Les curieuses sculptures de Sarah Braman

Les objets créés par Sarah Braman sont étranges. Assemblés à partir d’une gamme de produits de consommation trouvés, de matériaux industriels et de supports artistiques traditionnels, ils sont instantanément familiers, mais aussi en quelque sorte étrangers. Chaque entité que Braman amène à exister nous confronte en tant que partie artefact et partie être : un individu, mais aussi évidemment une partie d'une famille ou d'une espèce plus large. Assemblés à partir des détritus visuels de notre univers bâti, ils nous invitent joyeusement dans leur groupe. Leurs formes ludiques nous engagent dans une forme d'objet anthropomorphique, ressemblant à des habitants pitoyables mais bien-aimés de certains Island of Misfit Transformers. Une fois immergés en leur présence, nous baissons notre garde. Et c’est à ce moment-là qu’ils nous déchirent pour exposer nos vulnérabilités : notre nostalgie ; notre matérialisme ; et notre honte secrète face aux façons étranges dont nous réorganisons notre monde à la recherche de confort. Nous pourrions nous désengager et parler du travail de Braman en termes esthétiques formels, en nous concentrant sur des éléments comme la géométrie, la couleur, la lumière et l'espace. Mais sa réussite est que son travail exige davantage. Il extrait des souvenirs. Cela évoque un sentiment. Cela déclenche des conversations entre les spectateurs, entre le présent et le passé, entre le naturel et le synthétique, entre l'objectif et le subjectif, et entre le figuratif et l'abstrait.

Le butin de guerre

Le travail récent de Sarah Braman compte parmi ses plus raffinés. C'est éloquent et direct, le produit d'un artiste avec de grandes idées et une solide compréhension de la manière de les communiquer. En regardant le début de sa carrière, il est fascinant de voir les racines de son esthétique et les proto-manifestations de ce qu'elle appelle ses « monuments de la vie quotidienne ». En 2005, Braman a participé à une exposition collaborative intitulée Sept mille ans de guerre, au CANADA, une galerie d'artistes gérée par des artistes dans le Lower East Side de New York. Elle a contribué à l'exposition avec un assemblage sculptural et un élément mural collé. Elle a également collaboré avec le photographe Phil Brauer en peignant au pistolet des tas de neige rencontrés dans un parking commercial. Grâce à son appareil photo, Brauer a contextualisé les piles comme des paysages de montagne lumineux et cauchemardesques. L'exposition présentait également plusieurs sculptures entièrement blanches d'Aidas Bareikis ressemblant à une architecture en tas post-apocalyptique récupérée par la nature.

Le titre de l’exposition invite à la question : « Quelle guerre ? L’œuvre semble répondre : « La guerre entre la culture et la nature ». Il y a environ 7 000 ans, nos ancêtres néolithiques se sont lancés dans ce que nous pourrions appeler vaguement la civilisation. C’est à cette époque que furent inventés la roue et le langage écrit, marquant le début de processus qui conduisirent, entre autres, à l’accumulation de déchets de consommation, de carton, de peinture en aérosol, de photographie, de plastique, etc. L’œuvre témoigne certainement de l’engagement entre l’humanité et le monde naturel. Mais aucun cynisme n’était évident dans le travail auquel Braman a contribué. Il a exprimé sa confiance, comme si cette guerre n'était pas sans équivoque une mauvaise chose ; c'est juste une chose. Ce que nous en ressentons est personnel et non universel.

Sept mille ans de guerre, 2005, Vue d'installation, CANADA New York, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Accumulation et objectivité

L'esthétique que Braman a depuis développée est celle des objets trouvés, de l'accumulation et de l'intervention esthétique. Ce n'est pas du tout la même expression associée aux artistes modernistes du passé qui ont développé des positions similaires, comme Robert Rauschenberg ou Arman. Rauschenberg a utilisé des objets trouvés de telle manière qu'ils ont conservé leur essence originale. Son célèbre Monogram, qui présente une chèvre avec un pneu autour de son ventre, exprime la pleine chèvrerie et la pleine pneuserie. C'est un assemblage d'objets trouvés soigneusement intervenus, mais nous sommes conscients de ses parties individuelles. Arman, dans ses accumulations, se réjouissait de l'uniformité inhérente aux objets similaires. Ses accumulations de cornes évoquent seulement la pensée des cornes. Ses accumulations d'horloges nous font penser : "Horloges."

Sarah Braman - Second Surrender, 2002, Cardboard, acrylic paint (left) and Installation View from PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman accomplit quelque chose de différent avec son travail. Ses créations prennent des personnalités, comme si l'assemblage de leurs parties était inévitable ; des éléments qui étaient toujours censés se combiner se sont configurés en quelque chose de nouveau. Elle a le don d’exprimer le caractère des matériaux et des objets, non pas d’une manière surannée mais simplement d’une manière qui les anime. Qu'il s'agisse d'un carton, d'un plexiglas, d'une pièce de voiture, d'un meuble, d'une porte, d'une tente ou d'une souche, elle collabore avec les matériaux plutôt que d'imposer un point de vue sur eux. Leur vérité cachée se manifeste. C'est vivant, et on s'identifie.

Sarah Braman - You Are Everything, 2016, Installation view at Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, courtesy Mitchell-Innes & Nash, NY

Conception émotionnelle

Une grande partie de la puissance de son travail vient de la capacité de Braman à choisir des matériaux sources qui transmettent des émotions. Prenons l'exemple de Coffin, un assemblage sculptural intégrant une section démembrée d'un véhicule récréatif. Le « camper chunk » ne suscitera pas la même réaction personnelle de la part de chaque spectateur, mais il touche sans aucun doute un souvenir dans l’esprit de tous ceux qui le voient. L'œuvre accueille la contemplation personnelle, tandis que sa conception permet une interprétation objective sur la base de la couleur, de la forme, de la lumière et de l'espace.

L’élément le plus essentiel que Sarah Braman capture dans son travail est peut-être la curiosité. Chaque objet nous attire vers lui. Il demande à être examiné. Cela nous offre une certaine familiarité mais nous demande ensuite de regarder au-delà de ce que nous savons. Certaines œuvres permettent même au spectateur de grimper à l’intérieur. Habiter physiquement une sculpture brise une barrière. Cela transforme quelque chose d’abstrait en quelque chose d’utilitaire. Il suscite la curiosité à un autre niveau en suscitant des questions non seulement sur l’œuvre, mais aussi sur ce que pourrait être la nature de tout art.

Sarah Braman - Coffin, 2011, Camper chunk, steel, Plexiglas and paint, © Sarah Braman, courtesy Mitchell-Innes & Nash, NY

Image en vedette : Sarah Braman - Space Talk, 2016, Souche d'arbre, acier et verre, © Sarah Braman, avec l'aimable autorisation de Mitchell-Innes et Nash
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio