पैटर्न और सजावट आंदोलन के प्रमुख आंकड़े
पैटर्न और सजावट आंदोलन समकालीन कला इतिहास में एक विशेष स्थान रखता है। 1960 के दशक के नारीवादी कला आंदोलन से उत्पन्न, पैटर्न और सजावट ने खुद को आकृति और अमूर्तता के बीच एक तरह की "तीसरी विधि" के रूप में घोषित किया। आंदोलन के नेताओं ने यह समझा कि सजावटी कला बनाने की प्रवृत्ति सभ्यता की शुरुआत से हर मानव संस्कृति का एक अनिवार्य पहलू रही है। फिर भी, उन्होंने यह भी महसूस किया कि पितृसत्तात्मक पश्चिमी सभ्यता ने किसी न किसी कारण से, कहीं रास्ते में, यह मान लिया था कि सजावटी कलाओं को अन्य तथाकथित श्रेष्ठ कलाओं की तुलना में कम महत्वपूर्ण और कम गंभीर माना जाना चाहिए। पैटर्न और सजावट आंदोलन के संस्थापकों ने इस धारणा को पूरी तरह से खारिज कर दिया, और अपने औपचारिक दृष्टिकोण को सजावटी कार्यों के लिए उतना ही प्रासंगिक, अर्थपूर्ण और ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण घोषित किया जितना कि कोई अन्य सौंदर्यवादी दृष्टिकोण। पैटर्न और सजावट आंदोलन का व्यापक दर्शन 1978 में आंदोलन के दो संस्थापकों—वैलेरी जॉडन और जॉयस कोज़लोफ़—द्वारा उनके भव्य घोषणापत्र, Art Hysterical Notions of Progress and Culture में स्पष्ट किया गया। इसके उद्घाटन पैराग्राफ में कहा गया है, “नारीवादी और कलाकार के रूप में जो अपनी खुद की पेंटिंग्स में सजावट की खोज कर रहे थे, हम समकालीन कला जगत में ‘सजावटी’ शब्द के नकारात्मक उपयोग के बारे में जिज्ञासु थे। आधुनिक कला के मूल ग्रंथों को पुनः पढ़ते हुए, हमें एहसास हुआ कि सजावटी कला के प्रति पूर्वाग्रह की लंबी इतिहास है और यह पदानुक्रमों पर आधारित है: श्रेष्ठ कला सजावटी कला से ऊपर, पश्चिमी कला गैर-पश्चिमी कला से ऊपर, पुरुषों की कला महिलाओं की कला से ऊपर। इन पदानुक्रमों पर ध्यान केंद्रित करते हुए हमने एक चिंताजनक विश्वास प्रणाली खोजी जो पश्चिमी सभ्यता की कला की नैतिक श्रेष्ठता पर आधारित है।” इस प्रकार आंदोलन के नेताओं ने उन पुराने और निरर्थक पदानुक्रमों को इतिहास के कूड़ेदान में डालने का संकल्प लिया। उनके कार्य की विरासत एक गहन सौंदर्य और बौद्धिक आश्चर्य की है। वास्तव में, अब ही दर्शक इस महत्वपूर्ण आंदोलन की शक्ति को पूरी तरह से समझ रहे हैं, और यह आज भी समकालीन कला क्षेत्र को अधिक न्यायसंगत, अधिक खुले विचारों वाला और अधिक पूर्ण बनाने में अपनी भूमिका निभा रहा है।
आंदोलन के पाँच नेता
1960 के दशक की शुरुआत में ही, मिरियम शापिरो उस समय के प्रमुख सौंदर्य प्रवृत्तियों को छोड़कर एक अनूठी व्यक्तिगत दृश्य भाषा खोजने लगीं, जो मुख्य रूप से उनके महिला होने की पहचान पर आधारित थी। उनके पहले प्रोटो-नारीवादी कार्य उनके “श्राइन” थे, जो स्त्रीत्व, आध्यात्मिकता और ग्रिड की खंडित आधुनिकतावादी भाषा के बीच एक पवित्र सेतु के रूप में कार्य करते थे। उन्होंने कई अन्य विशिष्ट नारीवादी कृतियाँ बनाई, जिनमें उनके भव्य “फैंस” और कठोर किनारों वाले ज्यामितीय अमूर्त कार्य शामिल हैं, जो स्त्री प्रतीकों की साहसिक, चमकीली छवियाँ प्रस्तुत करते हैं। 1973 में, शापिरो ने “वुमनहाउस” में भाग लिया, जो अब तक की सबसे महत्वपूर्ण नारीवादी कलाकृतियों में से एक है। बाद में उन्होंने “फेमेज” शब्द गढ़ा, जो उनकी विशिष्ट विधि थी जिसमें उन्होंने कोलाज और असेंबलेज जैसी श्रेष्ठ कला तकनीकों को सिलाई जैसी शिल्प तकनीकों के साथ मिलाया।
मिरियम शापिरो - डॉर्मर, 1979। ऐक्रेलिक, वस्त्र, कागज पर कैनवास। 178.5 x 102 सेमी। लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल कुंस्ट आचेन। फोटो: कार्ल ब्रुन / लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल कुंस्ट आचेन © मिरियम शापिरो की संपत्ति / बिल्डरेख्ट विएन, 2019।
जॉयस कोज़लोफ़ को सजावटी कलाओं के ऐतिहासिक अवमूल्यन का बोध मेक्सिको में रहने और फिर 1970 के दशक की शुरुआत में मोरक्को और तुर्की की यात्रा के बाद हुआ। इन स्थानों की प्राचीन सौंदर्य परंपराएँ आज भी जीवित और जीवंत थीं, जिससे प्रेरित होकर उन्होंने इस विषय पर कई मोर्चों पर अपने विचारों को आगे बढ़ाया। उन्होंने बड़े पैमाने पर चित्र और बहु-माध्यमीय स्थापना कार्य बनाए जिनमें पारंपरिक रूप से सजावटी शिल्पों को सौंपे गए तरीकों और सामग्रियों का उपयोग किया गया; वे हेरिसीज़ कलेक्टिव की सदस्य बनीं, जो नारीवादी सामाजिक कार्यों में भाग लेती थी और HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics नामक पत्रिका प्रकाशित करती थी; और उन्होंने उपर्युक्त पैटर्न और सजावट घोषणापत्र की सह-लेखन की। आंदोलन की स्थापना के बाद के दशकों में, कोज़लोफ़ सार्वजनिक कला क्षेत्र में अधिक सक्रिय हुईं और एक विशिष्ट सौंदर्यवादी आवाज विकसित की जो मानचित्रण के विचार पर आधारित थी, दोनों मानचित्र विज्ञान और सांस्कृतिक अर्थों में।
जॉयस कोज़लोफ़ - इफ आई वेयर अ बोटनिस्ट मेडिटेरेनियन। 9 पैनल के एक टुकड़े के 3 पैनल। ऐक्रेलिक, अभिलेखीय डिजिटल इंकजेट प्रिंटिंग, और कोलाज कैनवास पर। 54″ x 360″। © जॉयस कोज़लोफ़
पैटर्न और सजावट घोषणापत्र की सह-लेखन के अलावा, वैलेरी जॉडन ने आंदोलन की सबसे आत्मविश्वासी सौंदर्यवादी आवाजों में से एक के रूप में खुद को स्थापित किया। उनकी विशिष्ट शैली में मध्य पूर्वी सजावटी शैलियों की याद दिलाने वाले पैटर्न और डिज़ाइनों के साथ सुलेखात्मक चिन्हों का मिश्रण होता है। अपनी पेंटिंग्स और कागज पर कार्यों के अलावा, जॉडन ने दर्जनों बड़े सार्वजनिक परियोजनाएँ पूरी की हैं, जिनमें जड़े हुए फर्श, छत की भित्ति चित्रकारी, और विशाल सार्वजनिक पार्क स्थापना कार्य शामिल हैं। इन परियोजनाओं में सबसे बड़ी है भव्य “फिलिपिन गार्डन (2004),” जो मिसौरी के सेंट लुइस में संघीय न्यायालय के मैदान में एक सीमेंट पथ है। इसकी रचना उनके कार्यों की विशिष्टता को दर्शाती है क्योंकि यह एक साथ परिचित और विदेशी प्रतीत होती है; इसकी जड़ें सुंदरता से अस्पष्ट हैं, और यह प्राकृतिक और वास्तुशिल्पीय परिवेश में सहजता से घुलमिल जाती है।
वैलेरी जॉडन - हैटिसबर्ग, 1979। कैनवास पर तेल। 223.5 x 335.5 सेमी। लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल कुंस्ट आचेन। फोटो: कार्ल ब्रुन / लुडविग फोरम फ्यूर इंटरनेशनल कुंस्ट आचेन। © बिल्डरेख्ट विएन, 2019।
1960 के दशक के अंत में ही, सुसान मिचोड ने आधुनिकतावादी अमूर्तता और विभिन्न प्राचीन स्वदेशी परंपराओं की सौंदर्य प्रवृत्तियों के बीच एक मध्यवर्ती सौंदर्यवादी स्थिति विकसित करना शुरू किया। उनका कार्य इन दोनों सहयोगी दृष्टिकोणों के बीच की रेखा पर चलता है, जो ऑप आर्ट के सम्मोहक आश्चर्य और प्री-कोलंबियन मध्य अमेरिका की कला रूपों के गंभीर ज्यामितीय पैटर्न दोनों को याद दिलाता है। पैटर्न और सजावट आंदोलन में एक कलाकार के रूप में उनके योगदान के अलावा, मिचोड शिकागो में आर्टेमिसिया गैलरी की सह-संस्थापक थीं, जो महिला कलाकारों के लिए एक प्रभावशाली प्रदर्शनी स्थल था, जहाँ जूडी शिकागो, मिरियम शापिरो, जॉयस कोज़लोफ़ और नैन्सी स्पेरो जैसे कई प्रसिद्ध कलाकारों ने अपने प्रारंभिक कार्य प्रदर्शित किए।
सुसान मिचोड - एज्टेका श्राउड, 2003। कागज पर ऐक्रेलिक। 40 x 30 इंच। © सुसान मिचोड
मिरियम शापिरो के साथ, रॉबर्ट कुश्नर ने पैटर्न और सजावट की कुछ सबसे शुरुआती प्रदर्शनी आयोजित करने में मदद की। कुश्नर कला क्षेत्र में विज्ञापन चित्रण की दुनिया से आए थे, जिसे उन्होंने 1961 में फ्रांज क्लाइन के कार्यों की एक प्रदर्शनी देखने के बाद छोड़ दिया। हालांकि, उन्हें अपनी अनूठी आवाज विकसित करने में कुछ साल लगे। उन्होंने विभिन्न शैलियों के साथ प्रयोग किया, जैसे अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, न्यूनतावाद, और रंग क्षेत्र चित्रकला, अंततः 1972 में उन्होंने प्रचलित प्रवृत्तियों को छोड़कर एक व्यक्तिगत शैलीगत छलांग लगाई, अपने कैनवास पर स्टेंसिल किए गए “आकारों” को “संपूर्ण” पैटर्न में लागू किया। 1970 के दशक में, ये पैटर्न वाले स्टेंसिल चित्रों में अधिक पुष्प चित्र शामिल होने लगे, जो सजावट के औपचारिक उत्सव और सममित उद्यानों के आकृतिपूर्ण प्रतिनिधित्व के बीच एक मध्य मार्ग अपनाते हैं।
रॉबर्ट कुश्नर - पिंक लीव्स, 1979। ऐक्रेलिक, विभिन्न वस्त्र। 205 x 330.5 सेमी। लुडविग संग्रहालय – समकालीन कला संग्रहालय, बुडापेस्ट, शेंकुंग Peter und Irene Ludwig / Peter और Irene Ludwig का दान। फोटो: लुडविग संग्रहालय – समकालीन कला संग्रहालय, बुडापेस्ट। © रॉबर्ट कुश्नर
मुख्य छवि: सुसान मिचोड - बिना शीर्षक, 1977। कागज पर जलरंग। 30 इंच x 22.5 इंच (76.2 सेमी x 57.15 सेमी)। रो गैलरी, लॉन्ग आइलैंड सिटी, एनवाई। © सुसान मिचोड
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
द्वारा Phillip Barcio
