Le Met explore le profond héritage de l'expressionnisme abstrait

Le Met Fifth Avenue à New York a ouvert cette semaine Epic Abstraction: Pollock to Herrera. Présentant plus de 50 œuvres majeures de certains des artistes abstraits les plus captivants du siècle passé, l’exposition mérite son nom car elle explore l’impact de l’échelle grandiose. La grandeur s’exprime parfois par des œuvres massives — comme la sculpture dominante dans la galerie de Louise Nevelson, « Mrs. N’s Palace » (1964–77) — parfois par des idées imposantes — comme celle d’utiliser le dessin automatique pour créer des peintures qui canalisent les secrets de l’inconscient — et parfois par la méthode technique, comme dans l’assemblage extrêmement complexe de Thornton Dial. Par ailleurs, le sous-titre de l’exposition, Pollock to Herrera, fait référence à deux idées générales. La première est la théorie selon laquelle le travail de Jackson Pollock dans les années 1940, la décennie où commence la sélection, a marqué un tournant dans le monde de l’art abstrait : un moment où le plus grand est véritablement devenu synonyme de meilleur. Ensuite, que le travail d’artistes relativement sous-estimés comme Carmen Herrera — l’artiste minimaliste née à Cuba qui, à 101 ans, a reçu sa toute première rétrospective au Whitney Museum of American Art en 2016 — est aussi important que celui des superstars bien connues. En effet, plusieurs œuvres exposées sont signées par des artistes peu connus, tels que l’artiste d’assemblage d’objets trouvés Thornton Dial mentionné plus haut ; le célèbre membre du groupe Gutai, Kazuo Shiraga, qui a créé la performance révolutionnaire (au sens propre) « Challenging the Mud » (1955) ; et la peintre abstraite hongroise innovante Ilona Keserü. La sélection s’étend aussi jusqu’à aujourd’hui avec des œuvres d’artistes abstraits plus jeunes comme Chakaia Booker et Mark Bradford. L’autre hypothèse centrale que les commissaires avancent dans leur texte explicatif est que l’angoisse existentielle a été la force motrice qui a inspiré les artistes abstraits à créer des œuvres épiques il y a 70 ans. L’exposition pourrait alors vous amener à vous demander : l’abstraction épique a-t-elle apaisé notre angoisse ? Ou nous a-t-elle simplement aidés à accepter l’anxiété existentielle comme une part fondamentale de notre condition humaine ?

Une place dans l’histoire

La liste des artistes célèbres inclus dans Epic Abstraction fera vibrer tout passionné d’histoire de l’art : en plus des géants déjà cités, on trouve des œuvres d’Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold et Morris Louis. Et il y a de nombreux exemples d’œuvres d’artistes qui seront inconnus de la plupart des visiteurs, comme le calligraphe abstrait japonais Inoue YÅ«ichi, l’artiste abstrait philippin Alfonso Ossorio, la sculptrice minimaliste Anne Truitt, et le génie chromatique argentin Alejandro Puente. Pourtant, au-delà de l’ampleur de cette offensive historique, ce que j’ai trouvé le plus épique dans cette sélection, ce sont deux œuvres en particulier qui subvertissent en fait le récit même caché dans le sous-titre de l’exposition. En listant Pollock et Herrera et en les distinguant de tous les autres artistes, il me semble que les commissaires suggèrent que l’expressionnisme abstrait et le minimalisme sont les mouvements les plus influents considérés, et que la peinture est le principal centre d’intérêt de l’exposition. Mais le travail, les méthodes et les réalisations de Pollock et Herrera, aussi remarquables soient-ils, ne sont même pas les plus épiques de cette exposition.

Cet honneur, à mon avis, revient à Louise Nevelson et Thornton Dial. La sculpture de Nevelson exposée fera se demander aux spectateurs qui ne connaissent pas son œuvre pourquoi on parle tant de Pollock alors que Nevelson était sa contemporaine. Son travail est plus rigoureux techniquement, plus intrigant sur le plan conceptuel, et plus en phase avec l’esprit de New York, où elle et Pollock ont tous deux travaillé. Pollock, pour ainsi dire, a ouvert un peu de terrain en empruntant et en perfectionnant les idées et méthodes d’autres artistes. Puis, après être devenu célèbre pour avoir fait le pas logique suivant, parce qu’il était ami avec un critique influent, Pollock s’est autodétruit. Ses peintures sont fascinantes, mais Nevelson a accompli bien plus que Pollock, a été plus originale, et a travaillé beaucoup plus longtemps, laissant derrière elle un héritage d’art et d’idées bien plus captivant et stimulant.

Une voix longtemps absente

Puis il y a Thornton Dial. Son œuvre « Shadows of the Field » (2008) est, à mes yeux et à mon esprit, l’une des œuvres les plus poignantes de l’exposition. Son caractère épique réside dans ses matériaux, sa construction, ses couleurs, et les mondes cachés — à la fois physiques et métaphysiques — qui se dissimulent dans sa forme. Assemblée à partir de matériaux trouvés et de déchets abandonnés, l’œuvre vise à évoquer l’héritage du métayage, ce système agricole injuste et souvent brutal dans lequel Dial est né en 1928. Un assemblage massif de ficelle, de ouate synthétique, de toile de jute, de tôle, de chiffons et de métal, elle dégage une présence physique d’épuisement. Elle incarne la rencontre de la dureté et de la vulnérabilité. Créée alors que l’artiste avait 80 ans, elle témoigne aussi de sa main autodidacte. En effet, alors que Pollock s’enrichissait et se noyait dans l’alcool, Dial vivait dans la pauvreté, travaillant sans relâche juste pour survivre dans un système social raciste qui excluait la plupart des Afro-Américains des musées, non seulement en tant qu’artistes mais même en tant que visiteurs payants.

Peut-être qu’à mesure que cette exposition avancera dans le temps, d’autres définitions de ce qui est épique émergeront, et d’autres œuvres encore plus puissantes et fascinantes viendront s’ajouter — les dates de l’exposition ne sont d’ailleurs pas limitées, et les œuvres exposées, issues de la collection permanente du Met, seront périodiquement renouvelées. Mais pour l’instant, « Shadows of the Field », qui fait partie des dix œuvres de Dial récemment acquises par le Met, fait la déclaration la plus épique. Elle affirme qu’un métayer noir du Sud autodidacte a créé certaines des œuvres abstraites les plus puissantes et significatives des 70 dernières années, surpassant le travail d’artistes bénéficiant de bien plus de privilèges et d’opportunités que lui. Elle indique aussi que, bien que l’angoisse soit sans doute une part inévitable de notre condition humaine, l’art qui en découle peut être, et est souvent, une grâce salvatrice.

Image en vedette : Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Bois peint, miroir, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, don de l’artiste, 1985 © 2018 Succession Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Par Phillip Barcio