Robert Delaunay et son approche de la couleur

Que signifie dire qu’un tableau est « réaliste » ? La réalité est un sujet controversé. Elle est purement subjective, après tout. Ce que l’on considère comme réel repose sur une combinaison de ce que l’on perçoit, de ce que l’on comprend et de ce que l’on peut imaginer. En 1912, le peintre Robert Delaunay publia un essai dans la revue allemande Der Sturm intitulé « Notes sur la construction de la réalité dans la peinture pure. » Cet essai tentait de résumer les soixante années précédentes de recherches artistiques, depuis le début de l’Impressionnisme, sur la manière la plus juste de représenter la réalité en art. Delaunay décrivait le travail de ses prédécesseurs comme scientifique et analytique, décomposant la peinture en ses éléments afin d’atteindre l’essentiel de la réalité peinte. Il écrivait que les artistes ne devaient s’efforcer que de créer ce qui est beau et que la réalité est la seule chose véritablement belle. Mais la réalité, selon Delaunay, ne signifiait pas imitation. Il supposait plutôt que l’élément le plus fondamental et beau de la réalité était la couleur, car la nature, par la lumière, transmet la beauté du monde à nos yeux par la couleur, et que « ce sont nos yeux qui transmettent les sensations perçues dans la nature à notre âme ».

La couleur est la réalité

Une des choses que Robert Delaunay aimait dire de lui-même est qu’avant lui, les peintres utilisaient la couleur uniquement pour colorer. Il croyait être le premier peintre à utiliser la couleur comme sujet en soi. Il rendait hommage aux Impressionnistes, car ce sont eux qui avaient identifié l’importance de la lumière. Mais ils n’utilisaient encore que les qualités de la lumière pour copier des images du monde objectivement visible. Mais au moins, ils reconnaissaient qu’une image est composée de nombreuses parties différentes, et que c’est la perception de ces parties qui crée une impression de ce qu’est la réalité. La perception ne se fait pas sur la toile, mais dans le cerveau.

Le pointillisme fut le premier et le plus profond des styles picturaux à vraiment examiner le fait que la perception se produit dans le cerveau. Aussi appelé divisionnisme, il utilisait de petits blocs de couleur placés côte à côte sur une toile pour donner l’impression d’une couleur mélangée plutôt que de mélanger les couleurs au préalable. Le cerveau combinait alors les couleurs pour compléter l’image. Cette prise de conscience, que les yeux et le cerveau pouvaient compléter une image autrement incomplète, devint un principe fondateur de l’avant-garde de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Elle inspira la peinture futuriste, le Cubisme, Orphisme et d’innombrables autres styles et mouvements depuis.

La couleur comme sujet

Robert Delaunay fut captivé par la pensée divisionniste. Elle l’inspira à réfléchir à la relation que les couleurs entretiennent entre elles lorsqu’elles sont placées côte à côte sur la toile, indépendamment de l’image qu’elles servent à créer. Il agrandit les blocs de couleur au-delà de ce que les pointillistes avaient fait, créant des effets visuels beaucoup plus prononcés et abstraits. Il utilisa cette technique pour réaliser une série de portraits de son ami et collègue peintre abstrait Jean Metzinger.

Dans les peintures de Metzinger de Delaunay, on peut voir des blocs de couleur créant de la profondeur et un sentiment de mouvement en plus de simplement former une image. À travers ses peintures divisionnistes, Delaunay comprit que la couleur pouvait transmettre la forme, la profondeur, la lumière et même l’émotion. Indépendamment des éléments figuratifs d’une image, la couleur pouvait, à elle seule, exprimer toute vérité ou toute réalité qu’un peintre espérait communiquer.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, huile sur toile, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Couleur et plan

Alors que Delaunay faisait ses propres découvertes sur la réalité peinte, les Cubistes, menés par Pablo Picasso, expérimentaient également dans un domaine similaire. Ils tentaient de représenter la réalité en quatre dimensions et le passage du temps. Leur méthode consistait à diviser le monde en plans spatiaux puis à utiliser ces plans pour exprimer une multitude de points de vue simultanés sur un même sujet.

Delaunay ne s’intéressait pas à la perspective. Il croyait que seul, par la couleur, on pouvait exprimer le mouvement ou tout autre phénomène. Mais il fut néanmoins intrigué par l’idée cubiste des plans spatiaux. Il avait remarqué que lorsque la lumière frappe les objets, les différentes teintes qui apparaissent sont déterminées par la géométrie de leurs plans spatiaux. Puisque les plans et la géométrie ont un effet direct sur la couleur, il emprunta le langage esthétique du plan brisé aux Cubistes et l’appliqua à ses peintures, créant une nouvelle approche esthétique abstraite, à la fois divisionniste et cubiste. Il utilisa ce style de manière célèbre dans une série de peintures représentant ce qu’il croyait être le symbole ultime de l’époque moderne : la tour Eiffel.

Robert Delaunay - Tour Eiffel, 1911 (datée 1910 par l’artiste). Huile sur toile. 79 1/2 x 54 1/2 pouces (202 x 138,4 cm). Musée Solomon R. Guggenheim, New York, Collection fondatrice Solomon R. Guggenheim, Don. 37.463

Couleur et contraste

Une des découvertes suivantes de Delaunay concernait le contraste. Il comprit que les couleurs pouvaient se compléter d’une manière capable de susciter des réactions émotionnelles dans l’esprit du spectateur. Il commença à éliminer le sujet, la profondeur, la lumière et tous les autres facteurs, se concentrant uniquement sur le contraste des couleurs pour sa propre valeur. Il apprit que différents contrastes de couleurs produisaient différents effets émotionnels. Certaines couleurs contrastaient d’une manière légère ou joyeuse. D’autres contrastaient d’une manière lourde ou mélancolique.

Il découvrit aussi que certaines couleurs, placées côte à côte, créaient en fait une impression de mouvement. Les spectateurs les percevaient comme tremblantes, vibrantes, voire changeant de teinte plus ils les regardaient longtemps. Delaunay appela cette sensation la Simultanéité. Dans son tableau de 1914 Hommage à Blériot, il utilisa la théorie de la Simultanéité pour exprimer ce qu’il croyait être l’état essentiel de la modernité, le mouvement, représenté presque entièrement par la couleur et la forme purement abstraite.

Robert Delaunay - Hommage à Blériot, 1914, huile sur toile, 1,94 x 1,28 m. Kunstmuseum Bâle, Bâle, Suisse

L’héritage de Robert Delaunay

L’histoire était importante pour Delaunay, et selon ceux qui le connaissaient, il était bien conscient de sa place en elle. Il aimait particulièrement souligner qui, ou quoi, était le premier. Il écrivait que « les premières peintures étaient simplement un trait entourant l’ombre d’un homme projetée par le soleil sur la surface de la terre. » Il louait le peintre Seurat, fondateur du pointillisme, pour avoir montré en premier l’importance des couleurs complémentaires. Mais il critiquait ensuite Seurat pour son accomplissement incomplet, affirmant que le pointillisme n’était « qu’une technique ». Delaunay affirmait que c’était lui-même qui avait utilisé en premier la théorie des couleurs complémentaires pour parvenir à une expression pure de la beauté.

En effet, après avoir lu les écrits de Delaunay sur la couleur, il est clair qu’il est responsable de nombreuses réflexions originales sur les qualités formelles de la peinture. Lui et son épouse Sonia sont crédités d’avoir inventé l’Orphisme, l’un des styles abstraits les plus influents apparus avant la Première Guerre mondiale. Mais sans rien enlever à Delaunay, le fait qu’il accorde tant d’attention à la couleur soulève une question : la couleur peut-elle vraiment être l’expression la plus pure de la réalité par la nature ? Peut-elle être la seule manière de transmettre la beauté à notre âme ? Cela doit être décourageant pour une personne aveugle, ou daltonienne, d’entendre de telles affirmations. Peut-être que la pensée de Delaunay sur la couleur n’était pas la fin de l’histoire. Peut-être que ce qui importe le plus dans son œuvre, c’est qu’il a posé les questions que beaucoup d’amateurs d’art abstrait se posent encore aujourd’hui : Qu’est-ce que la réalité ? Qu’est-ce que la beauté ? Quelle est la meilleure manière de les communiquer pour qu’elles touchent l’âme humaine ?

Image en vedette : Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906, huile sur toile, 55 x 43 cm. Collection privée
Par Phillip Barcio