हमने रंग क्षेत्र के अग्रदूतों से क्या सीखा है?
जब आप अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के बारे में सोचते हैं, तो आपके मन में क्या आता है? क्या आप चित्रकारों को कैनवास पर भावनात्मक रूप से भरे हुए इशारों में रंग फेंकते, टपकाते, छींटे मारते और मलते हुए कल्पना करते हैं? जबकि क्रियात्मक चित्रकला अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का एक बड़ा हिस्सा थी, इस आंदोलन का एक शांत पक्ष भी था। रंग क्षेत्र चित्रकला के नाम से जानी जाने वाली इस शैली में रंगीन स्थानों से बने सपाट, गैर-चित्रकारी सतहें शामिल थीं। रंग क्षेत्र चित्रों में, कलाकार की व्यक्तिगतता क्रियात्मक चित्रों की तुलना में कम दिखाई देती है। जहां क्रियात्मक चित्रकार अपने अवचेतन विचारों को अपने कार्यों के माध्यम से व्यक्त करते थे, वहीं रंग क्षेत्र चित्रकार ऐसे कार्य बनाते थे जो दर्शकों को अपनी स्वयं की अंतर्दृष्टि का अनुभव करने का अवसर देते थे।
पोस्ट-पेंटरली अमूर्तन
“पेंटरली” शब्द उन गुणों को दर्शाता है जो किसी चित्र की सतह में हो सकते हैं, जैसे कि स्ट्रोक और बनावट, जो कलाकार के हाथ की मौजूदगी को स्पष्ट करते हैं। उदाहरण के लिए, एक ऐसा चित्र जिसमें मोटे रंग की परतें हों और ब्रश के निशान स्पष्ट दिखाई दें तथा कलाकार की व्यक्तिगत तकनीक स्पष्ट हो, उसे पेंटरली कहा जा सकता है। पोस्ट-पेंटरली अमूर्तन 1960 के दशक में उभरा एक आंदोलन था जिसमें चित्रकार पेंटरली कार्य बनाने से बचते थे।
पोस्ट-पेंटरली अमूर्तन शब्द कला समीक्षक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने गढ़ा था, जिसे उन्होंने 1964 में लॉस एंजिल्स काउंटी म्यूजियम ऑफ आर्ट में आयोजित एक प्रदर्शनी के शीर्षक के रूप में उपयोग किया था। उस प्रदर्शनी में 31 कलाकार शामिल थे, जिनमें से कई अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से जुड़े थे। जहां पहले के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकार जैसे जैक्सन पोलक और विलेम डी कूनिंग ने पेंटरली चित्र बनाए थे जिनमें उनकी व्यक्तिगत तकनीक सतह की विशेषताओं में स्पष्ट थी, वहीं पोस्ट-पेंटरली अमूर्तनकारों ने सपाट सतहों वाले अमूर्त कार्य बनाए जहां कलाकार का हाथ स्पष्ट नहीं था।
रॉबर्ट मदरवेल- स्पेनिश गणराज्य के लिए शोकगीत संख्या 110, 1971, कैनवास पर ग्रेफाइट और चारकोल के साथ ऐक्रेलिक, रॉबर्ट मदरवेल © डेडालस फाउंडेशन, इंक./VAGA, न्यूयॉर्क द्वारा लाइसेंस प्राप्त
रंग क्षेत्र कलाकार
पोस्ट-पेंटरली अमूर्तनकारों में एक समूह था जिसे रंग क्षेत्र चित्रकार के नाम से जाना गया। उनका नाम इस प्रवृत्ति को दर्शाता था कि ये कलाकार अपने कार्यों में बड़े रंगीन क्षेत्र शामिल करते थे। उनके रंग क्षेत्र इतने व्यापक होते थे कि एक कला कृति के करीब से निरीक्षण करने पर वे दर्शक को पूरी तरह से घेर लेते थे। वे केवल रंगे हुए सतहें नहीं थीं; वे ऐसे क्षेत्र थे जहां आत्मनिरीक्षण हो सकता था।
रंग क्षेत्र चित्रकार क्रांतिकारी थे क्योंकि उन्होंने सतह को किसी विषय को चित्रित करने की पृष्ठभूमि के रूप में उपयोग करने के बजाय, सतह को स्वयं विषय बना दिया। उन्होंने अपने चित्रों में रूपों से बचा। कोई भी छवि मौजूद नहीं थी। पृष्ठभूमि और अग्रभूमि एक थे। रंग क्षेत्रों का अपना कोई संदर्भ नहीं था, बल्कि वे ऐसे स्थान थे जहां दर्शक कुछ व्यक्तिगत, शायद कुछ पौराणिक, से जुड़ सकता था और छवियों की सीमाओं से ऊपर उठ सकता था।
फ्रैंक स्टेला - हर्रान II, 1967, कैनवास पर पॉलिमर और फ्लोरेसेंट पॉलिमर पेंट, 120 × 240 इंच, डी यंग संग्रहालय, सैन फ्रांसिस्को, © 2019 फ्रैंक स्टेला / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
कैनवास पर एक रंगभूमि
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद कैनवास को एक रंगभूमि मानता है जहां कुछ घटित हो सकता है। क्रियात्मक चित्रकारों के कार्यों में नाटक और भावना होती है। जबकि रंग क्षेत्र चित्रकार भी कैनवास का उपयोग रंगभूमि के रूप में करते हैं, वहां उनका अपना नाटक नहीं होता, बल्कि यह एक ऐसा स्थान होता है जहां दर्शक की अपनी अंतर्दृष्टि नाटक में योगदान दे सकती है, या पूरी तरह से उस नाटक को उत्पन्न कर सकती है जो उभरता है। रंग क्षेत्र चित्र दर्शक को कार्य में खींचते हैं, उन्हें केवल रंग, रंगाई और सतह से अधिक सोचने के लिए आमंत्रित करते हैं। उन्हें अपने आप पर विचार करने के लिए आमंत्रित किया जाता है, चित्रकला की रंगभूमि को उस व्यक्तिगत यात्रा के लिए एक प्रकार का ताबीज मानते हुए।
रंग क्षेत्र चित्र को देखने के लिए निरंतर चिंतन आवश्यक होता है। एक क्रियात्मक चित्रकला से तुरंत ऊर्जा प्राप्त करने के बजाय, या ज्यामितीय अमूर्त कार्य से सामंजस्य महसूस करने के बजाय, या आकृतिक कार्य से पुरानी यादें, प्रेम या आनंद महसूस करने के बजाय, रंग क्षेत्र चित्रों के दर्शकों को नई अंतर्दृष्टि की ओर अंदर की ओर देखना पड़ता है। लेकिन स्वतंत्रता भी एक बोझ हो सकती है। क्रियात्मक चित्रकारों की बेचैनी अक्सर उनकी अपनी आंतरिक आत्मा को व्यक्त करने की पूरी स्वतंत्रता से आती है। रंग क्षेत्र चित्रों के साथ, वह भयावह स्वतंत्रता की भावना दर्शक को सौंप दी जाती है।
गैर-आकृतिक भावना के क्षेत्र
हालांकि उन्होंने इस लेबल को अस्वीकार किया, मार्क रोथको को कई लोग सबसे प्रभावशाली रंग क्षेत्र चित्रकार मानते हैं। रोथको की प्रतिष्ठित चित्रों में क्षैतिज रंग पट्टियाँ होती हैं, जो एक-दूसरे के साथ अस्पष्ट रूप से जुड़ती हैं, किनारों पर मिलती-जुलती हैं। उनके चित्र कभी-कभी चमकीले रंगों जैसे नारंगी, पीला या लाल होते हैं। अन्य बार वे नीले, भूरे और काले रंगों में होते हैं। इन चित्रों का सामना करने वाले दर्शक अक्सर भावनाओं से अभिभूत हो जाते हैं, जो उत्साह और आनंद से लेकर गंभीरता और यहां तक कि निराशा तक होती हैं। रोथको ने अपने कार्य के बारे में कहा, “मेरे चित्रों के सामने जो लोग रोते हैं, वे वही धार्मिक अनुभव कर रहे हैं जो मैंने उन्हें बनाते समय किया था।”
मार्क रोथको - नारंगी और पीला, 1956, कैनवास पर तेल, 180.3 x 231.1 सेमी, अलब्राइट
ज़िप लाइन्स
बार्नेट न्यूमैन ने रोथको के समान शैली में कार्य बनाए, लेकिन उनका प्रभाव दर्शकों पर बहुत अलग था। न्यूमैन के रंग क्षेत्र चित्रों में लंबवत रंग के बड़े क्षेत्र होते हैं, जिन्हें बहुत पतली रंग पट्टियों द्वारा अलग किया जाता है, जिन्हें कभी-कभी “ज़िप्स” कहा जाता है। न्यूमैन के ज़िप चित्रों में कभी एक ज़िप होती है, कभी कई। कभी ज़िप्स के किनारे कठोर होते हैं, कभी वे आसपास के रंग क्षेत्रों के साथ मिल जाते हैं। न्यूमैन की चित्रों की लंबवतता और ज़िप्स की उपस्थिति रोथको के कार्यों की तुलना में बहुत अलग भावनात्मक प्रतिक्रिया उत्पन्न करती है।
ज़िप्स की कोई बात आंख को किसी एक स्थान पर अधिक समय तक केंद्रित होने से रोकती है। लंबवत रेखा में मानवीय गुण हो सकते हैं, जैसे कि वह कोई आकृति या मार्ग दर्शा रही हो। यह आंख को अपनी ओर आकर्षित करती है और फिर आंख को रंग क्षेत्रों में वापस भेज देती है। न्यूमैन के कार्य एक साहसिक भावना व्यक्त करते हैं, और इस कारण वे रोथको की तुलना में थोड़े अधिक चिंतित लगते हैं। वे एक नर्वस, अत्याधुनिक प्रकार की चिंतनशीलता को आमंत्रित करते हैं।
बार्नेट न्यूमैन - ओनमेंट I, 1948, कैनवास पर तेल और कैनवास पर मास्किंग टेप पर तेल, 27 1/4 x 16 1/4 इंच (69.2 x 41.2 सेमी), © 2019 बार्नेट न्यूमैन फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
एकता और प्रकटीकरण
क्लिफोर्ड स्टिल के रंग क्षेत्र चित्रों में रोथको या न्यूमैन की तुलना में पूरी तरह अलग उपस्थिति होती है। उनमें रंगीन स्थान एक रूपांतरण या विकास की स्थिति में प्रतीत होते हैं। उनमें एक जैविक गुण होता है। हालांकि कोई विशिष्ट रूप मौजूद नहीं होता, वे क्षेत्र बदलते और परस्पर क्रिया करते हुए भविष्य के रूप की संभावना सुझाते हैं। जहां रोथको और न्यूमैन के चित्रों में स्थिरता की भावना होती है, वहीं स्टिल के चित्र अधिक परिवर्तन की भावना प्रकट करते हैं। उनमें विभिन्न शक्तियां एक साथ आती हैं, यह सुझाव देते हुए कि आत्मनिरीक्षण का समय सीमित है क्योंकि सब कुछ परिवर्तनशील है। स्टिल ने अपने चित्रों के बारे में कहा, “ये सामान्य अर्थों में चित्र नहीं हैं; ये जीवन और मृत्यु का भयावह मिलन हैं। मेरे लिए, ये एक आग जलाते हैं; इनके माध्यम से मैं फिर से सांस लेता हूं, एक सुनहरी डोरी पकड़ता हूं, अपनी स्वयं की प्रकटीकरण पाता हूं।”
क्लिफोर्ड स्टिल - PH-971, 1957, कैनवास पर तेल, 113 1/4 इंच x 148 इंच x 2 1/4 इंच, SFMoMA संग्रह, © डेनवर शहर और काउंटी, क्लिफोर्ड स्टिल संग्रहालय / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क की अनुमति से
भावनाओं का प्रवाह
हेलेन फ्रैंकेंथलर रंग क्षेत्र चित्रकारों में से एक सबसे नवोन्मेषी थीं। उन्होंने अपनी बिना प्राइम की गई कैनवासों को रंगने की एक नवीन तकनीक विकसित की, जिसमें पतला रंग सीधे सतह पर डाला जाता था। रंग को फैलाने के बजाय डालने से, उन्होंने पूरी तरह से कलाकार के हाथ की उपस्थिति से बचा और एक और भी सपाटता बनाई। उन्होंने रंग को कैनवास के साथ अप्रत्याशित तरीकों से फैलने और परस्पर क्रिया करने की अनुमति दी। रंगे हुए क्षेत्र एक-दूसरे में घुलमिल जाते थे, एक-दूसरे को बदलते थे और एक साथ मिलते थे। फ्रैंकेंथलर की इस रंगने की तकनीक का परिणाम ऐसे चित्र थे जो गहरे जैविक प्राकृतिक प्रक्रियाओं की भावना संप्रेषित करते थे।
हेलेन फ्रैंकेंथलर - कैन्यन, 1965, कैनवास पर ऐक्रेलिक, 44 x 52 इंच, © 2019 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
रंगने की छवि
मॉरिस लुईस फ्रैंकेंथलर की रंगने की तकनीक से गहराई से प्रभावित थे, और उन्होंने इसे अपनी विशिष्ट सौंदर्यशास्त्र विकसित करने के लिए संशोधित किया। फ्रैंकेंथलर की तरह, लुईस ने भी पतला रंग अपने कैनवासों पर डालकर रंगने की छवि प्राप्त की, लेकिन उन्होंने इसे एक गुप्त तकनीक के तहत किया, जिसमें कथित तौर पर कैनवास को एक फ़नल की तरह मोड़ना शामिल था। लुईस द्वारा बनाए गए रंग क्षेत्रों में एक अद्भुत गुण होता है जो दर्शक को एक रहस्यमय, अंतर्दृष्टिपूर्ण विचार क्षेत्र की ओर खींचता है।
मॉरिस लुईस - सैलिएंट, 1954, कैनवास पर ऐक्रेलिक रेजिन (मैग्ना), 74 1/2 x 99 1/4 इंच (189.2 x 252.1 सेमी), © 2019 कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
थोड़ा और वातावरण
फ्रैंकेंथलर और लुईस के विचारों पर आधारित, जूल्स ओलित्सकी ने अपने रंग क्षेत्र चित्रों के लिए अपनी अनूठी तकनीक विकसित की। उन्होंने अपने कैनवासों पर रंग को स्प्रे गन से लगाया, प्रत्येक परत के ऊपर हल्के से रंग की परतें छिड़ककर चमकीले, वातावरणीय रंग क्षेत्र बनाए जो आज भी भविष्यसूचक लगते हैं। ओलित्सकी की विशिष्ट शैली में कैनवास के बाहरी किनारों के पास जोड़े गए कठोर किनारे भी शामिल थे। यह सीमा संकेत शायद रंग क्षेत्र चित्रकला के अंत की भविष्यवाणी करता है क्योंकि यह लगभग विषय वस्तु को एक फ्रेम के भीतर प्रस्तुत करने की धारणा को पुनः प्रस्तुत करता है।
जूल्स ओलित्सकी - पाटुत्स्की इन पैराडाइज, 1966, © जूल्स ओलित्सकी एस्टेट / VAGA, न्यूयॉर्क द्वारा लाइसेंस प्राप्त
चिंतन एक स्थायी विरासत के रूप में
इन रंग क्षेत्र के अग्रदूतों ने ऐसे चित्र बनाए जो केवल कला वस्तुएं नहीं बल्कि दर्शक के आध्यात्मिक सौंदर्य अनुभवों के मध्यस्थ भी बन सकते थे। रंग के अलावा कोई विषय न होने वाले कार्य बनाकर, उन्होंने चित्रकला को नए पौराणिक और आध्यात्मिक क्षेत्रों में ले गए। चिंतन रंग क्षेत्र के अग्रदूतों की स्थायी विरासत है। हम में से कई के लिए, उनके चित्र ताबीज़ हैं, जो हमें अधिक अंतर्दृष्टिपूर्ण मानसिक स्थिति की ओर मार्गदर्शन करते हैं।
मुख्य छवि: हेलेन फ्रैंकेंथलर - पर्वत और समुद्र, 1952, बिना आकार दिए और बिना प्राइम किए कैनवास पर तेल और चारकोल, 86 3/8 × 117 1/4 इंच (219.4 × 297.8 सेमी), © 2019 हेलेन फ्रैंकेंथलर फाउंडेशन, इंक./कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
