Adieu à Siri Berg

L'artiste abstraite suédo-américaine Siri Berg, membre des American Abstract Artists dont les œuvres font partie de la collection du musée Solomon R. Guggenheim, entre autres institutions, est décédée à New York à l'âge de 98 ans. À l'instar de Josef Albers et des autres artistes du Bauhaus qui l'ont inspirée, Berg consacrait son attention aux éléments fondamentaux de l'art visuel : couleur, lumière, forme, volume, matière et composition. Ses œuvres directes réussissaient par leur honnêteté et leur assurance. Berg qualifiait autrefois ses œuvres simplement de « déclarations ». Bien que son travail soit abstrait, elle ne le considérait pas comme mystique, suggestif ou indirect. Une déclaration, au contraire, est quelque chose d'autoritaire. Elle affirme. Elle révèle. L'essence de ce que Berg exprimait avec ses œuvres variait selon de nombreux facteurs. Parfois, elle réalisait des peintures purement formalistes clairement destinées à être des déclarations sur la couleur, comme sa série « Gradation ». D'autres fois, elle créait des peintures qui, bien qu'utilisant la couleur comme un moyen esthétique, sont aussi sans détour allégoriques sur les relations que les gens développent entre eux et avec le monde. Son œuvre majeure « La Ronde » (1972) tire son nom de la pièce de théâtre de 1897 d'Arthur Schnitzler, La Ronde, qui traite des relations sexuelles entre dix personnes différentes. Pour sa version de « La Ronde », Berg a peint une série de toiles explorant les relations entre différentes couleurs, plaçant diverses couleurs dans différents contextes les unes avec les autres. Tout comme les personnages de la pièce de Schnitzler révèlent différents aspects de leur personnalité selon avec qui ils sont intimes, Berg montre comment les couleurs semblent complètement changer d'apparence selon les autres couleurs avec lesquelles elles sont associées — une déclaration sur la façon dont toutes sortes de changements ne sont souvent en réalité que des illusions de notre perception, causées par des circonstances changeantes. Berg se délectait de conversations comme celle-ci, dont elle savait que son travail avait le pouvoir de susciter.

Dialogues subtils

Berg est née en 1921 à Stockholm, en Suède. En 1940, après avoir obtenu son diplôme de l'Institut d'Art et d'Architecture de l'Université de Bruxelles — et alors que les Allemands avaient commencé à occuper la Belgique dans les premières années de la Seconde Guerre mondiale — elle s'est enfuie seule en Amérique, affrontant un voyage de 28 jours à bord d'un petit cargo. Elle savait dès le départ que ses véritables ambitions se situaient dans le domaine artistique, cependant Berg a passé ses deux premières décennies en Amérique à travailler dans des domaines créatifs voisins : d'abord dans la mode, puis comme décoratrice de vitrines pour des grands magasins. Ce n'est qu'à la quarantaine qu'elle s'est pleinement consacrée à la peinture, d'abord chez elle, puis en louant un atelier à SoHo, non loin de son domicile. Dès le début, ses peintures occupaient une place individualiste dans le contexte de ses contemporains. Pas exactement minimalistes, mais loin d'être expressionnistes ; formellement abstraites, mais pleines de contenu allégorique : l'œuvre incarnait un objectif que Berg appelait s'assurer d'être « présente » dans l'œuvre.

Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrylique sur masonite, 30 cm x 221 cm (7@30 cm x 30 cm chacun). © Siri Berg

Ce que cela signifiait pour Berg d’être « présente » était qu’elle pouvait trouver des moyens de laisser ses expériences et ses épreuves personnelles s’exprimer dans les formes géométriques et les relations de couleurs dans ses peintures. L’une de ses œuvres précoces les plus renommées, « Cycle de la vie » (1967), offre un exemple parfaitement subtil de cette association entre contenu personnel et précision formaliste : elle mobilise une grille simple superposée de cercles qui se chevauchent et une palette de couleurs limitée pour exprimer les stades de développement d’un embryon. Un autre exemple nuancé de la présence de Berg dans l’œuvre se trouve dans sa série « Phases », où des cercles partiels et complets sont alignés sur des surfaces planes en motifs de grille. Les cercles peuvent sembler ressembler aux phases de la lune, mais ils ne sont en fait que des déclarations formelles du fait des phases. Ce qui importe, c’est la vérité de l’existence des phases, qu’il s’agisse de phases géométriques, naturelles ou des phases changeantes et incomplètes de la vie de l’artiste.

Siri Berg - Cycle de la vie, 1967. cat #53, huile sur toile, 71 cm x 71 cm. © Siri Berg

Contrastes et perception

Tout au long de sa carrière, Berg s’est tenue à une palette simple de seulement neuf couleurs de base. Partant de ce cadre fondamental, elle s’est efforcée de mélanger des couleurs qui « n’existent pas » dans le monde naturel. En développant des teintes artificielles, elle a pu provoquer des rencontres avec les spectateurs où ils pouvaient cesser de se charger de la recherche de références à la nature. L’artificialité devenait vérité dans ses peintures. Libérées des références narratives extérieures, les œuvres sont libres de communiquer tout contenu que Berg voulait leur conférer. L’un de ses sujets favoris était la Kabbale, un domaine d’enseignements ésotériques juifs sur la relation entre les forces divines infinies et l’univers fini et mortel. Berg a exploré ce concept dans ses peintures « Kabbale » en se concentrant sur son aspect le plus essentiel : la notion de contrastes.

Siri Berg - Kabbale, 1983. cat#443, huile sur toile, 30 cm x 30 cm. © Siri Berg

D’autres sujets importants pour Berg comprenaient l’architecture et la lumière. Elle exprimait ces intérêts clairement dans ses assemblages d’objets trouvés. « Mouseballs » (1999), un assemblage de six boules de roulement de souris d’ordinateur collées sur une toile, en est un exemple classique. Les boules et la surface sont toutes peintes dans la même teinte violette. La partie centrale de l’œuvre est rainurée, tandis que le reste est plat. Les boules projettent des ombres sur les rainures. Au fur et à mesure que l’œil se déplace des sphères aux rainures puis à la surface plane, des traces apparaissent, créant des illusions rebondissantes d’ombre et de forme. Un autre assemblage, « Singularités » (1980-99), consiste en une grille de 25 ventouses rondes transparentes collées sur une toile blanche. Les ventouses projettent des ombres rondes et provoquent des traces circulaires sur la surface plane. Bien qu’étant clairement des peintures et non des sculptures, des œuvres comme celles-ci font des déclarations claires sur le potentiel de l’espace et de la lumière à affecter la perception humaine. En fin de compte, l’idée de perceptions changeantes était ce qui importait le plus à Berg, surtout en ce qui concerne la façon dont les gens la percevaient en tant qu’artiste. Comme elle l’a dit un jour en réponse à une question sur ce que signifiait être une artiste féministe : « Je veux que mon travail soit vu et vécu par vous pour ce qu’il est et non pour ce que je suis. »

Image en vedette : Siri Berg - Phase 25, 1973. cat#152a, huile sur toile, 30 cm x 36 cm. © Siri Berg
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio