Sadamasa Motonaga, entre art haut et bas art

Une exposition de peintures abstraites de milieu de carrière de Sadamasa Motonaga est actuellement présentée chez McCaffrey Fine Art à New York. Motonaga fut l’un des premiers membres du Groupe Gutai, un collectif d’art expérimental formé à Osaka, au Japon, en 1954. Le fondateur de Gutai, Yoshihara Jiro, écrivait dans son manifeste Gutai de 1956 : « Nous avons décidé de poursuivre avec enthousiasme les possibilités de la créativité pure. » L’essence de l’esprit Gutai résidait dans la directive de Yoshihara de faire ce qui n’avait jamais été fait auparavant — un écho d’après-guerre mondial à l’ancien refrain moderniste « faire du neuf ! » Motonaga s’est rapidement imposé comme un membre clé de Gutai avec ce que Yoshihara déclara être la toute première sculpture d’eau, que Motonaga exposa en 1955 lors de « L’Exposition expérimentale en plein air d’art moderne pour défier le soleil de la mi-été », la première exposition Gutai, qui eut lieu à Ashiya, au Japon. La sculpture consistait en des tubes en plastique transparent suspendus entre des arbres. À l’intérieur de chaque tube, Motonaga injectait un liquide coloré qui s’accumulait ensuite au centre. La lumière du jour activait le liquide coloré, lui donnant une lueur éphémère. L’œuvre donnait temporairement forme aux forces du monde naturel. Tout au long de sa longue carrière, Motonaga expérimenta sans cesse de nouveaux supports et techniques, mais l’essence théorique de cette première sculpture Gutai l’influença à chaque étape. Il resta marqué par les formes changeantes et organiques de la nature, les couleurs fluctuantes et lumineuses de l’eau et de la lumière, ainsi que par les forces invisibles qui influencent tout ce que nous voyons, entendons, goûtons et touchons. L’exposition chez McCaffrey Fine Art se concentre sur une période précise où l’artiste vécut brièvement à New York avec sa femme à la fin des années 1960. Ce déménagement permit à Motonaga de découvrir de nouvelles techniques, comme l’aérographie, et le poussa à faire évoluer son travail au-delà de ses racines Gutai.

La politique de la destruction créatrice

Le Groupe Gutai est né d’une culture de confusion. L’Empire du Japon avait subi une défaite horrible lors de la Seconde Guerre mondiale — la seule nation au monde à avoir été témoin de la terreur de la destruction atomique de première main. Certains segments de la population, en particulier les artistes d’avant-garde, considéraient comme acquis que les méthodes et moyens du passé n’étaient plus adaptés à la société japonaise. Si la logique de l’histoire les avait menés au bord de l’anéantissement total, alors cette logique devait être détruite de manière créative. C’est ce qui poussa Yoshihara à exiger la nouveauté. Il ne savait pas exactement ce qui était nécessaire pour transformer l’art japonais et le faire entrer dans l’époque moderne, il savait seulement que cela devait être un produit non du passé, mais de l’imagination. Une des qualités essentielles de l’art Gutai est qu’il confronte la lutte entre l’homme et le monde naturel. Motonaga résuma poétiquement cette lutte dans sa sculpture d’eau. L’élément naturel — l’eau — est capturé et contenu, puis modifié par une couleur artificielle : un triomphe de l’humanité sur la nature. Pourtant, les forces de la gravité, de la lumière du soleil et du vent expriment sans relâche leur résistance, modifiant l’œuvre, déplaçant la dispersion de l’eau ainsi que l’éclat de la couleur et de la lumière.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d’installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Dans ses premières peintures, Motonaga poursuivait ce dialogue entre la volonté humaine et les forces naturelles. Il versait de fortes doses de peinture à l’huile sur les surfaces, les laissant s’accumuler, puis déplaçait la surface, mélangeant les médiums jusqu’à ce que des compositions fantastiques émergent. Avec la peinture, il mélangeait du gravier et d’autres substances, transformant la texture de l’œuvre et donnant au médium quelque chose contre quoi travailler. Toujours en jeu se trouvait l’équilibre entre les forces naturelles, les accidents, le chaos, et le contrôle exercé par les choix et actions de l’artiste. Le combat entre l’artiste et la nature se manifestait clairement dans les formes qui évoluaient dans les images. Motonaga luttait avec les médiums, les manipulant du mieux qu’il pouvait jusqu’à ce qu’ils se rassemblent en une forme définitive. Comme des éléments figuratifs orphelins flottant hors contexte dans un vide abstrait tourbillonnant, les formes évoquent Motonaga lui-même, un humain cherchant sa place dans une culture en évolution.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d’installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Un changement de cœur

Lorsque Motonaga s’installa à New York, il connut deux changements profonds. D’abord, il découvrit l’aérographie. Cette technique lui permit de transformer radicalement ses surfaces, passant de plans rugueux, granuleux et texturés à des surfaces fines, aériennes et éthérées que le Japonais contemporain Takashi Murakami qualifia plus tard de « super-plat ». Dans ses compositions Superflat, Motonaga adopta une relation complètement différente avec le contrôle. Il ne réalisait plus des peintures mettant en avant la lutte entre l’artiste et la nature physique. La nouvelle lutte dans son travail était entre l’artiste et la nature de l’imagination. Ses choix étaient désormais plus étroitement examinés. Le second changement profond dans sa vie fut que, alors qu’il était à New York, sa femme donna naissance à leur premier enfant. Motonaga fut soudainement submergé par le monde visuel des livres, jouets et autres produits destinés aux enfants. La fantaisie et l’optimisme de ce langage visuel guidèrent ses choix dans ses peintures, donnant naissance à un corpus d’œuvres plein de formes biomorphiques abstraites joviales qui évoquent des choses comme des parties du corps humain, des légumes, des avions et des sous-marins.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d’installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Bien que ce changement majeur dans son travail ait troublé de nombreux soutiens qui avaient auparavant collectionné ses peintures, Motonaga resta fidèle au point le plus important de ses racines Gutai : l’autonomie finale de l’artiste pour créer le type d’œuvre qu’il souhaite, sans être lié aux méthodes du passé. L’héritage de son temps transformateur à New York influença des générations d’artistes japonais qui perpétuent sa vision esthétique non seulement dans le monde des beaux-arts, mais aussi dans le monde dit de l’art mineur du manga et de l’animation. Le pont entre ces deux mondes que Motonaga créa est particulièrement puissant en raison de l’intense émotion que ses peintures transmettent souvent. Non seulement elles sont pleines de fantaisie et de gaieté, mais elles évoquent fréquemment aussi la solitude, l’isolement et la peur. Elles prouvent que même si Motonaga évolua bien au-delà des racines Gutai de ses débuts, l’angoisse qui définissait cette génération n’était jamais vraiment loin. « Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67 » est visible jusqu’au 21 décembre 2018 chez McCaffrey Fine Art à New York.

Image en vedette : Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d’installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l’aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York
Par Phillip Barcio