James McNabb - Voir des paysages urbains en bois

James McNabb vit soit le rêve ultime, soit le cauchemar absolu de tout jeune artiste dans le monde. Il y a plusieurs années, McNabb a créé une collection de pièces sculpturales en bois recyclé pour son projet de mémoire de maîtrise en beaux-arts. Les œuvres principales de l’exposition étaient une forme circulaire autoportante, une forme sphérique suspendue et une forme tabulaire autoportante. Chacune était composée de petites formes géométriques, abstraites, en bois, en forme de tours, mais une fois assemblées en groupes, ces tours géométriques hautes et fines prenaient le caractère de quelque chose de tout à fait différent : une ville. Après la fin de son exposition de mémoire, McNabb a lancé une campagne Kickstarter pour financer un projet de suivi appelé The City Series, qui étendait son idée de base en une série plus large d’œuvres similaires. Comme McNabb l’a décrit sur Kickstarter, The City Series est « une collection de sculptures en bois qui représentent le parcours d’un menuisier des banlieues à la ville. Chaque pièce dépeint la perspective d’un étranger sur le paysage urbain. Entièrement fabriquée à partir de bois de récupération, cette œuvre est une interprétation de la création de quelque chose à partir de rien. Chaque pièce est découpée de manière intuitive à la scie à ruban. Le résultat est une collection de formes architecturales, chacune distinctement différente de la suivante. » La campagne a dépassé son objectif, et depuis 2013, McNabb expose les œuvres qui en sont issues dans des expositions d’art à travers le monde. Son travail a été évoqué dans des dizaines de publications, et le 2 septembre 2017, une exposition personnelle de ses œuvres a ouvert à la Galerie Magda Danysz à Paris. Tout cela semble merveilleux, n’est-ce pas ? Son exposition de mémoire fait la renommée de McNabb. Il vit son rêve. Mais c’est aussi peut-être tragique, car il semble que tout le monde, y compris McNabb, se trompe.

Artiste, Créateur, Artisan

On peut supposer sans risque que James McNabb se considère comme un artiste abstrait. En 2013, sur sa page Kickstarter, McNabb se décrivait comme un « artiste, créateur, artisan ». Le mot artiste vient en premier. Rien que pour cela, nous devrions présumer qu’il souhaite que son travail soit perçu par les spectateurs comme étant avant tout de l’art. De plus, lorsqu’il décrivait son travail, il ne disait pas : « Ce sont des bâtiments et ceci est une ville. » Il était plus ouvert. Il décrivait les pièces comme des « sculptures en bois qui représentent » quelque chose et « dépeignent » quelque chose. Il qualifiait son travail d’« interprétation ». Cela le placerait apparemment dans la tradition de la pionnière brésilienne du néoconcret Lygia Pape, dont nous avons parlé hier, qui créait des formes abstraites et géométriques suggérant une ligne de pensée, mais qui restaient ouvertes, attendant l’interprétation des spectateurs.

James McNabb - Sans titre, City Arc (004217CA24), 2017

Mais attendez. Rester ouvert et attendre l’interprétation est la chose la plus éloignée de ce qui se passe avec McNabb et son travail. Son œuvre est décrite dans les termes les plus figuratifs et représentatifs possibles. Elle n’est pas qualifiée d’art abstrait. On parle plutôt de design abstrait. Et ce n’est pas seulement la faute des rédacteurs. McNabb a collaboré à trois reprises avec la firme mondiale de publicité Leo Burnett Worldwide pour créer leurs prix de l’Agence de l’Année, qui imitent son « art », sauf que les formes intègrent l’architecture réelle de la ville d’origine de l’agence gagnante. McNabb a aussi créé une maquette plate et représentative de Manhattan dans son style caractéristique, qui a été présentée dans le magazine New Yorker. Il semble donc y avoir un décalage. Si McNabb veut que son travail soit perçu comme de l’art, et surtout comme de l’art abstrait, pourquoi réalise-t-il de tels projets ? Il n’y a rien d’artistique dans des prix publicitaires. Il n’y a rien d’abstrait dans une maquette miniature en bois de Manhattan. Ces choses étaient certes esthétiques, mais elles ne sont que de l’artisanat et du design.

James McNabb - Roue, 2015, Bois divers, 45 pouces de diamètre

Plus d’Explications

Lorsque Constantin Brancusi créa sa première Colonne sans fin en 1918, il la décrivit comme une « colonne pour l’infini ». Il exprima plus tard cette idée sous une forme monumentale avec sa Tour de l’Infini en Roumanie. La signification de la forme de la tour est laissée à l’interprétation. Elle évoque un totem, un gratte-ciel, une canne de marche ; ou peut-être simplement un empilement sans sens de pyramides tronquées. Mais sa valeur en tant qu’art réside dans notre liberté de compléter l’œuvre avec nos propres expériences et pensées. Louise Bourgeois a également réalisé des tours géométriques à l’allure architecturale. Elles pouvaient être lues comme des bâtiments, surtout exposées en groupe. Ou elles pouvaient représenter des personnes. Ou elles pouvaient projeter de multiples autres significations, encore une fois basées sur les expériences et pensées personnelles du spectateur. C’est l’une des traditions les plus vénérées, et il faut l’admettre parfois aussi les plus irritantes, de l’art abstrait : la tradition de ne pas expliquer exactement ce qu’est quelque chose.

James McNabb - détail d’une œuvre

L’ouverture sépare l’abstraction de la représentation. Elle sépare aussi les artistes des créateurs et artisans. Les créateurs fabriquent des produits utiles. Ils peuvent aussi fabriquer des produits beaux et porteurs de sens, mais l’essence de leur travail est l’utilité. Les artisans pratiquent un métier. Ils fabriquent des objets à la main pour démontrer la maîtrise d’un savoir-faire traditionnel et pour participer à la tradition à laquelle ce savoir-faire appartient. Les artistes sont différents. Ils emploient parfois les compétences des créateurs, et ils maîtrisent parfois leur métier. Mais ils nous aident aussi à donner un sens à nos vies. Ils nous aident à nous connecter à l’inconnu. Ils ouvrent des possibilités au-delà de ce que nous connaissons et voyons déjà. Ce que je trouve regrettable, c’est que les objets que James McNabb crée pourraient faire cela. Si je les rencontrais avec un esprit ouvert, ils pourraient m’inspirer à les contempler et m’amener à m’engager dans des conversations plus larges. Mais au lieu de cela, ils tombent à plat parce qu’avant même que j’aie eu la chance de les rencontrer dans l’ouverture, McNabb et une armée de marketeurs m’ont déjà rencontré à mi-chemin avec l’explication la plus mesquine et évidente de ce qu’ils sont et de ce qu’ils signifient. C’est tragique parce que, bien que l’attention rende McNabb célèbre, elle diminue aussi la valeur de son travail en trahissant sa complexité.

James McNabb - Ack Cty Whl 1, 2017 (gauche) et Ack Cty Whl 2, 2017 (droite)

Image en vedette : James McNabb - City Vessel, chêne, 48 x 41 x 30 cm

Toutes les images © James McNabb, toutes les images utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio