Le Met explore le profond héritage de l'expressionnisme abstrait

Le Met Fifth Avenue à New York a ouvert cette semaine Epic Abstraction : Pollock to Herrera. Présentant plus de 50 œuvres majeures de certains des artistes abstraits les plus fascinants du siècle dernier, l'exposition mérite son nom car elle explore l'impact des échelles grandioses. La grandeur s'exprime parfois à travers des œuvres d'art massives, comme la sculpture dominante de la galerie de Louise Nevelson « Mrs. N's Palace » (1964-1977) – parfois grâce à des idées massives – comme celle consistant à utiliser le dessin automatique pour créer des peintures qui canalisent les secrets de l'inconscient – ​​et parfois grâce à des méthodes techniques, comme avec le travail d'assemblage extrêmement complexe de Thornton Dial. . Pendant ce temps, le sous-titre du spectacle, Pollock to Herrera, fait référence à deux idées générales. La première est la théorie selon laquelle le travail réalisé par Jackson Pollock dans les années 1940, décennie au cours de laquelle commence la conservation, a marqué un changement radical dans le monde de l’art abstrait : un moment où plus grand a véritablement été considéré comme meilleur. Deuxièmement, le travail d’artistes relativement sous-estimés comme Carmen Herrera – l’artiste minimaliste d’origine cubaine qui, à 101 ans, a reçu sa toute première rétrospective au Whitney Museum of American Art en 2016 – est aussi important que celui du bien -des superstars connues. En effet, des œuvres de nombreux artistes sous-exposés sont exposées, comme Thornton Dial, artiste d'assemblage d'objets trouvés susmentionné ; le tristement célèbre membre du groupe Gutai, Kazuo Shiraga, qui a créé la pièce de performance révolutionnaire (littéralement) « Challenging the Mud » (1955) ; et la peintre abstraite hongroise innovante Ilona Keserü. La conservation s'étend également jusqu'à nos jours avec le travail de jeunes artistes abstraits tels que Chakaia Booker et Mark Bradford. L’autre hypothèse fondamentale formulée par les conservateurs dans leur didactique de l’exposition est que l’angoisse existentielle a été la force motrice qui a inspiré les artistes abstraits à commencer à créer des œuvres épiques il y a 70 ans. L’exposition pourrait alors vous amener à vous demander : l’abstraction épique a-t-elle fait quelque chose pour apaiser notre angoisse ? Ou nous a-t-il simplement aidé à accepter l’anxiété existentielle comme fondamentale à notre condition humaine ?

Une place dans l'histoire

L'appel des artistes célèbres inclus dans Epic Abstraction enthousiasmera tout amateur d'histoire de l'art : en plus des géants mentionnés ci-dessus, il y a des œuvres de Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold et Morris Louis. Et il y a de nombreux exemples de travaux d'artistes qui seront nouveaux pour la plupart des visiteurs, tels que l'abstractionniste calligraphique japonais Inoue Yūichi, l'artiste abstrait philippin Alfonso Ossorio, la sculptrice minimaliste Anne Truitt et le génie chromatique argentin Alejandro Puente. Pourtant, au-delà de l'ampleur de cette offensive historique, ce que j'ai trouvé le plus épique dans la curation, c'est la façon dont deux œuvres en particulier subvertissent en réalité le récit même qui se cache derrière le sous-titre de l'exposition. En listant Pollock et Herrera et en les séparant de tous les autres artistes, il me semble que les curateurs suggèrent que l'Expressionnisme Abstrait et le Minimalisme sont les mouvements les plus influents pris en compte, et que la peinture est le principal point focal de l'exposition. Mais le travail, les méthodes et les réalisations de Pollock et Herrera, aussi merveilleux soient-ils, ne sont même pas proches d'être les plus épiques de cette exposition.

Cet honneur, à mon avis, revient à Louise Nevelson et Thornton Dial. La sculpture de Nevelson exposée amènera des spectateurs qui n'ont jamais rencontré son travail auparavant à se demander pourquoi au monde quelqu'un parle de Pollock alors que Nevelson était son contemporain. Son travail est plus techniquement rigoureux, plus conceptuellement intrigant et plus pertinent pour l'esprit de New York, où elle et Pollock ont travaillé. Pollock, à tous égards pratiques, a un peu défriché en empruntant et en perfectionnant les idées et méthodes d'autres artistes. Puis, après être devenu célèbre pour avoir pris la prochaine étape logique, parce qu'il était ami avec un critique influent, Pollock s'est autodétruit. Ses peintures sont captivantes, mais Nevelson a accompli bien plus que Pollock, était plus originale et a travaillé beaucoup plus longtemps, laissant derrière elle un héritage d'art et d'idées bien plus intrigant et stimulant.

Une voix disparue depuis longtemps

Ensuite, il y a Thornton Dial. Son « Shadows of the Field » (2008) est, à mes yeux et dans mon esprit, l’œuvre la plus obsédante de la série. Sa nature épique est contenue dans ses matériaux, sa construction, ses couleurs et les mondes cachés – à la fois physiques et métaphysiques – qui se cachent sous sa forme. Assemblée à partir de matériaux trouvés et mis au rebut, la pièce est destinée à évoquer l'héritage du métayage, le système d'agriculture injuste et souvent brutal dans lequel Dial est né en 1928. Un assemblage massif de ficelles, de ouate de coton synthétique, de toile de jute, de tôle, des chiffons et du métal, il a la présence physique de l'épuisement. Il incarne la rencontre de la dureté et de la vulnérabilité. Créée lorsque l'artiste avait 80 ans, elle dément également sa main autodidacte. En effet, tandis que Pollock devenait riche et buvait jusqu'à la mort, Dial vivait dans la pauvreté, travaillant jusqu'à ses os pour essayer de survivre dans un système social raciste qui empêchait la plupart des Noirs américains d'accéder aux musées, non seulement en tant qu'artistes mais même en tant que payeurs. visiteurs.

Peut-être qu'à mesure que cette exposition avance dans le temps, d'autres définitions de ce qui est épique pourraient émerger, et d'autres œuvres encore plus puissantes et intrigantes entreront dans l'arène — les dates de l'exposition sont en effet ouvertes, et les œuvres exposées, tirées de la collection permanente de The Met, seront périodiquement remplacées. Mais pour l'instant, "Shadows of the Field", qui est l'une des dix œuvres de Dial que le Met a récemment acquises, fait la déclaration la plus épique. Elle dit qu'un métayer noir du Sud, sans formation, a créé certaines des œuvres abstraites les plus puissantes et significatives des 70 dernières années, surpassant le travail d'artistes qui ont bénéficié de bien plus de privilèges et d'opportunités que lui. Cela signale également que, bien que l'angoisse puisse en effet être une partie inévitable de notre condition humaine, l'art qui en découle peut être, et l'est souvent, une grâce salvatrice.

Image en vedette : Louise Nevelson - Le palais de Mme N, 1964-1977. Bois peint, miroir, 140 x 239 x 180 po. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Don de l'artiste, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Par Phillip Barcio