Les années cool à Los Angeles et les premiers travaux de Judy Chicago

Judy Chicago est sans doute l’une des artistes les plus influentes aujourd’hui. Son installation monumentale « Dinner Party » (1974-79), à la fois icône minimaliste et chef-d’œuvre féministe, a suscité à la fois critiques et éloges, et l’a établie comme une pionnière culturelle. Pourtant, beaucoup ignorent encore ses premières œuvres. Chicago a été un membre si vital et prolifique de l’avant-garde depuis les années 1970 que nombre de ses travaux expérimentaux des années 1960 n’ont jamais été vus par les spectateurs contemporains, y compris par ses plus grands admirateurs. Heureusement, cet été, en prévision d’une rétrospective de Judy Chicago qui ouvrira en décembre au MOCA de Miami lors d’Art Basel Miami Beach, la Villa Arson à Nice, France, accueille une exposition innovante qui vise à remettre en lumière ses premières expérimentations, afin de leur rendre l’honneur qu’elles méritent. Intitulée Los Angeles, les années cool / Judy Chicago, l’exposition offre un regard détaillé et intime sur les nombreuses phases esthétiques traversées par Chicago avant la création de « Dinner Party ». Elle montre l’incroyable diversité d’idées développées par cette artiste durant cette décennie cruciale, et offre un aperçu d’un génie indéniable, qui était, et reste, entièrement dévoué à l’ouverture et à la croissance.

Le Pouvoir d’un Nom

Judith Sylvia Cohen est née à Chicago, Illinois, en 1939. Son père, Arthur Cohen, était un rabbin libéral et ouvert d’esprit qui a également inculqué à Judy et à son frère une appréciation des arts et de la musique, ainsi qu’un respect pour l’égalité des sexes et les droits des travailleurs. Judy n’avait que cinq ans lorsqu’elle a commencé à suivre des cours à l’Institut d’Art de Chicago. Mais malheureusement, son père est décédé alors qu’elle n’avait que 13 ans. Cinq ans plus tard, Judy quitta sa ville natale pour la Californie où elle s’inscrivit comme étudiante en art à l’UCLA. Là, elle rencontra son premier mari, Jerry Gerowitz, qui mourut tragiquement cinq ans plus tard dans un accident de voiture, laissant Judy veuve à 23 ans. En plus de ces pertes dévastatrices, celle de son père et de son premier mari, Judy se retrouva confrontée à la notion cruelle et ironique que les seuls noms par lesquels elle avait jamais été connue appartenaient à des hommes. Malgré son amour pour eux, elle regrettait de n’avoir jamais eu la chance de choisir sa propre identité.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Peinture en aérosol sur capot de Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Salon 94, New York. ADAGP 2018

Alors qu’elle préparait sa maîtrise, Judy peinait à comprendre quelle était sa véritable identité, et se demandait comment elle devait se nommer. Vers 1965, elle entama une série de peintures sur des capots de voiture qui intégraient une symbolique liée aux rôles de genre et à la sexualité. La surface, quant à elle, évoque douloureusement les circonstances dans lesquelles son amour venait de mourir. En 1967, un essai de Lucy Lippard et John Chandler intitulé « La dématérialisation de l’art » fut publié, ce qui incita Judy à réfléchir à la véritable valeur des objets concrets, et plus largement aux étiquettes matérielles liées à l’identité. Elle exprima ses idées sur ce sujet en 1969 avec une série d’œuvres Atmosphere, dans lesquelles des feux d’artifice créaient des nuages de fumée éphémère. En 1970, son travail l’avait aidée à atteindre un moment de résolution. Elle dissout son ancien moi, et émergea en artiste plus sûre d’elle et accomplie. Pour célébrer, elle publia une annonce dans Artforum, et accrocha simultanément une banderole lors d’une de ses expositions personnelles, où il était écrit : « Judy Gerowitz se démet par la présente de tous les noms qui lui ont été imposés par la domination sociale masculine et choisit son propre nom, Judy Chicago. »

Judy Chicago - Éventail du soir de la série Fresno Fans, 1971. Laque acrylique pulvérisée sur acrylique, 152,4 x 304,8 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Salon 94, New York. ADAGP 2018

Toutes Formes et Couleurs

Parallèlement aux œuvres très personnelles que Judy Chicago réalisa dans les années 1960, elle créa également plusieurs ensembles qui abordaient les questions plus académiques qui agitaient alors le monde de l’art. L’exposition actuelle à la Villa Arson à Nice reconstitue plusieurs de ces pièces novatrices. L’une d’elles est « Feather Room » (1967), un espace de galerie en cube blanc rempli de plumes jusqu’aux genoux. Une autre, intitulée « Blocs Arc-en-ciel Réarrangeables » (1965), offre une perspective ludique et fantaisiste sur le minimalisme, contrebalançant le point de vue stoïque et masculin d’artistes comme Donald Judd par quelque chose de fluide, créatif et ouvert. Voir ces œuvres réunies aux côtés de ses pièces sur capots de voiture et des images de sa série Atmospheres offre une vision bien plus complexe de Chicago que la plupart des autres expositions n’ont jamais proposée. Cette exposition dépeint une personne spirituelle, intelligente, très conceptuelle, qui n’a pas peur d’exprimer à la fois son côté intellectuel et son côté poétique et humain. C’est un spectacle riche en émotions et plein de cœur, nous offrant un aperçu empathique et complet de Chicago, tel que cette artiste le mérite.

Judy Chicago - Blocs Arc-en-ciel Réarrangeables, 1965. Laque sur aluminium, 12 éléments : 6 blocs 30,5 x 30,5 x 121,9 cm et 6 blocs 61 x 61 x 30,5 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Salon 94, New York. ADAGP 2018

De plus, Géraldine Gourbe, la commissaire de cette exposition, a suivi l’idée novatrice de réimaginer les limites habituelles d’une exposition personnelle. Qualifiant ce spectacle d’« exposition monographique et collective », elle l’a conçue dans la perspective que l’on ne peut vraiment apprécier pleinement le travail que Chicago a réalisé durant cette période essentielle de sa vie sans voir également certaines œuvres importantes de plusieurs contemporains qui l’ont directement influencée. J’adore cette idée, qu’une exposition personnelle puisse aussi inclure un petit échantillon d’œuvres d’autres artistes qui ont inspiré l’artiste à créer les œuvres présentées. Dans ce cas, les autres œuvres exposées sont celles de Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill, et DeWain Valentine, chacun innovateur à sa manière. Ils aident à démontrer que malgré des circonstances personnelles intenses, Chicago ne travaillait ni ne pensait dans un vide. De plus, ils ne diminuent en rien Chicago, mais au contraire élèvent son génie en précisant exactement en quoi elle se distinguait des autres artistes brillants de sa génération, même s’ils ont contribué à façonner sa vision. Si vous êtes en France cet été ou cet automne et souhaitez découvrir cette exposition extraordinaire par vous-même, Los Angeles, les années cool / Judy Chicago est visible à la Villa Arson Nice jusqu’au 4 novembre 2018.

Image en vedette : Judy Chicago - Maquette pour Fresno Fan #6, 1971. Laque acrylique pulvérisée sur acrylique, dimensions encadrées : 38,1 x 76,2 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Salon 94, New York. ADAGP 2018

Par Phillip Barcio