MoMA à Paris - Organisé par la Fondation Louis Vuitton

Une exposition d'art moderne très vantée a ouvert ses portes à Paris cette semaine et elle suscite de nombreuses célébrations. Mais peut-être que cela devrait aussi inspirer une certaine consternation. Being Modern: MoMA in Parisprésente environ 200 œuvres de la collection du Museum of Modern Art de New York. Organisée au musée de la Fondation Louis Vuitton conçu par Frank Gehry, l'exposition marque la première fois qu'une sélection substantielle d'œuvres du MoMA est exposée en France. Il est assez facile d’énumérer les multiples raisons pour lesquelles cette exposition est présentée comme une chose merveilleuse pour la France, pour le MoMA et pour l’art moderne en général. Après tout, la liste des artistes et des œuvres d'art incluses dans l'exposition couvre toute l'histoire du musée, depuis sa fondation en 1929 jusqu'à aujourd'hui. Il comprend plusieurs des plus grands noms de l’art des 100 dernières années. Il est donc évident que toute opportunité de voir autant d’œuvres influentes et célèbres devrait être saisie par tous ceux qui peuvent éventuellement se rendre sur place. Mais juste un instant, nous devrions également examiner sérieusement pourquoi le spectacle suscite également de l’anxiété : à savoir, la quantité stupéfiante de bouffonneries hyperboliques répandues sur l’importance de l’événement. Les documents de presse officiels, qui ont été repris et cités ad nauseam par la presse, qualifient à plusieurs reprises l’exposition d’« exposition manifeste » et décrivent le MoMA comme étant considéré comme l’un des « musées les plus importants » au monde. Le spectacle est qualifié d’« innovant », « complet » et « sans précédent ». À maintes reprises, le mot « mythique » apparaît même. Et c’est ce dernier adjectif, « mythique », qui semble le plus dangereux, car c’est le seul sentiment concernant cette exposition qui ne peut être qualifié de simple exagération. Les mythes sont puissants. Et lorsqu’il s’agit d’une exposition de cette ampleur, les mythes qu’elle crée et entretient ont la capacité de façonner le récit mondial de l’art pour les générations à venir.

Déballez ces adjectifs

L’adjectif le plus évidemment ridicule utilisé pour décrire Être moderne : le MoMA à Paris est « complet ». Plus précisément, le dossier de presse indique que « Being Modern : MoMA à Paris est lapremièrepremière exposition globale en France de la collection delee Musée d'Art Moderne. » Mais en vérité, même si l'exposition est effectivement importante – elle présente environ 200 objets – la taille actuelle de la collection complète du MoMA est d'environ 200 000 objets. Cette exposition présente donc environ un millième de ce que possède le MoMA. Ce n'est qu'un aperçu infime des archives complètes. Pourquoi parler d’exhaustivité ? La réponse pourrait être que le comité de sélection, qui comprenait des représentants de la Fondation Louis Vuitton et du MoMA, estime que le petit nombre d'objets qu'il a choisis représente pleinement le caractère et la substance des 199 800 objets restants. Mais est-ce vrai, même à distance ?

En examinant la liste des artistes inclus dans MoMA à Paris, il ne semble en aucun cas représentatif de l'ensemble de la collection du MoMA. Plus de 75 000 objets de cette collection sont archivés en ligne, j'ai donc effectué une recherche rapide dans cette base de données pour chercher trois artistes qui ne sont pas inclus dans cette exposition, mais que je considère comme étant parmi les artistes modernes les plus influents de tous les temps : Louise Bourgeois, Anni Albers et Helen Frankenthaler. Il s'avère que le MoMA possède des centaines d'œuvres de ces trois artistes. Mais étrangement, elles ne sont pas incluses dans cette exposition. J'ai fait une autre recherche, notant que MoMA à Paris contient des œuvres d'une poignée de Dadaïstes masculins. J'ai donc vérifié si les archives du MoMA avaient des œuvres de Dadaïstes féminines influentes. Il s'avère qu'ils ont plus d'une douzaine d'œuvres de Hannah Höch et Sophie Taeuber Arp, mais seuls leurs homologues masculins les plus connus sont inclus dans cette exposition. Peut-on donc dire que cette exposition est complète ? À peine. Ce que nous pouvons dire, c'est que les conservateurs ont sélectionné des œuvres d'artistes de renom. Mais cela s'appelle un blockbuster, pas une représentation complète de l'histoire ou de la collection du MoMA.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

La difficulté de l’innovation

Le prochain adjectif du kit de presse du MoMA à Paris que nous devons analyser est « innovant ». C'est un mot significatif, et qui a sa place dans toute conversation sur l'art moderne. L'innovation implique originalité, créativité, expérimentation, et parfois même génie. Alors, est-ce le bon mot à utiliser pour décrire cette exposition ? Comme nous le savons déjà, les artistes n'ont pas été choisis parce qu'ils étaient, ou sont, les plus créatifs, les plus originaux, les plus expérimentaux, ou les plus grands génies. Avec un petit nombre d'exceptions (comme l'inclusion de la constructiviste brésilienne Lygia Clark dans le club bien connu des garçons blancs minimalistes de Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly et Frank Stella), les artistes ont été choisis en grande partie en raison de leur reconnaissance de nom, ou parce qu'ils s'inscrivent dans le récit existant de l'histoire de l'art moderne. Mais ce n'est rien de nouveau, bien sûr. C'est la tactique curatoriale standard pour les rétrospectives historiques générales. Et c'est bien. Mais ce n'est pas innovant. D'un autre côté, peut-être que lorsque le mot innovant est utilisé pour décrire cette exposition, il ne fait pas référence à l'exposition elle-même, mais au travail.

Si tel est le cas, nous devrions nous attendre à voir les représentants les plus innovants du modernisme inclus dans l'exposition. Pour analyser si c'est le cas, regardez la liste des expressionnistes abstraits exposés. Jackson Pollock est inclus, tout comme Willem de Kooning. Mais où sont les autres ? Où est Louise Nevelson, sans conteste la sculptrice la plus innovante de cette génération ? Son travail est au MoMA. Pourquoi ne pas l'inclure ici ? Où est Perle Fine ? Ou Jay DeFeo ? Ou franchement, si vous allez inclure le travail de Jackson Pollock, pourquoi ne pas inclure David Alfaro Siqueiros, le célèbre muraliste mexicain qui a dirigé l'atelier à New York (auquel Pollock a assisté) qui a d'abord introduit de nombreuses méthodes que Pollock a utilisées pour ses peintures emblématiques de gouttes et d'éclaboussures. Ou pour ce qui est de cela, pourquoi ne pas inclure Janet Sobel, la peintre d'éclaboussures qui a également assisté à l'atelier de Siqueiros, et dont le studio a été visité par Pollock avant "d'innover" sa propre technique d'éclaboussures. Les œuvres de Siqueiros et Sobel font partie de la collection du MoMA. Leur absence ici démontre que cette exposition n'est pas une question d'innovation. C'est juste une réitération des demi-vérités standards qui se sont présentées comme de l'histoire pendant des générations.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Le problème avec les mythes

Dans l’ensemble, le seul adjectif utilisé pour décrire le MoMA à Paris qui ne pue pas l’exagération est « sans précédent ». C'est véritablement la première fois qu'autant d'œuvres du MoMA sont exposées simultanément en France. Alors d'accord, par définition, c'est sans précédent. (Bien que cela ne signifie pas pour autant qu’il n’est pas générique.) Et la seule phrase du dossier de presse qui se rapproche de la vérité est que le MoMA est l’un des « musées les plus importants » au monde. Ce commentaire est manifestement factuel. L’importance indéniable du MoMA peut être prouvée de multiples façons. On mesure l’influence qu’exerce l’institution par ses acquisitions sur les autres grandes collections d’art du monde. Après tout, combien de vendeurs d’art démontrent aux collectionneurs privés l’importance des artistes qu’ils représentent en faisant référence aux collections de musée dans lesquelles l’artiste se trouve ? (La réponse est tous.) Et nous pouvons mesurer le nombre de visiteurs que le MoMA reçoit chaque année (environ deux à trois millions). Et on peut regarder le budget annuel du musée (environ 150 millions de dollars) et le salaire de son directeur (2,1 millions de dollars en 2013). Tous ces indicateurs indiquent que le MoMA exerce effectivement une influence massive et mondiale, et donc important.

Et cela nous amène au dernier adjectif utilisé en conjonction avec cette exposition : « mythique ». La mesure ultime du pouvoir est la capacité d'affecter ce que les gens croient être vrai. Le MoMA est puissant. Il a le pouvoir soit de continuer à créer et à promulguer des mythes, soit de rétablir la vérité. Avec cette exposition, la Fondation Louis Vuitton et le MoMA ont annoncé leur intention de maintenir le statu quo. Oui, les œuvres exposées sont pleines de grandeur. Mais combien de cette grandeur est liée à une valeur authentique, et combien est liée à l'effort de marketing persistant qui, depuis des générations, a promu des histoires sur l'art et l'histoire qui sont des exagérations au mieux, et des mensonges flagrants au pire ? Ce qui serait vraiment innovant, original et moderne serait de mettre en scène une exposition de cette ampleur qui tenterait de dire la vérité sur le modernisme. Montrez-nous qui Picasso a copié. Montrez-nous qui Pollock a plagié. Montrez-nous les artistes autochtones, les artistes femmes, les artistes non blancs et les artistes non formés dont les cous ont été piétinés par les superstars que nous connaissons et aimons tous. Ce serait une « exposition manifeste » « innovante », « complète » et véritablement « sans précédent » à laquelle je pourrais adhérer.

Image en vedette : Yayoi Kusama – Accumulation n° 1, 1962. Tissu rembourré cousu, peinture et frange de chaise 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). The Museum of Modern Art, New York Don de William B. Jaffe et Evelyn A. J. Hall (par échange), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Toutes les images sont une gracieuseté du MoMA et de la Fondation Louis Vuitton

Par Phillip Barcio