आपको नहीं चूकना चाहिए: मूल अमूर्त स्याही कला

स्याही कला सहस्राब्दियों से मौजूद है - इसके असभ्य और अल्प विकसित ग्रीक आरंभ से लेकर चीन के तांग और सोंग राजवंशों के दौरान बनाए गए सबसे परिष्कृत कलाकृतियों तक, और उसके बाद जापान के मुरोमाची काल तक, यह अतीत की निरंतरता और विरासत को दर्शाती है। जबकि स्याही कला एशियाई कला का मुख्य और सबसे फलता-फूलता माध्यम थी, यूरोपीय व्यापारी जीवंत और सजावटी चीनी चीनी मिट्टी के बरतन को स्याही कलाकृतियों की विशिष्ट रचनात्मक प्रथाओं और सौंदर्यात्मक अभिव्यक्तियों की तुलना में अधिक पसंद करते थे। मुख्यभूमि चीन में सांस्कृतिक क्रांति के दौरान निंदा की गई, आधुनिक स्याही कला 70 के दशक में हांगकांग में उभरी जब निर्वासित चीनी चित्रकार अमूर्तता के साथ प्रयोग कर रहे थे और इस प्रकार सबसे आश्चर्यजनक abstract ink art का सृजन किया। समकालीन स्याही कला कलाकारों की अपनी सांस्कृतिक विरासत और आत्म-पहचान की रोचक खोज से विकसित हुई है, साथ ही वैश्विक समकालीन कला के नवीनतम विकासों का अनुसरण करती है। विभिन्न अमूर्तता शैलियों के बीच नेविगेट करते हुए, लेकिन अभिव्यक्तिवाद और वैचारिक कला के साथ भी छेड़छाड़ करते हुए, अधिकांश कलाकारों ने प्रभावशाली रूप से अमूर्तता का अनुसरण किया जिसने माध्यम की महत्वपूर्ण अवधारणाओं को पुनः परिभाषित करने और स्याही कला के अधिक विस्तारित दृष्टिकोण तक पहुंचने की अनुमति दी। पारंपरिक स्याही कला और पश्चिमी अमूर्तता के इस मिश्रण ने शुरू में ताइवान, मुख्यभूमि चीन, हांगकांग, जापान और कोरिया के कलाकारों को आकर्षित किया, लेकिन एक समूह पश्चिमी कलाकारों ने भी ब्रशवर्क में डालने और छिड़कने को जोड़ते हुए इसका अनुसरण किया। जैसे-जैसे अमूर्त कला लोकप्रिय हो रही है, संग्रहकर्ता अपनी संग्रह में अधिक नए टुकड़े जोड़ने के लिए उत्सुक हैं। हमारे साप्ताहिक संग्रह से अपनी पसंदीदा कलाकृति खोजें और उसका गर्वित स्वामी बनें!

Martín Reyna - Untitled (Ref 19016)

यह नवीनतम Reyna की विशिष्ट तकनीक को दर्शाता है जिसमें वह स्याही को पतला करता है और कागज पर कुछ पानी डालता है ताकि रंग असामान्य तरीकों से फैलें और आपस में मिलें। सतह को नम करके, वह स्याही को स्वतःस्फूर्त और अप्रत्याशित रूप से प्रतिक्रिया करने देता है क्योंकि रंग फैलते और बिखरते हैं, सौम्य रूप से कंपन करते हुए और अपनी प्रारंभिक सीमाओं को पार करते हुए। Untitled (Ref 19016) Reyna की रेखीय और स्थानिक गुणों की सावधानीपूर्वक योजना के प्रति समर्पण और प्रकृति की शक्तियों को प्रक्रिया पर नियंत्रण करने और इसे सबसे अनियमित रूप से नेतृत्व करने की अनुमति के बीच संतुलन बनाता है। Reyna पेरिस, फ्रांस में रहने वाले अर्जेंटीनी मूल के अमूर्त चित्रकार हैं। उनकी gestural abstract paintings अपनी चमकीले रंग संबंधों और दृष्टिकोण और स्थान की कुशल खोजों के साथ आंखों को आनंदित करती हैं और मन को सक्रिय करती हैं।

Martin Reyna - Untitled (Ref 19016), 2019। कागज पर स्याही। 100 x 150 सेमी।

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 कागज पर बड़े कार्यों की चार चल रही श्रृंखलाओं में से एक का हिस्सा है जो जेम्स जॉयस के राक्षसी शब्दों और नवशब्दों से प्रेरित है जो सीधे काम के तीन पहलुओं की ओर संकेत करता है: यप्पन (जापानी स्याही का उपयोग), याप (सफेद कागज पर फैले रंगीन निशानों का अचानक विस्फोट) और शोर (रंगों की ध्वनि)। काले और ग्रे रेखाएं, दोनों क्षैतिज और लंबवत, ताल सेट करती हैं और पूरे टुकड़े का संचालन करती हैं, जबकि कागज की नब्जें इसे अधिक मूर्तिपूर्ण बनाती हैं। Kröner फिल्म संपादन से प्रेरित अपनी विशिष्ट तकनीक का उपयोग करते हुए कागज को नियंत्रित करते हैं, जो पूरी यादृच्छिकता की सावधानीपूर्वक खोज का परिणाम है क्योंकि वह अवसर/नियंत्रण और अराजकता/व्यवस्था के बीच संतुलन खोजने का प्रयास करते हैं और दर्शक को अपनी व्याख्या प्रस्तुत करने के लिए प्रेरित करते हैं। Kröner एक जर्मन कलाकार हैं जिन्हें "कागज कलाकार" कहा जा सकता है, जो मुख्य रूप से कागज पर कार्य और कोलाज बनाते हैं। उनका कार्य सार्वजनिक स्थापनाओं में भी शामिल है। वे प्फोरज़हाइम, जर्मनी में रहते और काम करते हैं।

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014। कागज पर स्याही, एनामेल। 110 x 160 x 3 सेमी।

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine

श्रृंखला Covers Freeman की व्यक्तिगत श्रद्धांजलि है मध्य-शताब्दी लोकप्रिय संस्कृति के जनसंचार आवरण दृश्यों के लिए। वह पारंपरिक सूक्ष्म कला मुद्रण की गुणवत्ता और अनुभव को पॉप संस्कृति के निम्न तकनीकी ग्राफिक्स के साथ मिलाती हैं। एचिंग स्याही और एक्वाटिंट को मिलाकर, Freeman अपनी संक्षिप्त दृश्य भाषा को उजागर करती हैं जो भौतिकता, भावना, सीमा और यादृच्छिकता की तीव्रता को दर्शाती है। स्याही उनके संकुचित रंग संयोजन को उजागर करने के लिए आदर्श है जो भूमि और अग्रभूमि के बीच की बातचीत को पकड़ता है क्योंकि वह शहरी प्रतीकों और वास्तुशिल्प पैटर्न के दृश्य संदर्भों का अन्वेषण करती हैं। Freeman एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार हैं जो न्यूनतम संक्षिप्त चित्र बनाती हैं और कागज पर कार्य करती हैं, जिनमें कठोर किनारे वाले अमूर्त रूप और बोल्ड, जीवंत, अभिव्यक्तिपूर्ण निशान होते हैं। वह न्यूयॉर्क शहर में रहती और काम करती हैं।

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017। तेल आधारित चार्बोनेल एचिंग स्याही से बनी एक्वाटिंट, 100% रैग पेपर कॉपरप्लेट वार्म व्हाइट पर मुद्रित। 71 x 66 सेमी।

Margaret Neill - Receiver 1

Neill कागज पर काली स्याही लगाती हैं ताकि तरल और अस्थिर ज्यामितीय संरचनाएं बन सकें जो लिरिकल अमूर्तता की तीव्रता और अभिव्यक्तिपूर्णता को दर्शाती हैं। उनका सहज और गैर-प्रतिनिधि दृष्टिकोण एक लिरिकल और प्रभावशाली अभिव्यक्ति का परिणाम है जो बहु-स्तरीय रूपों के चौरस और समृद्ध सतहों के मिलन पर निर्भर करता है जो समय की तरलता को दर्शाते हैं। Receiver 1 जांचता है कि पृथ्वी और आकाश की भावनात्मक विशेषताएं वस्तुओं और वास्तुकला के शहरी तत्वों के साथ कैसे संवाद करती हैं क्योंकि वह अपने समय और स्थान के साथ अपने संबंध की खोज करती हैं। Neill एक अमेरिकी अमूर्त कलाकार हैं जो विभिन्न माध्यमों का उपयोग करके लिरिकल, अभिव्यक्तिपूर्ण छवियां बनाती हैं जो वक्रों और गैर-प्रतिनिधि आकृतियों और रूपों से प्रेरित हैं। वह ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क में रहती और काम करती हैं।

Margaret Neill - Receiver 1, 2018। कागज पर स्याही। 74.93 x 55.88 सेमी।

Pierre Muckensturm - 174c091011

यह एक्वाटिंट प्रिंट Muckensturm के समय और दृष्टिकोण में उनके गहरे रुचि को और संबोधित करने के प्रयासों का हिस्सा है। 174c091011 नौ तत्वों का एक बहु-खंड है जो समय की पुनरावृत्ति और चक्रीय प्रकृति और एकल, पृथक घटनाओं के बीच असंतुलन के माध्यम से उनकी स्थिरता और अस्थायित्व के प्रति लगाव को उजागर करता है। वह अपनी रचनात्मक प्रक्रिया को मुक्त करता है, अभिव्यक्तिपूर्ण निशान लगाकर, उनका निरीक्षण करके और धीरे-धीरे उन्हें बदलते हुए, यह खोजते हुए कि आकार, रूप, गहराई, परिमाण और अभिविन्यास में उनके परिवर्तन कैसे विभिन्न अर्थ व्यक्त करते हैं। Muckensturm एक फ्रांसीसी अमूर्त चित्रकार और मुद्रक हैं जिनकी दृश्य भाषा सामंजस्य, शांति और कालातीतता की है। स्ट्रासबर्ग, फ्रांस में जन्मे, वे वर्तमान में कोलमार में रहते और काम करते हैं।

