L'icône de l'expressionnisme abstrait tardif, William Scharf, est décédé

Le peintre abstrait et éducateur américain William Scharf est décédé à l'âge de 90 ans. Scharf est souvent classé soit comme un expressionniste abstrait, soit comme un artiste Color Field. Chacune de ces étiquettes revendique une certaine authenticité. Après avoir servi dans l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, Scharf a passé cinq ans à étudier l'art, principalement à l'Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie. Il s'installe à New York en 1952 pour devenir artiste à plein temps. À cette époque, l’expressionnisme abstrait était la tendance dominante et Scharf s’absorbait dans cette scène. Il s'est également lié d'amitié avec le grand pionnier du Color Field, Mark Rothko, dans les années 1950. Rothko a encadré Scharf et lui a inculqué une appréciation du pouvoir émotionnel de la couleur. Les deux sont devenus si proches qu'au début des années 1970, Scharf a même contribué à la construction de la chapelle Rothko à Houston, un monument de la peinture Color Field et l'une des destinations les plus importantes au monde pour les amateurs d'art abstrait. Mais malgré ces racines indéniables dans la peinture Ab Ex et Color Field, l’œuvre que Scharf a construite au cours de sa vie défie ces descripteurs faciles. Son œuvre est en effet colorée, voire lumineuse. Et ses gestes sont expressivement lyriques, intuitifs et abstraits. Mais sa vision est presque baroque dans sa capacité à raconter des émotions. Scharf était un maître de l'évocation et de la suggestibilité ; il a canalisé la couleur et la forme dans des compositions aux qualités mythiques mystérieuses. Il a attribué à ses œuvres des titres qui nous font connaître son intention de raconter des histoires, des contes poétiques pleins d'émotions, qui ne peuvent s'empêcher de faire allusion au sens de l'œuvre.

Aventures en exploration

La première sensation que j'éprouve en regardant une peinture de Scharf est le plaisir. Je ne veux pas dire que les peintures sont fantaisistes ou faciles. Elles ne sont souvent ni l'un ni l'autre. Je veux juste dire que j'ai l'impression que l'image m'invite à une aventure. Sa peinture de 1956 Of the Square and by the Night possède la palette de couleurs d'une rue de ville vue à travers les fenêtres d'une voiture. Des formes rouges, blanches, bleues et noires se mêlent et semblent rebondir devant l'œil. Des blobs biomorphiques ressemblent à des lampadaires, des lunes et des étoiles. Des formes géométriques évoquent des bâtiments et des panneaux. Sur le côté gauche, un assemblage énigmatique de marques rouges suggère la présence d'un être.

Cette image est vivante et excitante, comme une nuit en ville. C'est évidemment abstrait, mais son titre, et surtout son énergie, ouvrent les portes des possibilités narratives. Son sens de l'aventure est resté présent dans son œuvre aussi longtemps que Scharf a continué à travailler. C’est essentiel à sa démarche, qui incarne un esprit d’exploration enfantin. Il a parlé un jour de ce sentiment de laisser sa première marque sur une page blanche ou un tableau lorsqu'il était enfant – ce sentiment de possibilité, de capacité à formuler de nouveaux mondes dans l'espace. Il l’appelait « des explorations d’un genre qui pourrait hanter et obséder toute la vie d’un peintre ».

William Scharf - Of the Square and by the Night, 1956, Oil on canvas, 36 × 48 in, 91.4 × 121.9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Une lueur onirique

Une autre puissance instantanément reconnaissable que Scharf possédait était la capacité de tirer un éclat phosphorescent de ses peintures. Il a passé toute sa carrière à travailler avec des acryliques. Lorsque vous achetez un nouveau tube de peinture acrylique au magasin, le médium a sa propre lueur—pigment pur. Mais comme quiconque ayant déjà travaillé avec de la peinture le sait, dès que l'artiste commence à jouer avec cette couleur, à la mélanger à la recherche de la teinte parfaite, elle perd sa luminosité. Parfois, elle devient de la couleur de la terre. Elle ne conserve presque jamais son éclat d'origine. Mais rarement, par chance ou grâce à un talent, un artiste fait ressortir encore plus de lumière de la peinture.

Pour voir par vous-même la radiance onirique que Scharf a séduite de ses médiums, visitez le site du Smithsonian American Art Museum, qui possède dix peintures de Scharf dans sa collection. En personne, elles sont encore plus brillantes et plus complexes. De près, vous pouvez voir que même si Scharf a conservé la rapidité gestuelle et l'énergie de ses premiers influenceurs, il n'y avait rien de désordonné ou d'accidentel dans son travail. Ces couches ont de la profondeur—pourtant elles transmettent une simplicité et une fraîcheur, comme si elles venaient juste de flotter dans l'espace sortant de l'esprit d'un conteur visuel.

William Scharf - Night Move, 1964, Oil on paper mounted to board, 12 1/2 × 19 1/2 in, 31.8 × 49.5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Un artiste parmi les artistes

À partir de 1950, Scharf ne cesse d’exposer. Ses œuvres font partie des collections permanentes de dizaines d'institutions importantes, dont le Philadelphia Museum of Art, le Boston Institute of Contemporary Art, le Museum of Modern Art (MOMA) et le Solomon R. Guggenheim Museum de New York. Néanmoins, sa réputation publique est limitée. Son nom n’est pas connu, malgré son succès et l’attrait évident de son travail. Il était ce qu’on appelle parfois un artiste parmi les artistes – un étrange compliment qui témoigne de l’influence que Scharf a exercée sur ses contemporains ainsi que sur trois générations d’étudiants.

Scharf a commencé sa carrière d'enseignant en 1964 au MOMA Art Center de New York. Il a ensuite enseigné à la School of Visual Arts de New York, au San Francisco Institute of Fine Arts, à la prestigieuse Art Students League, où il a enseigné de 1987 jusqu'à sa mort, ainsi qu'au Pratt Institute, à l'Université de Stanford et à l'Université de Californie. Collège des Arts et Métiers de San Francisco. Ce qui est dit à propos de son enseignement est un grand éloge : il a aidé ses élèves à atteindre la meilleure version possible d'eux-mêmes. Surtout dans le marché de l'art compétitif d'aujourd'hui, où suivre ou non les tendances peut faire la différence entre la renommée et l'anonymat, la capacité de Scharf à permettre à ses étudiants de se retrouver était précieuse. Son respect pour la vision individuelle est ce qui lui a permis de créer une œuvre indéfinissable. C’est aussi ce qui étend son héritage au-delà des limites de son époque.

William Scharf - Untitled, 1985, Colored pencil on paper, 8 1/2 × 11 in, 21.6 × 27.9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Image en vedette : William Scharf - To Golden Wreath, The Geometrique Smile, On the Trance Branch (De gauche à droite), s.d., 2001, 2007 (De gauche à à droite), Acrylique sur papier, 9 × 12 po, 22,9 × 30,5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio