लेख: आज के कलाकार रोथको की रंग क्षेत्र चित्रकला शैली से प्रेरित
आज के कलाकार रोथको की रंग क्षेत्र चित्रकला शैली से प्रेरित
मौन इतना सटीक है।
Mark Rothko
जब हम Mark Rothko की प्रतिष्ठित कलर फील्ड पेंटिंग शैली के आज के उत्तराधिकारियों को खोजते हैं, तो हम केवल ऐसा कार्य नहीं खोज सकते जो उनके कार्य जैसा दिखता हो। हमें ऐसे कार्य की भी तलाश करनी चाहिए जो समान विचारों पर आधारित हो। समकालीन कलर फील्ड कलाकारों के लिए Rothko की दृश्य शैली की नकल करना एक बात है। Rothko के उद्देश्यों को साझा करना और उन्हें सफलतापूर्वक व्यक्त करना बिल्कुल दूसरी बात है। लेकिन हम कैसे जानें कि Rothko के उद्देश्य क्या थे? सरल है। उन्होंने हमें स्वयं बताया।
1971 में टेक्सास के ह्यूस्टन शहर को एक अनूठी कलाकृति प्राप्त हुई: Rothko Chapel, एक आधुनिकतावादी, अष्टभुजाकार संरचना जिसमें Rothko की 14 विशाल पेंटिंग्स हैं। प्रवेशद्वार में, दुनिया के कई धर्मों के पवित्र ग्रंथ आगंतुकों के लिए उपलब्ध हैं। वे उस स्थान के भीतर कोई पुस्तक ले जा सकते हैं या नहीं भी ले जा सकते। Rothko इस भवन और इसके भीतर मौजूद कला को एक ही कृति मानते थे। यह उनका सबसे महत्वपूर्ण उपलब्धि-कार्य है। यह Rothko के उस उद्देश्य को स्पष्ट करता है कि उनकी पेंटिंग्स को अपने आप में अंतिम लक्ष्य के रूप में नहीं, बल्कि ऐसे माध्यमों के रूप में देखा जाए जिनके द्वारा दर्शक रंगों के माध्यम से एक व्यापक अनुभव तक पहुँच सकें।
दूसरे शब्दों में, Rothko चाहते थे कि दर्शक रंगों की व्यवस्था की केवल प्रशंसा करने से आगे बढ़ें: वे चाहते थे कि उन रंगों के साथ हुआ सामना भावना, चिंतन और अपने आंतरिक अनुभव के प्रति अधिक गहन जागरूकता के लिए एक स्थान खोले। जैसा कि उन्होंने स्वयं कहा था: "यदि आप केवल रंगों के संबंधों से प्रभावित होते हैं, तो आप मूल बात से चूक रहे हैं।"
नीचे दिए गए दस कलाकार उस उद्देश्य को आगे बढ़ाते हैं। उनमें से पाँच IdeelArt के साथ काम करते हैं, और हम उनके स्टूडियो अभ्यास से भली-भाँति परिचित हैं। पाँच हमारे रोस्टर से बाहर काम करते हैं। इनमें से कोई भी Rothko की नकल नहीं करता। प्रत्येक कलाकार, अलग माध्यम में, रंग या प्रकाश को मंज़िल के बजाय एक मार्ग के रूप में देखता है।
Rothko के उद्देश्य को साझा करने वाले IdeelArt के पाँच कलाकार
Paul Snell
ऑस्ट्रेलियाई कलाकार Paul Snell, जो तस्मानिया के लॉन्सेस्टन में रहते और काम करते हैं, किसी स्थान या वस्तु की एक तस्वीर से शुरुआत करते हैं, फिर डिजिटल माध्यम से उसमें से पहचान में आने वाली हर चीज़ हटा देते हैं, जब तक कि केवल रंगों की पट्टियाँ, लय और प्रकाश शेष न रह जाएँ। अंतिम कृतियाँ धात्विक कागज़ पर क्रोमोजेनिक प्रिंट होती हैं, जिन्हें प्लेक्सीग्लास पर लगाया जाता है, और वे चित्रित सतहों की तरह दमकती हैं। Snell अपना उद्देश्य स्पष्ट रूप से बताते हैं: दर्शक को रंग, लय और स्थान में इस तरह डुबो देना, "जिससे आंतरिक चिंतन और अतिक्रमण का एक संवेदी अनुभव उत्पन्न हो।" जिन कलाकारों के साथ हम काम करते हैं, उनमें उनके शब्द Rothko के अपने शब्दों के सबसे निकट हैं।
