Pourquoi la vision de Gauguin après le sermon était importante pour l'art abstrait

Paul Gauguin a peint Vision Après le Sermon en 1888. C'était une œuvre religieuse, qui prenait comme point de départ une histoire de la Bible chrétienne. Le récit provient du livre de la Genèse, chapitre 32, versets 22 à 31. Il concerne le personnage nommé Jacob, qui sera plus tard renommé Israël, et qui est considéré comme le père historique des Israélites. Le verset se lit comme suit : “Cette nuit-là, il se leva et prit ses deux femmes, ses deux servantes et ses onze enfants, et il traversa le gué du Jabbok. Il les prit et les envoya de l'autre côté du fleuve, ainsi que tout ce qu'il avait. Et Jacob resta seul ; et un homme lutta avec lui jusqu'au lever du jour.” L'interprétation poétique ou philosophique générale de cette scène est qu'elle concerne un homme qui lutte avec ses démons, pour ainsi dire. L'homme, Jacob, lutte avec ce qui est manifestement un ange, un représentant de la divinité. La rivière Jabbok (également connue sous le nom de rivière du Jourdain) sépare Jacob de Canaan, ou la Terre Promise. Ainsi, Jacob essaie, en essence, de faire la paix à l'ancienne entre les éléments meilleurs et pires de sa nature humaine afin de pouvoir simplement vivre une vie décente. C'est un sujet fascinant que Gauguin a choisi pour cette peinture car la peinture elle-même a développé une interprétation similaire parmi les historiens de l'art. Elle est considérée comme un tournant dans la marche post-impressionniste vers l'abstraction. C'est un sujet approprié pour une peinture qui joue un rôle central dans le processus des artistes luttant contre leurs démons alors qu'ils essaient de faire la paix avec ce que l'art est censé être afin de pouvoir simplement continuer à créer un travail décent.

Éliminer les illusions

Gauguin faisait partie d'un petit groupe de peintres de la fin du XIXe siècle qui pensaient qu'avant de devenir une image illusoire, un tableau n'était avant tout que des couleurs appliquées sur une surface. Le processus de transformation de la peinture et de la surface en quelque chose de réaliste, comme une image de quelque chose d'identifiable, est venu plus tard, après coup. Dans l’esprit de ces artistes avant-gardistes, cette étape ultérieure n’était plus si importante et commençait même à paraître inutile. Ils commençaient à apprécier des choses comme la couleur et la surface selon leurs propres mérites, quels que soient les formes, les formes et les espaces illusoires qu'ils étaient utilisés pour créer. En général, cet état d’esprit a commencé avec l’impressionnisme, un style axé sur la qualité de la lumière dans une image. Mais c’est dans la période aujourd’hui connue sous le nom de postimpressionnisme que ces idées ont réellement commencé à prendre leur essor.

La liste des mouvements post-impressionnistes qui ont réduit la peinture à ses éléments formels, menant finalement à l'abstraction pure, est longue. Elle comprend le symbolisme, le synthétisme, le cloisonnisme, le fauvisme, le cubisme, et bien d'autres -ismes. Chacun de ces mouvements est apparu dans une succession assez rapide dans les dernières décennies du 19ème siècle. Chacun a adopté un agenda particulier, isolant un ou plusieurs éléments de l'art classique et le subvertissant afin de découvrir quelque chose de nouveau sur le potentiel de la peinture. Parmi les éléments que ces artistes cherchaient à éliminer figuraient la perspective, la gradation des couleurs, les couleurs réalistes, des sujets compréhensibles, et l'idée que les formes et les figures devaient être représentatives d'éléments du monde réel. Un des aspects clés de Vision après le sermon qui le rend si emblématique de cette poussée générale vers l'abstraction est qu'il aborde presque tous ces éléments à la fois.

Perspective et gradation

La perspective et la gradation des couleurs sont deux des éléments les plus essentiels et déterminants des styles de peinture classiques. Ensemble, ils peuvent conférer à une peinture un puissant sentiment de réalisme, car ils créent l’espace illusoire au sein de l’image. La perspective donne à une peinture une impression de profondeur et le sentiment que les formes physiques dans l'espace illusoire ont un sens à l'œil, tout comme elles le feraient dans la vraie vie. Quelle que soit la perfection photographique d’une peinture, sans un sentiment de perspective réaliste, l’illusion est brisée. Pendant ce temps, la gradation progressive des couleurs est ce qui donne aux tons des objets du tableau leurs qualités réalistes. Le teint n’est pas seulement une couleur, ce sont des centaines, voire des milliers de couleurs qui se mélangent progressivement les unes aux autres. Sans gradation, les couleurs deviennent irréalistes et l’image commence à paraître étrange, voire absurde.

Vision après le sermon élimine presque complètement à la fois la perspective et la gradation des couleurs, bien que ce ne soit pas tout à fait le cas. Gauguin a habilement utilisé le sujet religieux pour semer la confusion sur le fait que l'image est censée être réaliste ou non. Elle montre un groupe de ce qui semble être des religieuses et un prêtre rassemblés en ligne, certaines debout et d'autres à genoux. La perspective est utilisée de manière quelque peu traditionnelle pour cette partie de l'image. Mais le reste de l'image semble plus comme un rêve. Il y a manifestement eu un sermon, et ces religieuses sortent de l'église après. Le sermon devait être l'histoire de Jacob luttant contre ses démons, car c'est l'image qui se déroule devant les yeux des religieuses dans un espace mystique, presque surréaliste, dans la partie supérieure de l'image. Dans cette zone du cadre, il n'y a aucune tentative de perspective, aucune tentative de profondeur, et presque une élimination complète de la gradation de couleur. L'image est aplatie, pour ainsi dire.

Paul Gauguin - Vision after the Sermon, 1888, Oil on canvas, 72,20 x 91,00 cm

Couleurs et formes non naturelles

Les couleurs dans Visions après le sermon ne sont pas entièrement extravagantes, comme elles le deviendront plus tard dans les œuvres des peintres fauves. Mais dans cette peinture, Gauguin a fait un grand pas vers cette fin éventuelle en prenant le risque audacieux de peindre une vaste partie de l'image de ce qu'il appelait "pur vermillon". Le vermillon est un pigment rouge qui était autrefois couramment utilisé dans la peinture. Il était dérivé d'un minéral appelé cinabre, qui contenait tellement de mercure qu'il était déjà connu depuis l'époque romaine que l'extraction de ce minéral était une sentence de mort. Pour cette raison, le pigment est difficile à trouver aujourd'hui. Il est toxique. Mais il confère à cette œuvre un ton particulièrement sinistre. Le rouge peut être vu comme une couleur symbolique, impliquant la colère, la mort et le danger. Il définit l'image comme quelque chose d'irréel, quelque chose de rêveur.

Quant aux formes, il est clair que Gauguin les a pour la plupart voulues quelque peu réalistes. L'image montre clairement des figures humaines, une vache, un arbre et un homme luttant avec un ange. Mais il y a des moments dans l’image qui suggèrent que Gauguin n’était pas tellement intéressé à reproduire la réalité avec ses formes, mais plutôt simplement fasciné par les qualités des formes elles-mêmes. Cela est particulièrement évident dans les coiffures portées par les religieuses. À partir de la coiffe au premier plan, en bas à droite du tableau, la forme est réduite à son essence géométrique. Tout au long de l’image, Gaugin suit cette tendance encore et encore. Si les visages étaient éliminés de l’image, les zones de couleur restantes perdraient une grande partie de leur pouvoir narratif et l’image pourrait facilement se transformer en une composition abstraite.

Intentions sincères

L'une des questions qui se posent souvent lorsqu'on parle des peintres post-impressionnistes est de savoir s'ils savaient vraiment exactement ce qu'ils essayaient de faire. Et bien sûr, dans le cas de peintres comme Gauguin, la réponse est oui. Lui et ses contemporains, tels que Paul Sérusier, Maurice Denis et Émile Bernard, étaient de fervents philosophes, écrivains et expérimentateurs. Ils étaient pleinement déterminés à déconstruire la définition de la peinture et le sens de l'art. Ils faisaient tout leur possible pour découvrir ce qu'il y a, s'il y a quelque chose, dans l'art qui pourrait être contemplatif, transcendant et même spirituel, en plus de son sujet narratif.

En fait, en ce qui concerne les intentions expérimentales de ces artistes, j'ai personnellement le sentiment qu'un autre tableau, peint l'année précédant Vision After the Sermon, est allé beaucoup plus loin dans la découverte des potentialités cachées dans l'abstraction. Ce tableau est Le Talisman, peint par Paul Sérusier le dernier jour de 1887. Selon la légende, Gauguin aurait encouragé Sérusier à peindre cette pièce. Quoi qu’il en soit, c’est vraiment révolutionnaire. Si seulement deux lignes vertes traversant le milieu de l’image étaient éliminées, celle-ci serait complètement abstraite. Cela ressemblerait presque parfaitement à l’œuvre créée par Hans Hofmann une génération plus tard. C'est l'essence du synthétisme, le style auquel Gauguin s'attribue, en ce sens qu'il synthétise l'essence extérieure des formes naturelles sans les copier précisément avec une idée de ce que l'artiste ressent envers les formes du tableau et une pure considération esthétique de la couleur. ligne et forme. Néanmoins, Vision After the Sermon est évidemment également important, car il démontre bon nombre des mêmes idées, ce qui en fait un tournant décisif dans la marche vers l'abstraction pure.

Image à la une : Paul Gauguin - Vision après le sermon (détail), 1888, huile sur toile, 72,20 x 91,00 cm

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio