Sadamasa Motonaga, entre art haut et bas art

Une exposition de peintures abstraites à mi-carrière de Sadamasa Motonaga est actuellement présentée au McCaffrey Fine Art de New York. Motonaga a été l'un des premiers membres du groupe Gutai, un collectif d'art expérimental formé à Osaka, au Japon, en 1954. Le fondateur de Gutai, Yoshihara Jiro, a écrit dans son manifeste Gutai de 1956 : « Nous avons décidé de poursuivre avec enthousiasme les possibilités de la créativité pure. » La directive de Yoshihara de faire ce qui n’a jamais été fait auparavant était essentielle à l’esprit de Gutai – un écho de l’après-Seconde Guerre mondiale au refrain moderniste antérieur de « faire du nouveau ! » Motonaga s'est imposé très tôt comme un membre clé de Gutai avec ce que Yoshihara a déclaré la toute première sculpture sur eau, que Motonaga a exposée en 1955 dans « L'exposition expérimentale en plein air d'art moderne pour défier le soleil de la mi-été », la première exposition de Gutai, qui a eu lieu à Ashiya, au Japon. La sculpture était constituée de tubes en plastique transparent suspendus entre les arbres. À l’intérieur de chaque tube, Motonaga a injecté un liquide coloré qui s’est ensuite accumulé au centre. La lumière du jour activait le liquide coloré, lui donnant une lueur éphémère. L’œuvre donne temporairement forme aux forces du monde naturel. Tout au long de sa longue carrière, Motonaga a sans cesse expérimenté de nouveaux médiums et techniques, mais l'essence théorique de cette première sculpture de Gutai l'a influencé à chaque étape. Il est resté influencé par les formes organiques et changeantes de la nature, les couleurs fluctuantes et luminescentes de l’eau et de la lumière, ainsi que par les forces invisibles qui influencent tout ce que nous voyons, entendons, goûtons et touchons. L'exposition au McCaffrey Fine Art se concentre sur une période spécifique au cours de laquelle l'artiste a déménagé pendant une courte période avec sa femme à New York à la fin des années 1960. Cette décision a mis Motonaga en contact avec de nouvelles techniques, telles que l'aérographe, et l'a motivé à faire évoluer son travail au-delà de ses racines Gutai.

La politique de destruction créatrice

Le Groupe Gutai est né d'une culture de confusion. L'Empire du Japon avait subi une défaite horrible lors de la Seconde Guerre mondiale—la seule nation sur Terre à avoir jamais été témoin de l'horreur de la destruction atomique de première main. Certains segments de la population, en particulier les artistes avant-gardistes, prenaient pour acquis que les méthodes et les moyens du passé n'étaient plus adéquats pour la société japonaise. Si la logique de l'histoire les avait conduits au bord de l'anéantissement total, alors cette logique devait être créativement détruite. C'est ce qui a poussé Yoshihara à exiger de la nouveauté. Il ne savait pas exactement ce qui était nécessaire pour transformer l'art japonais et le ramener à la modernité, il savait juste que cela devait être un produit non du passé, mais de l'imagination. L'une des qualités essentielles de l'art Gutai est qu'il confronte la lutte entre les humains et le monde naturel. Motonaga a encapsulé cette lutte de manière poétique dans sa sculpture aquatique. L'élément naturel—l'eau—est capturé et contenu, et altéré avec une couleur artificielle : un triomphe de l'humanité sur la nature. Pourtant, les forces de la gravité, de la lumière du soleil et du vent expriment sans relâche leur résistance, altérant l'œuvre, déplaçant la dispersion de l'eau et la radiance de la couleur et de la lumière.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d'installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l'aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Dans ses premières peintures, Motonaga poursuit cette conversation entre la volonté humaine et les forces naturelles. Il a versé de fortes doses de peinture à l'huile sur les surfaces, leur permettant de s'accumuler, puis a déplacé la surface, mélangeant les médiums les uns dans les autres jusqu'à l'émergence de compositions fantastiques. Avec la peinture, il a mélangé du gravier et d'autres substances, transformant la texture de l'œuvre et donnant au médium quelque chose contre lequel travailler. L'équilibre entre les forces naturelles, les accidents, le chaos et le contrôle exercé par les choix et les actions de l'artiste était toujours en jeu. Le combat entre l'artiste et la nature était mis en évidence dans les formes qui évoluaient dans les images. Motonaga a lutté avec les médiums, les manipulant du mieux qu'il pouvait jusqu'à ce qu'ils fusionnent en une sorte de forme définitive. Comme des éléments figuratifs orphelins flottant hors de leur contexte dans un vide abstrait et tourbillonnant, les formes évoquent Motonaga lui-même, un humain essayant de trouver sa place dans une culture en évolution.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d'installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l'aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Un changement de cœur

Lorsque Motonaga a déménagé à New York, il a subi deux changements profonds. Tout d'abord, il a découvert l'aérographe. Cette technique lui a permis de changer radicalement ses surfaces, passant de plans rugueux, granuleux et texturés à des types de surfaces fines, aérées et éthérées que le contemporain japonais Takashi Murakami a ensuite qualifiées de "super-plat". Dans ses compositions Superflat, Motonaga a exercé une relation complètement différente avec le contrôle. Il ne faisait plus de peintures mettant en avant la lutte entre l'artiste et la nature physique. La nouvelle lutte dans son travail était entre l'artiste et la nature de l'imagination. Ses choix étaient désormais plus étroitement scrutés. Le deuxième changement profond dans sa vie a été que, pendant son séjour à New York, sa femme a donné naissance à leur premier enfant. Motonaga a été soudainement inondé par le monde visuel des livres, des jouets et d'autres produits destinés aux enfants. La fantaisie et l'optimisme de ce langage visuel ont guidé les choix qu'il a faits dans ses peintures, donnant naissance à un corpus d'œuvres rempli de formes abstraites biomorphiques joviales qui approchent des choses comme des parties du corps humain, des légumes, des avions et des sous-marins.

Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue d'installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l'aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York

Bien que ce changement majeur dans son travail ait troublé de nombreux supporters qui avaient auparavant collectionné ses peintures, Motonaga est resté fidèle au point le plus important de ses racines Gutai : l'autonomie finale de l'artiste pour créer le type de travail qu'il souhaite, et ne pas être lié aux méthodes du passé. L'héritage de son époque transformative à New York a influencé des générations d'artistes japonais qui poursuivent sa vision esthétique non seulement dans le monde des beaux-arts, mais aussi dans le monde dit de l'art populaire du manga et de l'anime. Le pont entre ces deux mondes que Motonaga a créé est particulièrement puissant en raison de l'intense émotion que ses peintures transmettent souvent. Non seulement elles sont pleines de fantaisie et de jovialité, mais elles évoquent également fréquemment la solitude, l'isolement et la peur. Elles sont la preuve que même si Motonaga a évolué bien au-delà des racines Gutai de son début de carrière, l'anxiété qui a défini cette génération n'était jamais vraiment loin derrière. "Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67" est exposé jusqu'au 21 décembre 2018 à McCaffrey Fine Art à New York.

Image en vedette : Sadamasa Motonaga Changement/Continuité : New York 1966-67, vue de l'installation chez McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Photo avec l'aimable autorisation de McCaffrey Fine Art, New York
Par Phillip Barcio