Le divisionnisme et son influence sur la couleur dans l'art

Le Le divisionnisme fut l'un des développements esthétiques les plus influents du 19^e siècle. Il est issu de la période postimpressionniste et constitue essentiellement une méthode de peinture d'un tableau dans lequel les couleurs ne sont pas mélangées à l'avance, mais plutôt placées les unes à côté des autres sur la surface afin qu'elles se mélangent plus tard « à l'œil nu ». .» L'idée a été développée pour la première fois par Georges Seurat en 1884, le même artiste qui développera deux ans plus tard une position esthétique appelée Pointillisme. La plupart des gens connaissent mieux le pointillisme, car son nom fait clairement référence à ce style : des images composées de petits cercles ou de points infinis. Le pointillisme et le divisionnisme se ressemblent. La principale différence est que le pointillisme n'est pas nécessairement basé sur le mélange des couleurs dans l'œil : il s'agit simplement d'une technique dans laquelle l'image est composée de points au lieu de coups de pinceau fluides. Dans une image pointilliste, l'image devient plus lisible aux yeux à mesure que le spectateur s'en éloigne et que les points se mélangent. Le même principe est en jeu dans une peinture divisionniste, sauf que ce ne sont pas seulement les formes et les figures qui se mélangent à mesure que le spectateur s'éloigne, mais aussi les couleurs. Le divisionnisme a remis en question la nature de la couleur et s'est demandé si elle existe réellement en tant que quelque chose de concret ou si elle n'est qu'un produit de notre perception et de notre imagination. Le mouvement a eu un effet profond sur le développement de l'abstraction à la fin du 19^e et au début du 20^e siècle en Europe, pour de multiples raisons. Premièrement, il a clairement donné la priorité aux éléments plastiques comme la couleur plutôt qu’au contenu. Deuxièmement, cela posait la question de la subjectivité dans l’art. Les spectateurs « terminent » les peintures divisionnistes dans leur esprit, une notion qui est devenue le fondement de l’idée de donner aux spectateurs l’autonomie d’interpréter les œuvres d’art – en particulier les œuvres d’art abstraites – comme bon leur semble. Enfin, Seurat a initié une approche de l’art qui impliquait une enquête scientifique manifeste. Son intérêt pour la science de la couleur et de la perception a inspiré des générations d’artistes conceptuels et abstraits et continue d’exercer une forte influence aujourd’hui.

Impressions accidentelles

Bien que Seurat soit reconnu comme le fondateur du Divisionnisme, il n'était en réalité pas le premier peintre à utiliser la technique divisionniste. Des peintres impressionnistes plus anciens comme Camille Pissarro et Claude Monet avaient découvert des décennies plus tôt qu'ils pouvaient obtenir une plus grande luminosité dans leurs peintures en utilisant de petites touches de pinceau serrées et en plaçant certaines couleurs complémentaires côte à côte. Ce que faisaient les impressionnistes, cependant, relevait davantage de l'intuition. Seurat a gagné sa réputation en analysant ce que les impressionnistes avaient fait de manière scientifique. À la recherche d'un moyen unique de peindre qui pourrait être considéré comme entièrement le sien, il est également retourné plus loin pour étudier le travail du peintre romantique Eugène Delacroix, qui était renommé pour les couleurs brillantes et vives de ses toiles. Il a également lu divers livres sur la théorie des couleurs du passé, en particulier La Grammaire de la peinture et de la gravure (1867) de Charles Blanc, et Les Principes de l'harmonie et du contraste des couleurs (1839) de Michel-Eugène Chevreul.

Grâce à ses recherches, Seurat a découvert que certaines couleurs réagissaient plus puissamment lorsqu’elles étaient placées les unes à côté des autres que d’autres. En perfectionnant la technique impressionniste des petits coups de pinceau jusqu'à son exécution la plus précise et en mobilisant les combinaisons de couleurs les plus actives possibles, il atteint ce qu'il appelle la chromoluminosité, le mariage idéal et lumineux de la couleur et de la lumière. Le tableau le plus célèbre issu de ses premières études sur la chromoluminosité est peut-être « Dimanche après-midi sur l’île de La Grand Jatte » (1884-86). Ce chef-d'œuvre est une démonstration fantastique de la capacité des techniques divisionnistes à mélanger non seulement la couleur de l'œil, mais également d'autres éléments formels tels que le ton, la forme et la ligne. Plus radicalement, Seurat atteint une sensation de mouvement avec ce tableau. L’emplacement des minuscules points colorés donne l’impression que l’eau brille et brille, et que les vagues semblent trembler. Les feuilles des arbres semblent bruisser. Le plus étrange est que la femme en bas à droite, au premier plan, semble planer au-dessus du sol et avancer doucement.

Georges Seurat - Un dimanche après-midi à l'île de La Grande Jatte, 1884-1886. Huile sur toile. 207,6 cm × 308 cm (81,7 pouces × 121,25 pouces). Institut d'art de Chicago

Inspiration pour l'avenir

Seurat a immédiatement été reconnu pour ses réalisations intellectuelles et esthétiques, mais il n'a pas pu profiter de son succès longtemps. Il est mort à l'âge de 31 ans, seulement cinq ans après avoir terminé "Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte". Son héritage, cependant, a largement dépassé la brièveté de sa carrière. Sa capacité à sembler transmettre le mouvement dans ses peintures s'est révélée être une profonde inspiration pour les Futuristes italiens. Lorsque le Manifeste futuriste a été publié en 1909, il a loué la vitesse et l'industrie comme des manifestations idéales du beau, du nouveau, du moderne et du monde industriel. Les Futuristes ont emprunté les idées de Seurat pour créer leur propre style signature. Au lieu de simplement placer des couleurs ou des points les uns à côté des autres pour qu'ils puissent être mélangés dans l'œil, les Futuristes ont élargi ce concept et l'ont appliqué aux lignes, aux formes et aux contours. En peignant plusieurs images des mêmes formes les unes à côté des autres dans leurs compositions, ils ont impliqué le mouvement des machines, des personnes et des animaux.

Cette même idée a également influencé les Cubistes. Des artistes comme Picasso et Braque ont appliqué la pensée divisionniste aux plans, plaçant plusieurs points de vue simultanés côte à côte pour créer une vision de la réalité à quatre dimensions, dans laquelle le passage du temps et le mouvement sont implicites. Plus tard, des peintres cubistes orphiques comme Sonia Delaunay ont ramené l'évolution divisionniste à son point de départ en explorant les manières dont certaines couleurs semblent vibrer lorsqu'elles sont placées côte à côte, même lorsqu'elles sont déployées dans une composition complètement abstraite. C'est peut-être le plus grand héritage des mouvements post-impressionnistes comme le divisionnisme en ce qui concerne l'art abstrait : grâce au travail de Seurat, des artistes comme Delaunay, et plus tard Piet Mondrian, Josef Albers et d'innombrables autres ont pu échapper complètement aux exigences de contenu et de sujet, et étaient libres d'explorer les propriétés plastiques pures des arts visuels.

Image à la une : Georges Seurat - Grandcamp, Soirée. 1885, bordure peinte c. 1888-89. Huile sur toile. 26 x 32 1/2 po (66,2 x 82,4 cm). Collection du MoMA
Par Phillip Barcio