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018। बीएफके रिव्स पेपर 250 ग्राम पर एक्वाटिंट कॉपरप्लेट मुद्रण। 156 x 156 सेमी।

Jill Moser - Billabong

स्पिटबाइट और ड्राईपॉइंट के साथ बनाई गई एक्वाटिंट, Billabong Moser की लिखित भाषा और हर निशान के पीछे के संकेतों के इतिहास में गहरी डूबकी को प्रकट करती है। उनकी दृश्य और सूचक भाषा के प्रति आकर्षण उनके मजबूत ब्रश निशानों में प्रकट होता है जो सहज और मुक्त महसूस होते हैं, लेकिन जो एक विधिपूर्वक, सूचक प्रक्रिया के माध्यम से विकसित होते हैं। Billabong Moser के जीवंत ब्रशस्ट्रोक्स को पकड़ता है जो एक लिरिकल, चिंतनशील अभिव्यक्ति का परिणाम हैं जो उनके सबसे गहरे भावनात्मक अवस्थाओं की गूंज है क्योंकि वह प्रकट करने और व्याख्यात्मक स्तर के बीच संतुलन बनाती हैं, सक्रिय रूप से दर्शक को संलग्न करती हैं। Moser एक अमेरिकी अमूर्त कलाकार हैं जिनका कार्य चित्रकला, लेखन और जीवंत छवि के संगम की खोज करता है। वह न्यूयॉर्क में रहती और काम करती हैं।

Jill Moser - Billabong, 2008। एचिंग। 58.4 x 53.3 सेमी।

Stephen Maine - Pitched Planes 135

Pitched Planes श्रृंखला का हिस्सा, Pitched Planes 135 एक विशिष्ट रिलीफ प्रिंट है जो विभिन्न परतों में मिलते हुए घटक पैटर्न की स्पष्टता में गहराई से उतरता है। रिलीफ प्रिंट विभिन्न औद्योगिक उत्पादों की मुद्रण सतहों का उपयोग करके बनाए जाते हैं, जिन्हें एचिंग स्याही और वुडकट के साथ मुद्रित किया जाता है। सभी परतों की पारदर्शिता रंगों के एक ऑप्टिकल मिश्रण को जन्म देती है जो Maine के रंग और उसकी भौतिक विशेषताओं के प्रति स्थायी आकर्षण को प्रकट करती है। Pitched Planes 135 में, वह अपने अहंकार को निलंबित कर देता है जिससे रचना की घटनाएं न्यूनतम हस्तक्षेप के साथ होती हैं, और दर्शक उभरती हुई स्थानिक गहराइयों में डूब जाता है क्योंकि तीसरे आयाम का भ्रम प्रकट होता है। Maine एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार, लेखक, क्यूरेटर और शिक्षक हैं जिनकी चित्रकला रंग, रचना, सतह और प्रक्रिया के समकालीन विचारों को संलग्न और विस्तारित करती है। वह ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क में रहते और काम करते हैं।

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004। रिलीफ मोनोप्रिंट। 61 x 48 सेमी।

Anne Russinof - Ribs 12

Russinof के लिए, रंग सब कुछ है - रंग प्राकृतिक स्थान और प्रकाश की एक खिड़की बनाने के लिए सेवा करता है। Ribs 12 उनकी गहन भावनात्मक प्रतिक्रिया है जो रंग के माध्यम से उनके प्रारंभिक दृश्य उत्तेजना को गहराई से समाहित करती है। जैसे-जैसे वह परतें जोड़ती हैं, रंग संबंध विकसित होते हैं; गहराई धीरे-धीरे प्रकट होती है, और रूप विजयी रूप से उभरता है। Russinof खोज, एक खुलती रहस्य और सस्पेंस से प्रेरित हैं जो गीले रंग की परतों के बीच आकर्षक अंतःक्रिया की घोषणा करते हैं। उनका कार्य सहज और सहज लगता है, इसके पीछे की योजना और तैयारी को छिपाते हुए। Russinof एक अमेरिकी अमूर्त चित्रकार हैं जिनका कार्य रंग और संरचना की जांच करता है एक अभिव्यक्तिवादी, भावात्मक तरीके से। शिकागो, इलिनोइस में जन्मी, वह वर्तमान में न्यूयॉर्क में रहती और काम करती हैं।

Anne Russinof - Ribs 12, 2017। मोनोटाइप। 46 x 41 सेमी।

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प्रमुख छवि: Anne Russinof - Ribs 12, 2017, स्थापना दृश्य।
जवाना वुकोविक द्वारा