Anne Katrine Senstad
न्यूयॉर्क और ओस्लो के बीच रहने वाली नॉर्वेजियन कलाकार Anne Katrine Senstad फोटोग्राफी, वीडियो, नियॉन और immersive installation के क्षेत्रों में काम करती हैं। 2020 में न्यूयॉर्क के Freight + Volume में प्रदर्शित उनकी श्रृंखला Color Kinesthesia की परिकल्पना रोथको की रंग-क्षेत्र चित्रकलाओं के साथ संवाद में की गई थी। यह शीर्षक रंगों के संक्रमण पर शरीर की प्रतिक्रिया को संदर्भित करता है, जिसे वे रंगीन फिल्म निगेटिवों की तस्वीरें लेकर दर्ज करती हैं। Senstad अपने काम को आध्यात्मिक के बजाय प्रकाश, ध्वनि और रंग के प्रति एक बोधात्मक और संज्ञानात्मक प्रतिक्रिया के रूप में वर्णित करती हैं। यह अंतर उन्हें एक आकर्षक उत्तराधिकारी बनाता है: वे विश्वास के बजाय बोध के माध्यम से रोथको के खुले, आंतरिक स्थान तक पहुँचती हैं। उन्होंने जेद्दा की Athr Gallery में प्रकाश कला प्रदर्शनी Through The Spectrum में James Turrell के साथ भी प्रदर्शन किया है।
Anne Katrine Senstad का काम देखें
Yari Ostovany
ईरान में जन्मे अमेरिकी चित्रकार Yari Ostovany, जो सैन फ्रांसिस्को में रहते और काम करते हैं, रंगद्रव्य को जोड़ने, धोकर हल्का करने, खुरचकर हटाने और घोलने की लंबी प्रक्रिया के ज़रिए रंग के समृद्ध, परतदार क्षेत्र बनाते हैं। हर चित्र की शुरुआत उससे होती है जिसे वे हाव-भाव का उन्मुक्त विस्फोट कहते हैं: सुलेख-जैसे निशान, जिन्हें वे तब तक रगड़ते और विरल करते हैं जब तक वे नीचे की परतों में विलीन न हो जाएँ। उनका अभ्यास अमूर्त अभिव्यंजनावाद और रंग-क्षेत्र चित्रकला, तथा पूर्व और पश्चिम की कई रहस्यवादी परंपराओं में निहित है। Numinous, Missa in Angustiis (कठिन समय के लिए प्रार्थना) या Conference of the Birds जैसे शीर्षक इस उद्देश्य को स्पष्ट करते हैं। ये ऐसे चित्र हैं जिनमें प्रवेश किया जाना है, केवल देखा जाना नहीं।
Arvid Boecker
जर्मन चित्रकार Arvid Boecker हीडलबर्ग में काम करते हैं। वे हर चित्र की शुरुआत पेंसिल से बनाए गए संयोजन से करते हैं, फिर रंग की धीमी परतों से सतह का निर्माण करते हैं, जिन्हें वे स्क्रीन-प्रिंटिंग स्क्वीजी से आंशिक रूप से हटाते हैं और इस क्षरण के निशानों को दिखाई देने देते हैं। वे इस परिणाम को "रंग की पुरातत्व" कहते हैं। रोथको के परदे-जैसे आयतों की तरह, Boecker की परतें धीमे अवलोकन का प्रतिफल देती हैं। कोई जितनी देर सतह के साथ रहता है, दृष्टि उतनी ही भीतर जाती है, रंग और प्रकाश के आर-पार, बीतते समय की शांत अनुभूति की ओर। उनके साथ हमारी बातचीत गंभीर और गैर-गंभीर: 14 सवालों में Arvid Boecker में पढ़ें।
Kim Uchiyama
न्यूयॉर्क की चित्रकार Kim Uchiyama रंगों का उपयोग प्रकाश और रूप का निर्माण करने तथा चित्रात्मक अंतरिक्ष की आध्यात्मिक संभावनाओं को खोलने के लिए करती हैं। उन्होंने चित्रकार Nicolas Carone के साथ अध्ययन किया, जो स्वयं Hans Hofmann के शिष्य थे, और वे दोनों रंग को चित्रकला की वास्तुकला मानने पर ज़ोर देते थे। किसी कृति की शुरुआत करने से पहले, वे खाली सतह पर पहले रंग को "देखने" की प्रतीक्षा करती हैं, फिर अपारदर्शी और पारदर्शी, दोनों प्रकार के रंग-आकारों का एक ग्रिड बनाती हैं। अक्सर किसी विशिष्ट स्थान के प्रकाश से प्रेरित होकर, वे रंग का उपयोग उसके स्वरूप के बजाय उसके भावात्मक सार को व्यक्त करने के लिए करती हैं। जो दिखाई देता है उससे जो महसूस होता है, वहाँ तक का यह रूपांतरण ठीक वही है जिसे Rothko तलाशते थे।
हमारे कलाकार समूह से बाहर के पाँच कलाकार
Sean Scully
1945 में डबलिन में जन्मे Sean Scully आज सक्रिय सबसे प्रभावशाली अमूर्त चित्रकारों में से एक हैं और Rothko से जिनकी तुलना सबसे अधिक की जाती है। यह तुलना उचित है: 1999 में, अपनी Wall of Light श्रृंखला शुरू करने के एक वर्ष बाद, उन्होंने Rothko: Bodies of Light शीर्षक से एक निबंध लिखा। Scully ने अपने कार्य को अमूर्तन को वास्तविक दुनिया से फिर से जोड़ना बताया है, ताकि लोग अमूर्त चित्र के सामने सीधे एक अनुभूति प्राप्त कर सकें। वे अपना अंतर भी स्पष्ट करते हैं: उनके अनुसार, Rothko के विपरीत, वे निष्क्रिय नहीं हैं। रंगों की उनकी एक-दूसरे पर रखी ईंट-जैसी संरचनाएँ निर्मित, संतुलित और भौतिक हैं। 2026 में, उनकी प्रदर्शनी To Feel साल्ज़बर्ग स्थित Thaddaeus Ropac में खुली और उनकी पूरी Stack श्रृंखला प्रोवांस के Château La Coste में प्रदर्शित हुई।
Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Permanent collection of the North Carolina Museum of Art
James Turrell
James Turrell, जिनका जन्म 1943 में लॉस एंजिल्स में हुआ था, छह दशकों से स्वयं प्रकाश के साथ काम कर रहे हैं। उनके Skyspaces - ऐसी कक्षाएँ जो छत में बने एक खुले हिस्से के माध्यम से आकाश से जुड़ी होती हैं - और उनके दर्शक को अपने भीतर समाहित कर लेने वाले प्रकाश-कक्ष, रंग को ऐसी वस्तु में बदल देते हैं जिसके भीतर आप खड़े होते हैं। उनका केंद्रीय कथन Rothko पर एक टिप्पणी जैसा लगता है: "मेरा काम आपके देखने के बारे में है।" क्वेकर परिवार में पले-बढ़े Turrell ऐसे मौन धार्मिक सम्मेलनों में जाते थे, जहाँ उपासक आंतरिक प्रकाश की प्रतीक्षा करते हुए साथ बैठते थे। जून 2026 में, किसी संग्रहालय में उनका सबसे बड़ा Skyspace, As Seen Below, डेनमार्क के ARoS Aarhus Art Museum में खुला। यह उनका 100वाँ Skyspace है।
James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain
Mary Corse
1945 में बर्कले में जन्मीं Mary Corse कैलिफ़ोर्निया के लाइट ऐंड स्पेस आंदोलन की केंद्रीय हस्तियों में शामिल कुछ महिलाओं में से एक हैं। 1968 में उन्होंने काँच के सूक्ष्म गोले खोजे, जो सड़क के चिह्नों में उपयोग होने वाले मोती हैं, और उन्हें अपने पेंट में मिलाना शुरू किया। उनकी White Light पेंटिंग्स दर्शक के चलते ही बदलती हुई प्रतीत होती हैं, क्योंकि प्रकाश पेंटिंग पर चित्रित नहीं, बल्कि उसके भीतर होता है। उन्होंने कहा है, "कला दीवार पर नहीं, दर्शक की अनुभूति में होती है।" रोथको की तरह, वे भी कलाकृति का स्थान उसके साथ होने वाली मुठभेड़ में मानती हैं। उनका पहला संग्रहालय सर्वेक्षण 2018 में व्हिटनी म्यूज़ियम ऑफ़ अमेरिकन आर्ट में खुला और 2019 में LACMA पहुँचा।
Pace Gallery में Mary Corse - 2025
Olafur Eliasson
1967 में कोपेनहेगन में जन्मे और डेनमार्क तथा आइसलैंड के बीच पले-बढ़े Olafur Eliasson बर्लिन के एक बड़े स्टूडियो से काम करते हैं। रंगीन रोशनी, धुंध और प्रतिबिंब से बने उनके कक्ष उस विचार पर आधारित हैं जिसे वे "स्वयं को संवेदित करते हुए देखना" कहते हैं: किसी अनुभव से गुजरते हुए इस बात से अवगत रहना कि आप वह अनुभव कर रहे हैं। एलियासोन मानते हैं कि यह वाक्यांश लाइट ऐंड स्पेस कलाकार रॉबर्ट इरविन से बहुत प्रभावित है, जिन्होंने स्वयं को बोध करते हुए देखने की बात की थी। रोथको दर्शकों से अपने आंतरिक अनुभव के प्रति अधिक सजगता की अपेक्षा करते थे; एलियासोन ने इसी सजगता को अपना विषय बना लिया। वे अक्सर अपने शीर्षकों में "your" शब्द रखते हैं, जो अपने दर्शकों के प्रति विश्वास का संकेत है।
Olafur Eliasson - तान्या बोनाकदार गैलरी में प्रदर्शनी Reality Machines से - 2016
Rachel Garrard
1984 में डेवोन में जन्मीं और न्यूयॉर्क तथा मेक्सिको के बीच रहने वाली ब्रिटिश कलाकार Rachel Garrard अपनी यात्राओं में एकत्र की गई चट्टानों और खनिजों, जिनमें क्रिस्टल क्वार्ट्ज़ और राख शामिल हैं, से अपने रंगद्रव्य स्वयं पीसती हैं। वे अपनी कला-प्रक्रिया को वैज्ञानिक शोध और गूढ़ साधना के बीच की यात्रा बताती हैं, और उनकी रचनाएँ ध्यान से प्रभावित हैं। उनकी पेंटिंग्स में न कोई छवि है, न कोई निश्चित अर्थ। उनका उद्देश्य भाषा से परे एक अनुभव, बाहरी दुनिया और आंतरिक दुनिया के बीच एक संबंध, उत्पन्न करना है। अपनी पीढ़ी में वे उन कलाकारों में शामिल हैं जो रोथको के इस विश्वास के सबसे निकट हैं कि पेंटिंग वस्तु नहीं, बल्कि एक दहलीज़ है।
Rachel Garrard - Inflect, 2015
सतह से परे
रोथको की अंतिम दौर की पेंटिंग्स समय और मौन की माँग करती हैं। ये दस कलाकृतियाँ भी ऐसा ही करती हैं, चाहे वे तेल, जलरंग, चट्टानी रंगद्रव्य, फिल्म निगेटिव, काँच के मोतियों या स्वयं आकाश से बनाई गई हों। इन्हें जोड़ने वाली चीज़ कोई आयत या रंग-पट्टिका नहीं, बल्कि यह साझा विश्वास है: पर्याप्त ध्यान दिए जाने पर रंग हमें फिर से अपने भीतर लौटा सकता है।
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Francis Berthomier
विशेष छवि: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (विवरण)सभी छवियाँ केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग की गई हैं
