L'icône de l'expressionnisme abstrait tardif, William Scharf, est décédé

Le peintre abstrait américain et éducateur William Scharf est décédé à l'âge de 90 ans. Scharf est souvent classé soit comme un expressionniste abstrait, soit comme un artiste du champ chromatique. Chacun de ces termes a une certaine légitimité. Après avoir servi dans l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, Scharf a passé cinq ans à étudier l'art, principalement à l'Académie des Beaux-Arts de Pennsylvanie. Il s'est installé à New York en 1952 pour devenir artiste à plein temps. À cette époque, l'expressionnisme abstrait dominait la scène, et Scharf s'y est pleinement immergé. Il s'est également lié d'amitié avec le grand pionnier du champ chromatique Mark Rothko dans les années 1950. Rothko a été son mentor et lui a transmis une appréciation du pouvoir émotionnel de la couleur. Les deux sont devenus si proches que, au début des années 1970, Scharf a même aidé à la chapelle Rothko à Houston — un monument de la peinture du champ chromatique, et l'une des destinations les plus importantes au monde pour les amateurs d'art abstrait. Mais malgré ces racines indéniables dans l'expressionnisme abstrait et la peinture du champ chromatique, l'œuvre que Scharf a construite au cours de sa vie défie ces étiquettes faciles. Son travail est en effet coloré — même lumineux. Et ses gestes sont expressivement lyriques, intuitifs et abstraits. Mais sa vision est presque baroque dans sa capacité à raconter l'émotion. Scharf était un maître de l'évocation et de la suggestibilité ; il canalisait la couleur et la forme en compositions aux qualités mythiques mystérieuses. Il donnait à ses œuvres des titres qui nous font comprendre son intention de raconter des histoires — des récits poétiques pleins de sentiments, qui ne peuvent s'empêcher de suggérer le sens de l'œuvre.

Aventures en exploration

La première impression que j'ai en regardant une peinture de Scharf est le plaisir. Je ne veux pas dire que les peintures sont fantaisistes ou faciles. Elles ne le sont souvent pas. Je veux simplement dire que j'ai l'impression que l'image m'invite à une aventure. Sa peinture de 1956 Of the Square and by the Night possède la palette de couleurs d'une rue de ville vue à travers les vitres d'une voiture. Des formes rouges, blanches, bleues et noires se mêlent et semblent rebondir devant l'œil. Des formes biomorphiques ressemblent à des réverbères, des lunes et des étoiles. Des formes géométriques évoquent des bâtiments et des enseignes. Sur le côté gauche, un assemblage énigmatique de marques rouges suggère la présence d'un être.

Cette image semble vivante et excitante, comme une nuit en ville. Elle est évidemment abstraite, mais son titre, et plus encore son énergie, ouvrent des portes à des possibilités narratives. Son sens de l'aventure est quelque chose qui est resté présent dans son travail tant que Scharf a continué à peindre. C'est essentiel à son processus, qui incarnait un esprit enfantin d'exploration. Il a un jour parlé de ce sentiment de faire la première marque sur une page blanche ou un tableau noir enfant — ce sens de la possibilité, de la capacité à formuler de nouveaux mondes dans l'espace. Il l'appelait « des explorations d'un genre qui pourraient hanter et obséder toute la vie d'un peintre ».

William Scharf - Of the Square and by the Night, 1956, Huile sur toile, 91,4 × 121,9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Une lueur onirique

Un autre pouvoir immédiatement reconnaissable que possédait Scharf était la capacité à tirer un éclat phosphorescent de ses peintures. Il a passé toute sa carrière à travailler avec des acryliques. Lorsque vous achetez un nouveau tube de peinture acrylique en magasin, le médium a son propre éclat — un pigment pur. Mais comme toute personne ayant déjà travaillé avec de la peinture le sait, dès que l'artiste commence à jouer avec cette couleur, à la mélanger à la recherche de la teinte parfaite, elle perd sa luminosité. Parfois, elle prend la couleur de la terre. Presque jamais elle ne conserve son éclat d'origine. Mais rarement, par chance ou par habileté, un artiste fait jaillir encore plus de lumière de la peinture.

Pour voir par vous-même la radiance onirique que Scharf a su séduire de ses médiums, visitez le site du Smithsonian American Art Museum, qui possède dix peintures de Scharf dans sa collection. En personne, elles sont encore plus brillantes et plus complexes. De près, on peut voir que même si Scharf a conservé la rapidité gestuelle et l'énergie de ses premiers influences, il n'y avait rien de hasardeux ou d'accidentel dans son travail. Ces couches ont de la profondeur — pourtant elles transmettent une simplicité et une fraîcheur, comme si elles flottaient dans l'espace sorties de l'esprit d'un conteur visuel.

William Scharf - Night Move, 1964, Huile sur papier monté sur panneau, 31,8 × 49,5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Un artiste parmi les artistes

À partir de 1950, Scharf n'a jamais cessé d'exposer. Ses œuvres font partie des collections permanentes de dizaines d'institutions importantes, notamment le Philadelphia Museum of Art, l'Institut d'Art Contemporain de Boston, ainsi que le Museum of Modern Art (MOMA) et le Solomon R. Guggenheim Museum à New York. Néanmoins, sa renommée publique reste limitée. Son nom n'est pas connu du grand public, malgré son succès et l'attrait évident de son travail. Il était ce que l'on appelle parfois un artiste parmi les artistes — un étrange compliment qui témoigne de l'influence que Scharf a eue sur ses contemporains ainsi que sur trois générations d'élèves.

Scharf a commencé sa carrière d'enseignant en 1964 au Centre d'Art du MOMA à New York. Il a ensuite enseigné à la School of Visual Arts de New York, à l'Institut des Beaux-Arts de San Francisco, à la prestigieuse Art Students League, où il a enseigné de 1987 jusqu'à sa mort, ainsi qu'à l'Institut Pratt, à l'Université Stanford et au California College of Arts and Crafts à San Francisco. Ce que l'on dit de son enseignement est un grand éloge — qu'il aidait ses élèves à atteindre la meilleure version possible d'eux-mêmes. Surtout dans le marché de l'art compétitif d'aujourd'hui, où suivre ou non les modes peut faire la différence entre la célébrité et l'anonymat, la capacité qu'avait Scharf de permettre à ses élèves de se trouver eux-mêmes était précieuse. Son respect pour la vision individuelle est ce qui lui a permis de créer un corpus d'œuvres indéfinissable. C'est aussi ce qui prolonge son héritage au-delà des limites de son époque.

William Scharf - Sans titre, 1985, Crayon de couleur sur papier, 21,6 × 27,9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Image en vedette : William Scharf - To Golden Wreath, The Geometric Smile, On the Trance Branch (De gauche à droite), s.d., 2001, 2007 (De gauche à droite), Acrylique sur papier, 22,9 × 30,5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio