La légèreté et la transparence de Gina Werfel

Dans une interview de 2013 accordée au Huffington Post, Gina Werfel et son mari Hearne Pardee, tous deux peintres de longue date et enseignants depuis longtemps à l'UC Davis, ont été interrogés sur les points où leurs pratiques se croisent et ceux où elles divergent. La réponse donnée par Werfel fut éclairante. Elle se résumait à l'idée qu'elle s'intéresse aux choses organiques tandis que Pardee s'intéresse aux choses architectoniques. Mais ce qui fut encore plus révélateur que ses propos, ce fut la manière dont elle les exprima. Elle expliqua que tous deux « ont été formés dans l'héritage de l'enseignement de Hofmann sur les plans “pousser-tirer” dans l'espace », mais que Pardee avait également été influencé par « Sewell Sillman, un élève d'Albers ». Bien que cela puisse sembler à certains comme une simple évocation de noms pour le plaisir, ce que Werfel fit en réalité fut de déclarer qu'elle croit au concept de tradition artistique. En plaçant elle-même et son mari dans la tradition de Hans Hofmann, elle communiquait qu'ils sont tous deux des peintres abstraits qui partent d'observations de la réalité. Mais en plaçant Pardee dans la lignée de Josef Albers, un artiste connu pour son abstraction géographique, répétitive, procédurale, très structurée et aux contours nets, elle disait qu'il existe plusieurs voies divergentes et complémentaires qu'un artiste peut emprunter dans l'univers hofmannien de la peinture abstraite. La tradition Albers, à laquelle appartient son mari, est celle du formalisme concret. Pendant ce temps, la tradition à laquelle elle appartient est lyrique, ouverte, instinctive, viscérale — ou comme elle le dit, « frôlant le chaos total ». En se définissant comme une artiste croyant en la tradition et la lignée, Werfel a pris position. Elle a rejeté la ferveur contemporaine cynique de tout bouleverser et réinventer, et a au contraire embrassé l'idée qu'il y a quelque chose d'intemporel et de précieux dans les lignées anciennes auxquelles les artistes appartiennent. Cette perspective se retrouve dans son dernier ensemble d'œuvres, qui intègre de nouveaux médiums et méthodes (pour elle), et étend les racines de sa tradition esthétique à plus de 400 ans en arrière.

Créer l’espace

De nouvelles peintures de Gina Werfel ont récemment été exposées à l'Université américaine de Paris dans une exposition intitulée Recollections. Quelques mots qui viennent rapidement à l’esprit pour décrire la présence de ces dernières œuvres sont immensité, grandeur et ampleur. Comparées à ses précédents ensembles d’œuvres, ces images s’étendent dans toutes les directions possibles. L’espace illusoire à l’intérieur des images semble s’étendre à l’infini vers l’arrière, et semble aussi se projeter vers l’avant. La multitude de couches et de marques échangent leur influence, nous attirant vers l’intérieur et autour de l’image, nous obligeant à regarder plus longtemps et à scruter plus profondément, mais sans se fixer sur une forme, une couleur ou une zone en particulier. La meilleure façon de décrire ce phénomène est de dire que d’une certaine manière Werfel a trouvé un moyen de créer plus d’espace. Elle a déplié ses images ; les a ouvertes ; les a éclatées. C’est comme si un big bang s’était produit et que maintenant son univers visuel s’étirait vers l’extérieur dans une infinité panoramique et multicolore.

L’effet, explique-t-elle, trouve ses racines non pas dans le modernisme, mais dans l’art baroque. Werfel a récemment eu l’opportunité d’être artiste invitée à l’Académie américaine de Rome. C’était sa troisième bourse ou résidence en Italie, mais quelque chose d’unique s’est produit lors de cette visite. Elle a porté une nouvelle attention à ce qu’elle appelle la « complexité spatiale des peintures de plafond baroques ». Une rapide recherche Google de cette expression, peintures de plafond baroques, révèle exactement ce qu’elle veut dire. Les formes, couleurs, lignes et figures de ces œuvres extraordinaires possèdent toute la luminosité et la splendeur d’une photographie prise par le télescope Hubble d’une supernova. Werfel a réalisé que ce qui rend ces peintures de puissantes hallucinations du ciel n’est pas leur sujet, mais plutôt leurs qualités esthétiques formelles. La manière dont les couleurs, textures et formes habitent la surface et interagissent entre elles — c’est la clé pour créer l’espace.

Gina Werfel - Galaxy, 2017 (gauche) et Dragon Dance, 2017 (droite)

Créer la lumière

En plus de la complexité spatiale que Werfel a insufflée à ses nouvelles peintures, l’œuvre possède aussi un sens nouvellement accru de légèreté et de translucidité. Werfel a créé cette qualité en introduisant deux nouveaux médiums et méthodes dans son processus : le collage et les pochoirs à peinture en aérosol. Le collage lui permet de recouvrir des éléments d’une manière qui ajoute une dimension physique, un acte qui modifie la façon dont la lumière interagit avec la surface de l’œuvre. Les pochoirs à peinture en aérosol créent une éthéréité étrange : ils transmettent des motifs et formes reconnaissables, mais les qualités fantomatiques de la peinture en aérosol laissent l’image de fond percer à travers les particules de couleur. Ces méthodes troublent l’œil juste assez pour éliminer toute impression qu’une partie de l’image domine. Il y a de la profondeur et de la perspective, ou « pousser-tirer » comme dirait Hofmann, mais il est impossible de savoir ce qui est devant et ce qui est derrière.

Cette légèreté et transparence surchargées que Werfel a introduites dans ses nouvelles peintures, combinées à son accroissement d’espace, donnent à l’œuvre une sensation symphonique d’ouverture. Les images résonnent et font écho. Elles retentissent au-delà de leurs propres limites. Ce sont des œuvres musicales, ce qui signifie non seulement qu’elles transmettent un certain sens du drame ou du mouvement, mais aussi qu’elles possèdent une tonalité unique. Elles créent leur propre atmosphère, une atmosphère qui a une certaine clarté, en dehors du fait que sa signification et son potentiel restent ouverts. C’est le travail mûr de quelqu’un qui œuvre dans la tradition qui remonte à des artistes comme Helen Frankenthaler, Joan Miró et Wassily Kandinsky. Mais comme Werfel nous l’a aussi appris, c’est une tradition qui remonte bien plus loin, au moins jusqu’aux maîtres baroques, et sans doute encore plus loin, aux origines les plus anciennes du lyrisme et de l’intuition artistique.

Gina Werfel - Island, 2017 (gauche) et Orange Explosion, 2017 (droite)

Image en vedette : Gina Werfel - Borders, 2017, acrylique sur toile, 40 x 34 pouces.

Toutes les images © Gina Werfel

Par Phillip Barcio