Martin Barré, L'artiste abstrait oublié, au Centre Pompidou

La rétrospective Martin Barré, présentée du 14 octobre 2020 au 4 janvier 2021 au Centre Pompidou, offre le regard le plus complet jamais réalisé sur la carrière en constante évolution de cet artiste. artiste énigmatique. Pourtant, malgré sa renommée locale (20 des œuvres exposées proviennent de la collection permanente du Pompidou), nombreux seront sans doute les spectateurs étrangers qui n'auront aucune idée de qui est cet artiste. S’ils envisagent son œuvre uniquement d’un point de vue contemporain, ils peuvent même se demander pourquoi ils devraient s’en soucier. Barré n'a abordé aucune préoccupation sociale ou politique particulière dans son travail. En fait, ses peintures semblent souvent n’avoir aucun contenu et ne font pas non plus grand bruit en tant qu’objets. En effet, Barré (1924-1993) fut également fréquemment licencié à son époque. Néanmoins, pour beaucoup d’entre nous, il y a quelque chose d’indéniablement attrayant dans son travail. Simples, et même parfois simplistes, ses peintures sont honnêtes, amusantes et incontestablement humaines. Barré a fait des peintures qui semblent à peine être des peintures, et j'ai l'impression que c'était là le but. Comme le précise la rétrospective Pompidou, Barré a connu au moins cinq changements majeurs dans son style visuel. Ces changements sont peut-être sans conséquence en termes d’histoire de l’art, mais cela ne diminue en rien la vérité que son évolution a constamment révélée : la seule obligation d’un artiste est envers sa propre curiosité. À notre époque, où l’on attend de chaque artiste qu’il soit capable de défendre vigoureusement son œuvre sur les plans académique, social et politique, Barré peut sembler moins que sérieux. Mais cela a toujours été le cas, même il y a un demi-siècle. Il n'a jamais trouvé sa place. En poursuivant ses propres intérêts, Barré est devenu pour ses admirateurs français ce qu'Agnès Martin est pour les Américains : une prophète du minimalisme à la fois comme méthode esthétique et comme chemin vers la connaissance de soi.

Le proto-minimaliste

Né à Nantes, dans l'ouest de la France, en 1924, Barré aurait marché jusqu'à Paris en tant qu'artiste aspirant de 19 ans. Le voyage de 376 km lui a pris cinq jours. Pendant la décennie suivante, il a étudié dans diverses académies d'art et expérimenté différentes méthodes et langages visuels. Il a rapidement déterminé que la seule voie à suivre pour lui était l'abstraction, et la principale préoccupation abstraite qui l'intéressait était la relation entre l'image peinte et son fond (ou surface préparée). Barré était curieux de savoir ce qui pouvait constituer une peinture ; ce qui rendait les peintures distinctes ; et ce qui pouvait être considéré comme contenu dans une peinture. Il ne pensait pas être un pionnier en posant ces questions. Au contraire, en se référant à une peinture créée un demi-siècle plus tôt, il a déclaré : "Toute peinture me semble mener à et partir de le carré noir de Malevich sur un fond blanc."

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acrylique sur toile. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020

Dans plusieurs de ses premières peintures abstraites, Barré a également utilisé le carré pour explorer la relation entre l'image et le sol. Plutôt que de peindre les carrés, il a bloqué la forme, délimitant son vide avec l'espace peint qui l'entoure. La question simple que posent ces peintures est de savoir si le vide peut être un contenu. Ensuite, il a encore simplifié sa méthode, en s'inspirant des graffitis peints à la bombe qu'il a vus autour de Paris. Percevant les bombes de peinture en aérosol comme des extensions parfaites de la main de l'artiste, il a réalisé une série de peintures qui ne ressemblent à rien de plus que des lignes pulvérisées sur les surfaces préparées des toiles. Parfois, il dessinait des lignes selon un motif. D’autres fois, il ne traçait qu’une petite ligne sur un coin d’une toile. Parfois, il peignait des gribouillis. D'autres fois, il accrochait plusieurs toiles sur un mur et continuait une ligne de toile en toile. La qualité minimale de ces œuvres se démarque des œuvres réalisées par ses contemporains dans les années 1960, conférant à Barré sa réputation d'anti-culture et de proto-minimaliste.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Huile sur toile. 100 x 100 cm. Collection privée, Paris; courtesy Applicat-Prazan, Paris. © Martin Barré, Adagp, Paris 2020 / Photo: Art Digital Studio

Questions simples

Dans les années 1970, Barré fait une pause de quatre ans dans la peinture pour explorer ce qu'il appelle le photo-conceptualisme. Cette période de sa carrière n'est pas fréquemment explorée dans ses expositions en galerie. Je me demande parfois : si l’art ne pouvait pas être acheté et vendu, en quoi cela changerait-il la façon dont les gens en parlent ? Habituellement, je pense qu’ils écriraient moins. Dans le cas de Barré, je pense qu’ils écriraient davantage, notamment sur cette pause. Cela n’a peut-être pas généré de produits destinés à être vendus dans les magasins d’art, mais cela a profondément affecté la façon dont Barré comprenait sa question centrale sur l’image par rapport au fond. À la fin, ses peintures sont devenues beaucoup plus denses, avec des grilles esquissées supportant des hachures peintes, elles-mêmes voilées par des couches de lavis clair. Ces œuvres sont toujours géométriques, remontant à Malévitch et à ses carrés, mais elles sont assez complexes et se rapprochent plus que tout ce que Barré a fait auparavant d'embrasser ce que la plupart des spectateurs considéreraient comme du contenu.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Huile sur toile. 81 x 330 cm (quadriptyque). Collection privée. Courtesy Matthew Marks Gallery, New York / Photo: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Paris 2020

Dans ses dernières années, Barré a de nouveau affiné son langage visuel, créant cette fois une série d'œuvres géométriques à contours nets qui suggèrent son affinité avec un autre abstractionniste précoce : Piet Mondrian. Ces peintures finales, avec leurs compositions propres et plates, sont parfois considérées comme des rejets de ses œuvres antérieures, qui sont plus brutes. Cependant, elles ne semblent pas si éloignées. Elles montrent des lignes peintes sur un fond afin de délimiter l'espace. Les zones peintes interrogent le fond, soulevant des questions sur quelle partie de la peinture est l'image. Comme toutes ses peintures précédentes, ces œuvres finales posent la question de ce qui est plus important : le contenu d'une peinture ou son support ? Pour moi, ce n'est pas seulement une question de peinture, mais aussi une question existentielle sur le fait d'être peintre. Elle interroge ce qui est valide aux yeux des autres ; ce qui devrait attirer l'attention ; et ce qui vaut notre temps—des questions simples peut-être, posées par des peintures simples, mais leur simplicité laisse de la place pour que nous apprenions sur nous-mêmes.

Featured image: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Huile sur toile. 192 x 253 cm (quadriptyque). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paris 2020
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio