MoMA à Paris - Organisé par la Fondation Louis Vuitton
Une exposition très vantée d’art moderne a ouvert ses portes à Paris cette semaine, suscitant beaucoup d’enthousiasme. Mais peut-être devrait-elle aussi inspirer une égale dose d’inquiétude. Being Modern : MoMA à Paris présente environ 200 œuvres issues de la collection du Museum of Modern Art de New York. Organisée au musée Fondation Louis Vuitton conçu par Frank Gehry, cette exposition marque la première fois qu’une sélection importante d’œuvres du MoMA est présentée en France. Il est facile d’énumérer les nombreuses raisons pour lesquelles cette exposition est saluée comme une merveille pour la France, pour le MoMA et pour l’art moderne en général. Après tout, la liste des artistes et des œuvres inclus dans le spectacle couvre toute l’histoire du musée, de sa création en 1929 à aujourd’hui. Elle comprend beaucoup des plus grands noms de l’art des cent dernières années. Il est donc évident que toute occasion de voir autant d’œuvres influentes et célèbres devrait être saisie par tous ceux qui peuvent se rendre sur place. Mais juste un instant, il faut aussi examiner sérieusement pourquoi cette exposition suscite aussi de l’anxiété : à savoir, la quantité stupéfiante d’exagérations pompeuses répandues sur l’importance de l’événement. Les documents officiels de presse, qui ont été reproduits et cités à l’envi par les médias, qualifient à plusieurs reprises l’exposition de « manifeste », et décrivent le MoMA comme l’un des « musées les plus importants » au monde. L’exposition est qualifiée d’« innovante », de « complète » et « sans égal ». Le mot « mythique » revient même à plusieurs reprises. Et c’est ce dernier adjectif, « mythique », qui semble le plus dangereux, car c’est le seul sentiment concernant cette exposition qui ne peut être rejeté comme une simple exagération. Les mythes sont puissants. Et lorsqu’il s’agit d’une exposition de cette ampleur, les mythes qu’elle crée et entretient ont la capacité de façonner le récit mondial sur l’art pour les générations à venir.
Décryptons ces adjectifs
L’adjectif le plus manifestement ridicule utilisé pour décrire Being Modern : MoMA à Paris est « complète ». Plus précisément, le dossier de presse affirme que, « Being Modern : MoMA à Paris est la première exposition complète en France de la collection du Museum of Modern Art. » Mais en vérité, bien que l’exposition soit effectivement importante — elle présente environ 200 objets — la taille actuelle de la collection complète du MoMA est d’environ 200 000 objets. Cette exposition présente donc environ un millième de ce que possède le MoMA. Ce n’est qu’un aperçu minuscule des archives complètes. Pourquoi la qualifier de complète ? La réponse pourrait être que le comité de sélection, qui comprenait des représentants de la Fondation Louis Vuitton et du MoMA, estime que le nombre minuscule d’objets choisis représente pleinement le caractère et la substance des 199 800 objets restants. Mais est-ce même un tant soit peu vrai ?
En examinant la liste des artistes inclus dans MoMA à Paris, elle ne semble en aucun cas représentative de l’ensemble de la collection du MoMA. Plus de 75 000 objets de cette collection sont archivés en ligne, j’ai donc fait une recherche rapide dans cette base pour trois artistes qui ne sont pas inclus dans cette exposition, mais que je considère comme parmi les artistes modernes les plus influents : Louise Bourgeois, Anni Albers et Helen Frankenthaler. Il s’avère que le MoMA possède des centaines d’œuvres de ces trois artistes. Mais étrangement, elles ne sont pas incluses dans cette exposition. J’ai fait une autre recherche, notant que MoMA à Paris contient des œuvres de quelques dadaïstes masculins. J’ai donc vérifié si les archives du MoMA contiennent des œuvres de dadaïstes féminines influentes. Il s’avère qu’ils ont plus d’une douzaine d’œuvres de Hannah Höch et Sophie Taeuber Arp, mais seules leurs homologues masculins plus connus sont inclus dans cette exposition. Peut-on donc dire que cette exposition est complète ? Pas du tout. Ce que nous pouvons dire, c’est que les conservateurs ont choisi des œuvres d’artistes célèbres. Mais cela s’appelle un succès commercial, pas une représentation complète de l’histoire ou de la collection du MoMA.
Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Tubes au néon et fil avec cadres suspendus en tubes de verre, 2,39 x 1,79 x 0,65 m. The Museum of Modern Art, New York. Don d’Emily et Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York
La difficulté de l’innovation
Le prochain adjectif du dossier de presse de MoMA à Paris que nous devons analyser est « innovante ». C’est un mot important, qui a toute sa place dans toute discussion sur l’art moderne. L’innovation implique originalité, créativité, expérimentation, et parfois même génie. Est-ce donc le mot juste pour décrire cette exposition ? Comme nous le savons déjà, les artistes n’ont pas été choisis parce qu’ils étaient, ou sont, les plus créatifs, les plus originaux, les plus expérimentaux, ou les plus grands génies. À quelques exceptions près (comme l’inclusion de la constructiviste brésilienne Lygia Clark parmi le club bien connu des Minimalistes masculins blancs Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly et Frank Stella), les artistes ont été choisis principalement pour leur renommée, ou parce qu’ils s’inscrivent dans le récit existant de l’histoire de l’art moderne. Mais cela n’a rien de nouveau, bien sûr. C’est la tactique habituelle des conservateurs pour les grandes rétrospectives historiques. Et cela va très bien. Mais ce n’est pas innovant. Peut-être alors que lorsque le mot innovante est utilisé pour décrire cette exposition, il ne fait pas référence à l’exposition elle-même, mais aux œuvres.
Si c’est le cas, nous devrions nous attendre à voir les représentants les plus innovants du modernisme inclus dans l’exposition. Pour analyser si c’est le cas, regardons la liste des expressionnistes abstraits présentés. Jackson Pollock est inclus, tout comme Willem de Kooning. Mais où sont les autres ? Où est Louise Nevelson, sans doute la sculptrice la plus innovante de cette génération ? Ses œuvres sont au MoMA. Pourquoi ne pas les inclure ici ? Où est Perle Fine ? Ou Jay DeFeo ? Ou franchement, si vous incluez les œuvres de Jackson Pollock, pourquoi ne pas inclure David Alfaro Siqueiros, le célèbre muraliste mexicain qui a animé l’atelier à New York (auquel Pollock a assisté) qui a introduit beaucoup des méthodes que Pollock a utilisées pour ses peintures emblématiques en gouttes et éclaboussures ? Ou pourquoi ne pas inclure Janet Sobel, la peintre éclaboussée féminine qui a aussi assisté à l’atelier de Siqueiros, et dont l’atelier Pollock a visité avant d’« innover » sa propre technique d’éclaboussures. Des œuvres de Siqueiros et Sobel font partie de la collection du MoMA. Leur absence ici montre que cette exposition ne parle pas d’innovation. C’est juste une répétition des demi-vérités habituelles qui se sont fait passer pour l’histoire pendant des générations.
Rirkrit Tiravanija – Sans titre (the days of this society is numbered / 7 décembre 2012), 2014. Peinture polymère synthétique et journal sur lin, 221 x 214,6 cm. The Museum of Modern Art, New York. Fonds du Comité des dessins et estampes, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (gauche) et Ellsworth Kelly – Couleurs pour un grand mur, 1951. Huile sur toile, soixante-quatre panneaux, 240 x 240 cm. The Museum of Modern Art, New York. Don de l’artiste, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (droite)
Le problème des mythes
Dans l’ensemble, le seul adjectif utilisé pour décrire MoMA à Paris qui ne sent pas l’exagération est « sans égal ». C’est vraiment la première fois qu’autant d’œuvres du MoMA sont exposées simultanément en France. Donc d’accord, par définition, c’est sans égal. (Bien que cela ne signifie pas que ce ne soit pas aussi banal.) Et la seule phrase pompeuse dans le dossier de presse qui s’approche de la vérité est que le MoMA est l’un des « musées les plus importants » au monde. Cette affirmation est manifestement factuelle. Le fait que le MoMA soit indéniablement important peut être prouvé de multiples façons. Nous pouvons mesurer l’influence que l’institution exerce avec ses acquisitions sur les autres grandes collections d’art dans le monde. Après tout, combien de marchands d’art démontrent aux collectionneurs privés l’importance des artistes qu’ils représentent en mentionnant dans quelles collections muséales l’artiste figure ? (La réponse est : tous.) Et nous pouvons mesurer le nombre de visiteurs que le MoMA reçoit chaque année (environ deux à trois millions). Et nous pouvons regarder le budget annuel du musée (environ 150 millions de dollars) et le salaire de son directeur (2,1 millions de dollars en 2013). Tous ces indicateurs montrent que le MoMA est effectivement d’une influence massive et mondiale, et donc important.
Et cela nous amène au dernier adjectif utilisé en lien avec cette exposition : « mythique ». La mesure ultime du pouvoir est la capacité d’influencer ce que les gens croient être vrai. Le MoMA est puissant. Il a le pouvoir soit de continuer à créer et diffuser des mythes, soit de rétablir la vérité. Avec cette exposition, la Fondation Louis Vuitton et le MoMA ont annoncé leur intention de maintenir le statu quo. Oui, les œuvres exposées sont pleines de grandeur. Mais combien de cette grandeur tient à une valeur authentique, et combien tient à l’effort marketing persistant qui, depuis des générations, promeut des récits sur l’art et l’histoire qui sont au mieux des exagérations, au pire des mensonges flagrants ? Ce qui serait vraiment innovant, original et moderne serait de monter une exposition de cette ampleur qui tenterait de dire la vérité sur le modernisme. Montrez-nous qui Picasso a copié. Montrez-nous qui Pollock a plagié. Montrez-nous les artistes indigènes, les artistes femmes, les artistes non blancs, et les artistes non formés dont les carrières ont été écrasées par les superstars que nous connaissons tous et aimons. Voilà une « exposition manifeste » « innovante », « complète » et vraiment « sans égal » que je pourrais soutenir.
Image en vedette : Yayoi Kusama – Accumulation n° 1, 1962. Tissu rembourré cousu, peinture et franges de chaise, 94 x 99,1 x 109,2 cm. The Museum of Modern Art, New York Don de William B. Jaffe et Evelyn A. J. Hall (par échange), 2012. © 2017 Yayoi Kusama
Toutes les images sont fournies par le MoMA et la Fondation Louis Vuitton
Par Phillip Barcio
