आधुनिक इतालवी कला के अमूर्त दृष्टिकोण
ज्यादातर लोग जो इतालवी कला के इतिहास का अध्ययन करते हैं, वे उच्च पुनर्जागरण और बारोक काल के शास्त्रीय मास्टरों के बारे में सीखते हैं, जैसे लियोनार्डो दा विंची, माइकलएंजेलो, राफेल और कारवाजियो। कम लोग आधुनिक इतालवी कला आंदोलनों के बारे में सुनते हैं जैसे आर्टे पोवेरा और स्पेशियलिज़्म, या समकालीन इतालवी मास्टरों जैसे एटोर स्पैलेटी के बारे में। इतालवी कला की पूरी कहानी को समझने के लिए, यह आवश्यक है कि हम उन कई तरीकों का अध्ययन करें जिनसे इतालवी कलाकारों ने आधुनिकता में योगदान दिया है। कुछ इतालवी आधुनिकतावादी आंदोलन आकृतिवादी स्वभाव के रहे हैं, जैसे आर्टे न्यूक्लियरे, जिसने द्वितीय विश्व युद्ध के बाद परमाणु शक्ति के आतंक का सामना किया, और ट्रांसवांटगर्डे, जो 1970 के दशक में उभरा, नियो-एक्सप्रेशनिज़्म का एक इतालवी संस्करण। और कम से कम एक इतालवी आधुनिकतावादी आंदोलन, नोवेसेंटो इटालियानो, प्रतिगामी था, जिसने फासीवाद को अपनाया और प्राचीन, यथार्थवादी, शास्त्रीय शैलियों की ओर लौटने का समर्थन किया। लेकिन इटली कई अमूर्त आधुनिकतावादी कला आंदोलनों का जन्मस्थान भी रहा है, जिन्होंने अंतरराष्ट्रीय समकालीन कला प्रवृत्तियों को गहरे तरीकों से आकार दिया है। हालांकि इन आंदोलनों से जुड़े कलाकारों की सूची एक लेख में कवर करने के लिए बहुत लंबी हो सकती है, यहाँ कुछ प्रमुख अमूर्त, आधुनिक इतालवी कला आंदोलनों और कुछ कलाकारों का प्रारंभिक परिचय है जिन्होंने उन्हें परिभाषित करने में मदद की।
इटालियन भविष्यवाद
1909 में मिलान के बाहर एक ग्रामीण सड़क पर, फिलिप्पो टोमासो मारिनेट्टी ने एक साइकिल चालक से बचने के लिए मुड़ते हुए अपनी कार को एक खाई में गिरा दिया। इस घटना से मारिनेट्टी क्रोधित हो गए। उन्हें धीमी गति वाली साइकिल से नफरत थी। वह गति और शक्ति के प्रति पागल थे और मानते थे कि सड़कों पर नए युग की मशीनों का अधिकार होना चाहिए। वह युवा इतालवी कलाकारों की उस बेशर्म पीढ़ी का हिस्सा थे, जिन्हें जल्द ही भविष्यवादी के रूप में जाना जाएगा।
कार दुर्घटना के बाद, मारिनेटी ने एक निबंध लिखा जो इटली और फ्रांस के समाचार पत्रों में प्रकाशित हुआ। इसे फ्यूचरिस्ट मैनिफेस्टो के नाम से जाना गया और इसमें उन युवा कलाकारों की निराशा का भावुक विवरण दिया गया जो इतिहास के बोझ तले दबे हुए थे। इसमें यह कहा गया कि वे "इटली को प्रोफेसरों, पुरातत्वविदों, गाइडों और प्राचीन वस्तुओं के व्यापारियों की गैंग्रीन से मुक्त करना चाहते हैं।" इसमें यांत्रिक शक्ति, हिंसा और युद्ध का समर्थन किया गया, और सुझाव दिया गया कि आधुनिक कलाकारों को नए औद्योगिक दुनिया को अपनाना चाहिए और अतीत की सभी परंपराओं और संस्थाओं को नष्ट करना चाहिए।
उम्बर्टो बोक्कियोनी - स्थान में निरंतरता के अद्वितीय रूप, 1913, दो दृश्य
इतालवी भविष्यवादी कला
अपने कला में, इटालियन फ्यूचरिस्टों ने गति और तेज़ी को चित्रित करने का प्रयास किया। उन्होंने शहर के अराजकता और तेजी से और हिंसक रूप से बदलते हुए विश्व के दृष्टिकोणों को चित्रित किया। इटालियन फ्यूचरिज़्म का एक प्रमुख सिद्धांत डायनामिज़्म के रूप में जाना जाता था, या गति, आंदोलन और ध्वनि के संयुक्त अनुभव के रूप में। जियाकोमो बल्ला डायनामिज़्म के मास्टरों में से एक थे। उनकी तकनीक में प्रारंभिक प्रयास चित्रात्मक थे, लेकिन उनका शैली जल्दी ही अधिक अमूर्त हो गई क्योंकि उन्होंने रंग, रेखा और रूप जैसे चित्रकला के औपचारिक गुणों के माध्यम से डायनामिज़्म को संबोधित करने के लिए विकसित किया। एक प्रमुख उदाहरण 1914 का चित्र अमूर्त गति + ध्वनि है।
उम्बर्टो बोक्कियोनी गतिशीलता के एक और भविष्यवादी मास्टर थे। एक कुशल चित्रकार, बोक्कियोनी ने एक प्रसिद्ध भविष्यवादी चित्र बनाया, जिसे शहर उठता है कहा जाता है। लेकिन समय के साथ, वह उस चुनौती में रुचि रखने लगे जिसे उन्होंने "अनुक्रम" कहा, या भौतिक स्थान के माध्यम से गति की अनुभूति को तीन-आयामी स्थान में प्रस्तुत करना। उन्होंने इस लक्ष्य को सबसे प्रसिद्ध रूप से अपनी अमूर्त मूर्तिकला स्थान में निरंतरता के अद्वितीय रूप, जो 1913 में बनाई गई थी, में साकार किया।
लुसियो फोंटाना - स्पैटियल कॉन्सेप्ट, 1950. © फोंडाज़ियोन लुसियो फोंटाना, मिलान
स्थानिकवाद
फ्यूचरिस्टों के एक पीढ़ी बाद, अगली प्रमुख इतालवी अमूर्त आधुनिकतावादी कला आंदोलन की शुरुआत हुई, जिसे एक कलाकार लुसियो फोंटाना ने शुरू किया। अर्जेंटीना के मूल निवासी, फोंटाना मुख्य रूप से स्थान की गुणवत्ता और सार को व्यक्त करने में रुचि रखते थे। वह इस बात से मोहित थे कि रूप कैसे स्थान को ग्रहण कर सकता है, स्थान को समेट सकता है और स्थान तक पहुंच खोल सकता है। उन्हें अक्सर एक चित्रकार के रूप में संदर्भित किया जाता है क्योंकि उनके सबसे प्रसिद्ध काम दीवार पर लटके होते हैं। लेकिन फोंटाना को मूल रूप से एक मूर्तिकार के रूप में प्रशिक्षित किया गया था, और उन्होंने अपने所谓 के चित्रों को द्वि-आयामी कला की परिभाषा को चुनौती देने के रूप में माना।
1946 में, उन्होंने एक निबंध लिखा जिसे व्हाइट मैनिफेस्टो कहा जाता है, जिसने पारंपरिक दो और तीन-आयामी कला की परिभाषाओं के अंत की खुली मांग की। इसके बजाय, उन्होंने कला में संश्लेषण को प्रोत्साहित किया। अपने मैनिफेस्टो में, फोंटाना ने वर्णन किया कि पारंपरिक "स्थिर" कला की परिभाषाएँ जैसे कि चित्रकला और मूर्तिकला अब "समय और स्थान के माध्यम से गति के गतिशील सिद्धांत" द्वारा प्रभुत्व वाले युग के लिए पर्याप्त नहीं थीं। इस परिवर्तनकारी दृष्टिकोण के माध्यम से, फोंटाना ने कई नवाचार किए। उन्होंने स्थापना कला के कुछ पहले उदाहरण बनाए और 1940 के दशक के अंत में अपने विचारों की अंतिम अभिव्यक्ति हासिल की जब उन्होंने कैनवस बनाना शुरू किया जिसे उन्होंने फिर चाकू से काटा। उनका टुकड़ा Concetto spaziale – Attesa, एक मोनोक्रोमैटिक लाल कैनवस है जिसमें इसके केंद्र के माध्यम से एकल चाकू की खरोंच है, जिसे स्पैटियलिस्ट विचार का प्रतीक माना जाता है, क्योंकि यह स्थान से रूप बनाने में सफल होता है।
लुसियो फोंटाना - कॉन्सेट्टो स्पैज़ियाले – अटेसा, 1965. © फोंडाज़ियोन लुसियो फोंटाना, मिलान
घटिया कला
20वीं सदी की सबसे परिवर्तनकारी अमूर्त आधुनिकतावादी कला आंदोलनों में से एक इटली में 1960 के दशक में उत्पन्न हुआ। इसे Arte Povera, या गरीब कला कहा गया, क्योंकि इसके प्रैक्टिशनर्स की प्रवृत्ति सामान्य सामग्रियों और रोज़मर्रा के विषयों पर निर्भर रहने की थी। यह आंदोलन अन्य आधुनिकतावादी कला प्रवृत्तियों जैसे कि Minimalism के प्रति प्रतिरोध से शुरू हुआ, जिसने औद्योगिक प्रक्रियाओं पर जोर दिया और कलाकार की व्यक्तिगतता को काम से हटाने की कोशिश की। Arte Povera से जुड़े कलाकारों ने कला को रोज़मर्रा की ज़िंदगी से फिर से जोड़ने की इच्छा व्यक्त की।
साधारण, सामान्य और रोज़मर्रा से जुड़ने के लिए, इन कलाकारों ने उन कला वस्तुओं के बीच अद्वितीय इंटरैक्शन के क्षण बनाने का प्रयास किया जो उन्होंने बनाई और उन दर्शकों के बीच जो उनसे मिले। उन्होंने ऐसी कला बनाई जो, हालांकि अमूर्त थी, सरल और सीधे संदेश संप्रेषित करती थी। उन्होंने रस्सी, मिट्टी, कपड़ा और यहां तक कि मल जैसे समझने में आसान, प्राकृतिक, स्पर्शीय, पूर्व-औद्योगिक सामग्रियों का उपयोग किया। कला के ऐसे समकालीन आंदोलनों के बीच जो कला से भावना और व्यक्तिगतता को समाप्त करने के लिए समर्पित थे, इन कलाकारों ने कलाकार और दर्शक दोनों की मानवता के महत्व पर जोर दिया, और खुले तौर पर जनता को अपनी कला के साथ सीधे इंटरैक्ट करने के लिए आमंत्रित किया।
पिनो पास्काली - ब्रिसलवर्म्स
आर्टे पोवेरा के कलाकार
पिएरो मैनज़ोनी को आर्टे पोवेरा का पिता माना जाता है, हालांकि उनकी मृत्यु 1963 में 29 वर्ष की आयु में हुई, इससे पहले कि उन्हें इसके प्रमुख प्रदर्शनों में शामिल किया जा सके। अपने काम के माध्यम से, मैनज़ोनी ने इस भ्रांति को नष्ट कर दिया कि कला और जीवन अलग हैं, अपने कला के साथ दर्शकों को सीधे शामिल करके। एक टुकड़े में जिसे डायनामिक आर्ट का उपभोग कला-खाने वाले जनता द्वारा, मैनज़ोनी ने अपने अंगूठे के निशान से उबले अंडों पर "हस्ताक्षर" किया और फिर दर्शकों को अंडे खाने के लिए आमंत्रित किया। एक टुकड़े में जिसे मैजिश सोकेल, डच में जादुई शेल्फ कहा जाता है, उन्होंने दर्शकों को एक pedestal पर खड़े होकर भाग लेने के लिए आमंत्रित किया, जिससे वे जीवित मूर्तियों में बदल गए।
अन्य आर्टे पोवेरा कलाकारों ने जनता को सीधे शामिल नहीं किया, बल्कि ऐसे काम बनाए जो जानबूझकर दर्शक की सहभागिता का सुझाव देते थे। पिनो पास्कालो ने बड़े पैमाने पर ब्रिसलवर्म बनाए, जो ब्रिसल ब्रश से बने कीड़े जैसे स्कल्पचर थे, जिन्हें छूने के लिए दर्शकों को प्रोत्साहित किया गया। और 1965 में, माइकलएंजेलो पिस्टोलेट्टो ने कला और रोजमर्रा की जिंदगी के विवाह का शायद सबसे सही उदाहरण प्रस्तुत किया। उनके काम खड़े होकर बात करने के लिए संरचना (ऑब्जेक्ट्स के बिना) में एक रेलिंग शामिल थी जो एक गैलरी में स्थापित की गई थी, जिस पर दर्शक झुक सकते थे और बात करते समय अपने पैर रख सकते थे।
मिशेलेंजेलो पिस्तोलेट्टो - खड़े होकर बात करने की संरचना (वस्तुओं के बिना)
समकालीन आधुनिक इतालवी कला
आज इटालियन मॉडर्निज़्म की परंपराएँ जीवित और स्वस्थ हैं। एत्तोरे स्पैलेटी आज इटली में काम करने वाले प्रमुख अमूर्त कलाकारों में से एक हैं। वह आर्टे पोवेरा के मूल विचारों से ढीले ढंग से जुड़े हुए हैं, हालांकि उनका काम उस समूह के अधिकांश सदस्यों से स्पष्ट रूप से भिन्न है। एक बहु-आयामी कलाकार, स्पैलेटी ऐसे वस्त्र बनाते हैं जो रंग के सार से संबंधित होते हैं। वह कई परतों में हस्तनिर्मित रंग लगाने की श्रमसाध्य प्रक्रिया में संलग्न होते हैं जब तक कि वह रंग की आवश्यक प्रकृति प्रकट नहीं हो जाती। वह उस क्षण में, जब रंग अंततः प्रकट होता है, अपनी प्रक्रिया को रोक देते हैं।
स्पैलेटी द्वारा बनाए गए वस्तुएं एक अद्भुत प्रकाशमानता का प्रक्षिप्त करती हैं। वे सूर्योदय के क्षणों या समय में जमी हुई पानी की सतह पर प्रकाश की चमक के जैसे लगती हैं। स्पैलेटी ने गैलरियों और संग्रहालयों में अपने कामों को प्रदर्शित करने के अलावा, एक शवगृह और एक चैपल जैसे स्थानों में पूरे आंतरिक वातावरण भी बनाए हैं। शायद ऐसे अभिव्यक्तियों से, जो रोजमर्रा की जिंदगी से संबंधित हैं, वह आर्टे पोवेरा के साथ अपने संबंध को जारी रखते हैं। लेकिन स्पैलेटी इतालवी समकालीन अमूर्त कला में भी एक अद्वितीय आवाज हैं। वह और आज के इतालवी अमूर्त कला समुदाय के उनके कई समकालीन, अतीत के प्रत्येक प्रभावशाली इतालवी कला आंदोलनों के साथ एक संबंध का आनंद लेते हैं। और सबसे महत्वपूर्ण बात, अपने पूर्वजों की तरह, वे आधुनिकतावादी विचार के नवोन्मेषी अग्रणी में इतालवी कला को बनाए रखने की परंपरा को जीवित रखते हैं।
विशेष छवि: जियाकोमो बल्ला - एब्स्ट्रैक्ट स्पीड + साउंड, 1913-1914। कलाकार के रंगीन फ्रेम में बिना वार्निश किया हुआ मिलबोर्ड पर तेल। 21 1/2 x 30 1/8 इंच (54.5 x 76.5 सेमी)। सोलोमन आर. गुगेनहाइम फाउंडेशन पेगी गुगेनहाइम संग्रह, वेनिस, 1976। © 2018 आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क/SIAE, रोम
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
