पैटर्न और सजावट आंदोलन के प्रमुख आंकड़े

पैटर्न और सजावट आंदोलन समकालीन कला इतिहास में एक विशेष स्थान रखता है। 1960 के दशक के नारीवादी कला आंदोलन से उभरते हुए, पैटर्न और सजावट ने खुद को चित्रण और अमूर्तता के बीच एक प्रकार की "तीसरी विधि" के रूप में घोषित किया। आंदोलन के नेताओं ने पहचाना कि सजावटी कला बनाने की प्रवृत्ति हर मानव संस्कृति का एक आवश्यक पहलू रही है, जो सभ्यता की शुरुआत से है। फिर भी, उन्होंने यह भी महसूस किया कि पितृसत्तात्मक पश्चिमी सभ्यता ने किसी कारण से, कहीं न कहीं, यह रुख अपनाया कि सजावटी कलाओं को अन्य所谓 उच्च कला की तुलना में कम महत्वपूर्ण और कम गंभीर माना जाना चाहिए। पैटर्न और सजावट आंदोलन के संस्थापकों ने इस धारणा को स्पष्ट रूप से अस्वीकार कर दिया, यह घोषणा करते हुए कि सजावटी कार्य के प्रति उनका औपचारिक दृष्टिकोण किसी अन्य सौंदर्यात्मक स्थिति के रूप में समान रूप से प्रासंगिक, अर्थपूर्ण और ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण है। पैटर्न और सजावट आंदोलन की समग्र दर्शन को 1978 में आंदोलन के दो संस्थापकों—वैलेरी जॉडन और जॉयस कोज़लोफ—द्वारा उनके अद्भुत बमबारी वाले घोषणापत्र, "आर्ट हिस्टेरिकल नॉशंस ऑफ प्रोग्रेस एंड कल्चर" में स्पष्ट किया गया। इसका उद्घाटन पैराग्राफ कहता है, "जैसे नारीवादी और कलाकार जो अपनी पेंटिंग में सजावटी तत्वों का अन्वेषण कर रहे थे, हम समकालीन कला जगत में 'सजावटी' शब्द के नकारात्मक उपयोग के बारे में जिज्ञासु थे। आधुनिक कला के मूल पाठों को फिर से पढ़ते समय, हमें यह एहसास हुआ कि सजावटी के खिलाफ पूर्वाग्रह का एक लंबा इतिहास है और यह पदानुक्रमों पर आधारित है: उच्च कला सजावटी कला से ऊपर, पश्चिमी कला गैर-पश्चिमी कला से ऊपर, पुरुषों की कला महिलाओं की कला से ऊपर। इन पदानुक्रमों पर ध्यान केंद्रित करके, हमने एक परेशान करने वाली विश्वास प्रणाली का पता लगाया जो पश्चिमी सभ्यता की कला की नैतिक श्रेष्ठता पर आधारित है।" इस प्रकार आंदोलन के नेताओं ने उन पुरानी और बेकार पदानुक्रमों को इतिहास के राख के ढेर में डालने का संकल्प लिया। उनके काम की विरासत एक गहन सुंदरता और बौद्धिक आश्चर्य की है। वास्तव में, केवल अब, दर्शक इस महत्वपूर्ण आंदोलन की शक्ति को वास्तव में आत्मसात कर रहे हैं, और यह आज समकालीन कला क्षेत्र को अधिक समान, अधिक खुले विचारों वाला और अधिक पूर्ण बनाने में जो भूमिका निभा रहा है।

आंदोलन के पांच नेता

1960 में, मिरियम शापिरो ने उस समय के प्रमुख सौंदर्य प्रवृत्तियों को छोड़कर एक अद्वितीय व्यक्तिगत दृश्य आवाज़ खोजने की दिशा में कदम बढ़ाया, जो मुख्य रूप से एक महिला के रूप में उसकी पहचान पर आधारित थी। उसके पहले प्रोटो-फेमिनिस्ट काम उसके "श्राइन" थे, जो स्त्रीत्व, आध्यात्मिकता और ग्रिड की विभाजित आधुनिकतावादी भाषा के बीच एक प्रकार का पवित्र पुल के रूप में कार्य करते थे। उसने कई अन्य विशिष्ट फेमिनिस्ट कार्यों का निर्माण किया, जिसमें उसका विशाल "फैन्स" और एक श्रृंखला के कठोर किनारे वाले, ज्यामितीय अमूर्त काम शामिल हैं, जो आदर्श महिला प्रतीकवाद की बोल्ड, चमकदार छवियाँ प्रस्तुत करते हैं। 1973 में, शापिरो ने "वुमनहाउस" में भाग लिया, जो सभी समय के सबसे महत्वपूर्ण फेमिनिस्ट कलाकृतियों में से एक है। उसने बाद में अपने विशिष्ट तरीके के लिए "फेमेज" शब्द भी गढ़ा, जिसमें उसने कोलाज और असेंबलेज जैसी फाइन आर्ट तकनीकों को सिलाई जैसी शिल्प तकनीकों के साथ मिलाया।

मीरियम शापिरो - डॉरमर, 1979। ऐक्रेलिक, वस्त्र, कागज कैनवास पर। 178.5 x 102 सेमी। लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल क Kunst Aachen। फोटो: कार्ल ब्रुन / लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल क Kunst Aachen © मीरियम शापिरो की संपत्ति / बिडराइट वियना, 2019।

जॉयस कोज़लोफ ने मेक्सिको में रहने और फिर 1970 के दशक की शुरुआत में मोरक्को और तुर्की की यात्रा करने के बाद सजावटी कला के ऐतिहासिक ह्रास के बारे में अपनी अंतर्दृष्टि प्राप्त की। इन स्थानों में प्राचीन सौंदर्य परंपराएँ कैसे अभी भी जीवित और समृद्ध थीं, इससे प्रेरित होकर, उन्होंने इस विषय पर कई अलग-अलग मोर्चों पर अपने विचारों का पीछा किया। उन्होंने बड़े पैमाने पर पेंटिंग और मल्टी-मीडिया इंस्टॉलेशन बनाना शुरू किया, जिसमें पारंपरिक रूप से सजावटी शिल्पों के लिए निर्धारित विधियों और सामग्रियों का उपयोग किया गया; उन्होंने हेरिसीज कलेक्टिव में शामिल हुईं, जिसने नारीवादी सामाजिक क्रियाओं में भाग लिया और HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics नामक पत्रिका प्रकाशित की; और उन्होंने उपरोक्त पैटर्न और सजावट घोषणापत्र को सह-लिखा। आंदोलन की स्थापना के दशकों में, कोज़लोफ सार्वजनिक कला के क्षेत्र में अधिक सक्रिय हो गई हैं, और उन्होंने मानचित्रण के विचार पर आधारित एक विशिष्ट सौंदर्यवादी आवाज विकसित की है, जो कि एक मानचित्रणात्मक और सांस्कृतिक दोनों अर्थों में है।

जॉयस कोज़लोफ - अगर मैं एक वनस्पति विज्ञानी होता। 9 पैनल के टुकड़े के 3 पैनल। ऐक्रेलिक, आर्काइव डिजिटल इंकजेट प्रिंटिंग, और कैनवास पर कोलाज। 54″ x 360″। © जॉयस कोज़लोफ

"पैटर्न और सजावट" घोषणापत्र के सह-लेखन के अलावा, वैलेरी जॉडन ने इस आंदोलन की सबसे आत्मविश्वासी सौंदर्य आवाजों में से एक के रूप में खुद को स्थापित किया। उनकी विशिष्ट शैली में कलीग्राफिक चिह्नों को मध्य पूर्वी सजावटी शैलियों के संकेतों के साथ मिलाया गया है। अपनी पेंटिंग और कागज पर काम के अलावा, जॉडन ने एक दर्जन से अधिक बड़े पैमाने पर सार्वजनिक परियोजनाओं को पूरा किया है, जिसमें इनलेड फर्श, छत की भित्ति चित्र, और विशाल सार्वजनिक पार्क स्थापना शामिल हैं। इन परियोजनाओं में सबसे बड़ा है "फिलिपिन गार्डन (2004)," जो सेंट लुइस, मिसौरी में संघीय न्यायालय के मैदान पर एक सीमेंट पथ है। इसकी संरचना उसके कार्यों की विशेषता है, इस तरह से कि यह एक साथ परिचित और विदेशी प्रतीत होती है; इसकी जड़ें खूबसूरती से अस्पष्ट हैं, यह प्राकृतिक और वास्तुशिल्प सेटिंग में निर्बाध रूप से मिल जाती है।"

वैलेरी जॉडन - हैट्टीसबर्ग, 1979। कैनवास पर तेल। 223.5 x 335.5 सेमी। लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल क Kunst Aachen। फोटो: कार्ल ब्रुन / लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल क Kunst Aachen। © Bildrecht Wien, 2019.

1960 के दशक के अंत में, सुसान मिशोड ने आधुनिकतावादी अमूर्तता और विभिन्न प्राचीन स्वदेशी परंपराओं की सौंदर्य प्रवृत्तियों के बीच एक सौंदर्यात्मक स्थिति विकसित करना शुरू किया। उसका काम इन दो सहयोगात्मक दृष्टिकोणों के बीच की रेखा पर खड़ा है, जो ओप आर्ट की सम्मोहक आश्चर्य और प्री-कोलंबियन मध्य अमेरिका की कला रूपों में मूल निवासी गंभीर ज्यामितीय पैटर्न को याद दिलाता है। एक कलाकार के रूप में पैटर्न और डेकोरेशन मूवमेंट में उनके योगदान के अलावा, मिशोड शिकागो में आर्टेमिसिया गैलरी की सह-संस्थापक थीं, जो महिला कलाकारों के लिए एक प्रभावशाली प्रदर्शनी स्थान था, जहाँ जूडी शिकागो, मीरियम शापिरो, जॉयस कोज़लोफ और नैंसी स्पेरो जैसे कई अन्य प्रमुख कलाकारों ने अपना प्रारंभिक काम प्रदर्शित किया।

सुसान मिशोड - एज़टेक श्रोड, 2003। एक्रिलिक पेपर पर। 40 x 30 इंच। © सुसान मिशोड

मीरियम शापिरो के साथ, रॉबर्ट कुश्नर ने कुछ सबसे पहले पैटर्न और सजावट प्रदर्शनों का आयोजन करने में मदद की। कुश्नर कला के क्षेत्र में विज्ञापन चित्रण की दुनिया से आए, जिसे उन्होंने 1961 में फ्रांज क्लाइन के काम की एक प्रदर्शनी देखने के बाद छोड़ दिया। हालांकि, उन्हें अपनी अनूठी आवाज विकसित करने के लिए कुछ साल लग गए। उन्होंने विभिन्न शैलियों के साथ प्रयोग किया, जैसे कि अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, मिनिमलिज़्म, और कलर फील्ड पेंटिंग, लेकिन अंततः उन्होंने 1972 में एक व्यक्तिगत शैलीगत छलांग लगाने के लिए प्रचलित प्रवृत्तियों को छोड़ दिया, अपने कैनवस पर "ऑल-ओवर" पैटर्न में स्टेंसिल किए गए "आकृतियों" को लागू किया। 1970 के दशक के दौरान, ये पैटर्न वाले स्टेंसिल चित्र अधिक पुष्पीय चित्रण में विकसित हुए, सजावट के औपचारिक उत्सवों और सममित बागों के चित्रात्मक प्रतिनिधित्व के बीच एक मध्य-भूमि को अपनाते हुए।

रॉबर्ट कुश्नर - गुलाबी पत्ते, 1979। ऐक्रेलिक, विभिन्न वस्त्र। 205 x 330.5 सेमी। सौजन्य लुडविग संग्रहालय - समकालीन कला का संग्रहालय, बुडापेस्ट, शेनकुंग Peter और इरेन लुडविग / Peter और इरेन लुडविग का दान। फोटो: लुडविग संग्रहालय - समकालीन कला का संग्रहालय, बुडापेस्ट। © रॉबर्ट कुश्नर

विशेष छवि: सुसान मिशोड - बिना शीर्षक, 1977। कागज पर जलरंग। 30 इंच x 22.5 इंच (76.2 सेमी x 57.15 सेमी)। रो गैलरी, लॉन्ग आइलैंड सिटी, एनवाई। © सुसान मिशोड
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
द्वारा फिलिप Barcio