêts dans ses assemblages d’objets trouvés. « Mouseballs » (1999), un assemblage de six billes roulantes provenant de souris d'ordinateur collées sur une toile, en est un exemple classique. Les boules de souris et la surface sont toutes peintes de la même teinte violette. La partie centrale de l'œuvre est nervurée, tandis que le reste est plat. Les boules de souris projettent des ombres sur les crêtes. À mesure que l’œil se déplace des orbes aux crêtes jusqu’à la surface plane, des traceurs apparaissent, créant des illusions rebondissantes d’ombre et de forme. Un autre assemblage, « Singularities » (1980-99), consiste en une grille de 25 ventouses rondes et transparentes collées sur une toile blanche. Les ventouses projettent des ombres rondes et créent des traceurs circulaires sur la surface plane. Bien qu’il s’agisse clairement de peintures et non de sculptures, des œuvres comme celles-ci expriment clairement le potentiel de l’espace et de la lumière à affecter la perception humaine. En fin de compte, l’idée de changer les perceptions était ce qui importait le plus à Berg, surtout en ce qui concerne la façon dont les gens la percevaient en tant qu’artiste. Comme elle l’a dit un jour en réponse à une question sur ce que signifiait être une artiste féministe : « Je veux que mon travail soit vu et vécu par vous pour ce qu’il est et non pour ce que je suis. »

Image en vedette : Siri Berg - Phase 25, 1973. cat#152a, huile sur toile, 12" x 14". © Siri Berg
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio