Le légendaire artiste cinétique et opérationnel Carlos Cruz-Diez est décédé à 95 ans

Carlos Cruz-Diez (né en 1923), un artiste du peuple, est décédé. Une nécrologie publiée sur son site officiel indique : « C’est avec une profonde tristesse que nous annonçons le décès de notre bien-aimé père, grand-père et arrière-grand-père, Carlos Eduardo Cruz-Diez, le samedi 27 juillet 2019 dans la ville de Paris, France. Ton amour, ta joie, tes enseignements et tes couleurs resteront à jamais dans nos cœurs. » IdeelArt a eu la chance de visiter l’atelier de cet artiste captivant à trois reprises au fil des années avec divers artistes — la plus récente étant juste la semaine dernière, le vendredi 26 juillet, la veille de son décès. C’est un grand choc pour nous, et une grande tristesse, qu’il soit désormais parti. Cruz-Diez était le dernier membre survivant de ce que Gabriel Pérez-Barreiro, conservateur de la 33e Biennale de São Paulo (2018), avait nommé la « Sainte Trinité » de l’art vénézuélien, aux côtés d’Alejandro Otero (1921 – 1990) et Jesús Rafael Soto (1923 – 2005). Ensemble, ces trois artistes novateurs ont contribué à renverser l’idée culturelle longtemps ancrée selon laquelle l’art était réservé à l’élite. Ils ont créé un art destiné à être exposé en public pour que tous puissent le voir, et qui devait être tenu, touché et vécu en personne. Cruz-Diez a finalement réalisé plus de 100 interventions artistiques publiques. Certaines, comme les « Passages piétons de couleur additive » (conçus vers 1960, installés en 2011) devant le Museum of Fine Arts de Houston, s’intègrent parfaitement dans l’espace public, utilisant de petites touches de couleur inattendues pour rappeler aux passants la nature constamment changeante de la réalité quotidienne. D’autres, comme l’installation monumentale « Un être flottant » (2016), installée au Palais d’Iéna à Paris, ont complètement transformé les environnements architecturaux, créant des situations dramatiques capables de subvertir la compréhension publique de l’espace commun.

Un pionnier de l’art cinétique

Lorsque Cruz-Diez a obtenu son diplôme de l’École des Beaux-Arts de Caracas en 1940, le domaine artistique vénézuélien était largement coupé du reste du monde occidental. Même les nouvelles de l’impressionnisme mettaient près d’un demi-siècle à atteindre sa ville natale. Ainsi, en 1955, après plus d’une décennie de travail en tant qu’artiste et illustrateur publicitaire après ses études, Cruz-Diez quitta le Venezuela pour s’installer à Barcelone. De là, il se rendait fréquemment à Paris pour visiter les ateliers de ses compatriotes déjà immigrés dans cette ville. Après avoir vu pour la première fois l’Art optique et l’Art cinétique lors de l’exposition « Le Mouvement » à la Galerie Denise René en 1955, Cruz-Diez sut qu’il avait trouvé la voie à suivre. Il retourna à Caracas en 1957, fonda une école d’arts visuels, puis s’installa définitivement à Paris en 1960.

Carlos Cruz-Diez atelier. Photo avec l’aimable autorisation de : IdeelArt.

Ses premières œuvres optiques étaient réalisées en collant des bandes de plastique sur des feuilles de carton. Leur construction simple cachait la complexité des phénomènes perceptifs qu’elles suscitaient. Plutôt que de présenter une image unique à regarder, elles demandaient au spectateur de se déplacer devant leur surface pour vivre l’œuvre dans son ensemble. Au fur et à mesure que le spectateur changeait de position, l’œuvre elle-même changeait. De plus, au fil des variations de la lumière au cours de la journée, les couleurs de l’œuvre changeaient également, créant un univers d’humeurs et de sensations changeantes pour les spectateurs revenant voir l’œuvre à différents moments et dans différentes conditions. Pour Cruz-Diez, le but de ce type d’œuvre était qu’elle soit participative — plutôt que de simplement contempler un tableau ou une sculpture, le spectateur doit interagir physiquement avec l’œuvre pour créer le type d’expérience qu’il souhaite. Au fil de sa carrière, Cruz-Diez a commencé à utiliser des matériaux plus durables, comme le métal, et a évolué vers des œuvres beaucoup plus élaborées. Pourtant, le concept démocratique simple au cœur de son travail est resté le même : l’expérience n’est jamais la même deux fois, et aucun spectateur ne réagit à l’œuvre de la même manière.

Carlos Cruz-Diez atelier. Photo avec l’aimable autorisation de : IdeelArt.

Saturé de couleur

Bien que l’artiste ait eu 95 ans, ceux qui étaient proches de Cruz-Diez ont néanmoins été surpris par son décès soudain, car il est resté vif et actif jusqu’à la fin. L’une de ses installations les plus récentes était en fait aussi l’une de ses plus ambitieuses — la réinterprétation saisissante de sa projection de lumière et de couleur de 1974 « Chromointerférence spatiale » à l’intérieur de la citerne du Buffalo Bayou Park de 8 100 m² à Houston, Texas, qui a fermé ses portes le 7 avril 2019. La version originale de 1974 avait été installée dans un entrepôt de services publics à Caracas, la couleur étant projetée sur les surfaces de l’espace à l’aide de projecteurs à diapositives. Sa manifestation contemporaine a été réalisée avec 26 projecteurs numériques, capables d’obtenir des couleurs plus pures et d’envelopper les projections autour des caractéristiques intérieures extrêmement complexes de la citerne. Chaque visiteur de l’installation devenait partie intégrante de l’œuvre, les projecteurs renvoyant la couleur et la lumière sur leurs corps et leurs vêtements. L’œuvre changeait ainsi à chaque mouvement de chaque corps entrant dans l’espace — la réalisation de l’idée que l’art est pour le peuple de tous les jours, et fondamental à la vie quotidienne.

Carlos Cruz-Diez atelier. Photo avec l’aimable autorisation de : IdeelArt.

Chromosaturations était le nom que Cruz-Diez donnait à des œuvres telles que « Chromointerférence spatiale ». Toutes les Chromosaturations n’étaient pas aussi complexes ; certaines étaient aussi simples qu’une lumière projetant de la couleur dans une seule pièce. Le but est simplement de susciter une situation où le spectateur peut voir sa perception mise à l’épreuve. Au début, peut-être, les spectateurs ne font que constater que la lumière et la couleur sont indissociables — une idée que Cruz-Diez considérait comme une priorité absolue dans son travail. Mais ensuite, ils peuvent réaliser que non seulement la pièce a été transformée par la couleur et la lumière, mais que leur propre corps et leurs vêtements ont aussi été modifiés. Le changement est à la fois réel et irréel ; complet, mais aussi superficiel. Comme la réalité concrète d’une Chromosaturation change à chaque nouveau spectateur qui la traverse, la signification de l’œuvre fluctue également selon leurs perceptions intérieures. De cette manière subtile, Cruz-Diez nous rappelait constamment que tout est en perpétuel changement, et que rien ne peut être compris d’un seul point de vue.

Image en vedette : Carlos Cruz-Diez atelier. Photo avec l’aimable autorisation de : IdeelArt.
Par Phillip Barcio