लेख: सिंथेटिक क्यूबिज़्म की व्याख्या - सतहें, आकृतियाँ और दृष्टिकोण
सिंथेटिक क्यूबिज़्म की व्याख्या - सतहें, आकृतियाँ और दृष्टिकोण
क्यूबिज़्म के जनक पाब्लो पिकासो प्रयोग करने की अपनी उत्सुकता के लिए प्रसिद्ध थे। 1907 में एनालिटिकल क्यूबिज़्म का आविष्कार करने के बाद वे आसानी से दशकों तक उसी शैली में चित्र बनाते रह सकते थे और फिर भी धनवान तथा प्रसिद्ध हो सकते थे। लेकिन इसके बजाय वे लगातार प्रयोग करते रहे और 1911 में एनालिटिकल क्यूबिज़्म में विस्तृत रंग-पैलेट, नई बनावटें, सरल आकृतियाँ, नई सामग्रियाँ तथा दृष्टिकोण और समतल के अधिक सरल उपयोग को जोड़कर उस शैली के आविष्कार में सहायता की जिसे सिंथेटिक क्यूबिज़्म के नाम से जाना गया। अपने आविष्कार से लेकर लगभग 1920 तक, सिंथेटिक क्यूबिज़्म को अवाँगार्द की चरम अभिव्यक्ति माना जाता था। इसने चित्रकारों के लिए वास्तविकता का अन्वेषण करने के तरीकों का दायरा बढ़ाया और दादावादियों, अतियथार्थवादियों तथा यहाँ तक कि पॉप आर्ट के उदय में भी योगदान दिया।
200 शब्दों में सिंथेटिक क्यूबिज़्म
सिंथेटिक क्यूबिज़्म उन तकनीकों से हटकर विकसित हुआ, इस प्रयास में कि कुछ और भी अधिक वास्तविक बनाया जा सके। पिकासो, ब्राक और चित्रकार जुआन ग्रिस ने अपनी कृतियों में फिर से रंगों की जीवंत विविधता जोड़ी, गहराई को पुनः प्रस्तुत किया और अपने चित्रों में एक साथ प्रयुक्त दृष्टिकोणों तथा समतलों की संख्या कम कर दी। सबसे महत्वपूर्ण बात यह थी कि अपनी चित्रकृतियों में वास्तविकता का चरम बोध देने के लिए उन्होंने काग़ज़, कपड़ा, अख़बार की छपाई, पाठ, यहाँ तक कि रेत और मिट्टी भी जोड़ना शुरू किया, ताकि अपने विषय के सार को पूरी तरह अभिव्यक्ति में लाया जा सके।
पाब्लो पिकासो - स्टिल लाइफ़ विद चेयर कैनिंग, 1912, रस्सी से किनारे किए गए कैनवास पर ऑयल-क्लॉथ पर तैलरंग
म्यूज़े नैशनल पिकासो, पेरिस, © Artists Rights Society (ARS), New York
नई सामग्रियाँ और तकनीकें
1912 में पिकासो ने वह कलाकृति बनाई जिसे कोलाज का पहला उदाहरण और सिंथेटिक क्यूबिज़्म का एक निर्णायक उदाहरण माना जाता है: स्टिल लाइफ़ विद चेयर-कैनिंग। यह कृति एक कैफ़े की मेज़ का क्यूबिस्ट चित्रण है, जिस पर कुछ खाद्य पदार्थ, एक अख़बार और एक पेय रखा है। पारंपरिक माध्यमों के अलावा, पिकासो ने चित्र की सतह पर बुनी हुई कुर्सी की बेंत का एक हिस्सा भी जोड़ा, जो उस समय कैफ़े की कुर्सियों पर सामान्य रूप से लगी होती थी। यह देखने में मामूली जोड़ आधुनिक कला के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण परिणाम लेकर आया। कुर्सी को चित्रित करने के बजाय, कुर्सी का एक हिस्सा वास्तव में चित्र पर लगा दिया गया। किसी वस्तु को वास्तविक दिखाने के लिए उसे अनेक दृष्टिकोणों से दिखाने के बजाय, पिकासो ने वास्तविक वस्तु, या कम-से-कम उसका एक हिस्सा, सीधे कृति पर लगा दिया।
पिकासो ने भी इस कृति में पाठ जोड़ा और सतह के एक हिस्से पर “JOU” अक्षर लिखे। फ्रेंच में “Jou” शब्द का शाब्दिक अनुवाद “खेल” किया जा सकता है। इसी तथ्य के कारण बहुत से लोगों को यह मानने का आधार मिला कि पिकासो का उद्देश्य अकादमिक गंभीरता के बाद कला में फिर से हल्केपन की भावना लाना था, जिसे विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म दर्शाता था। हालाँकि, “JOU” का आशय फ्रेंच शब्द journal यानी दैनिक समाचारपत्र के पहले हिस्से से भी आसानी से हो सकता था, जो चित्र में दिखाई देने वाले समाचारपत्र के टुकड़े का संदर्भ है।
हालाँकि अपनी कृति में कुर्सी की बेंत का वह टुकड़ा जोड़कर पिकासो ने एक नई शुरुआत की, लेकिन किसी चित्रकला में पाठ जोड़ने वाले वे पहले क्यूबिस्ट नहीं थे। 1911 में जॉर्ज ब्राक ने द पुर्तगाली नामक कृति बनाई थी, जो अक्षरों को शामिल करने वाली पहली क्यूबिस्ट कृति थी। पिकासो के पहले कोलाज और ब्राक की पहली पाठयुक्त कृति, दोनों में उनकी बाद की कुछ विश्लेषणात्मक क्यूबिस्ट कृतियों की गंभीर और अत्यधिक जटिल प्रकृति से दूर हटने का संकेत मिलता है। इन कलाकृतियों की छवियों में एक चंचल सरलता है। दृष्टिकोण सरल हो रहे हैं और छवियाँ लगभग खिलंदड़ी बनती जा रही हैं, जो विज्ञापन चित्रों में दिखाई देने वाली मानवरूपी छवियों जैसी हैं।
जॉर्ज ब्राक - द पुर्तगाली, 1911, कैनवास पर तैलचित्र, म्यूज़े नेशनल पिकासो, पेरिस
© आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क
1912 में ब्राक ने कम से कम दो और बार नई राह बनाई। उस वर्ष वे क्यूबिस्ट चित्रकारों में किसी चित्रकला में रेत मिलाकर कृति में बनावट और गहराई के स्तर जोड़ने वाले पहले कलाकार बने। वे papier colles नामक तकनीक को अपनाने वाले पहले कलाकार भी बने, जिसमें कागज़ के कटे हुए टुकड़ों को किसी सतह पर चिपकाया जाता है। दोनों तकनीकों का उपयोग उनकी कृति Fruit Dish and Glass में किया गया। इस चित्र में उन्होंने वॉलपेपर के कटे हुए टुकड़ों को सीधे सतह पर चिपकाया और फिर रेत मिले रंग से उस कृति में छायांकन किया, जिससे छवि में गहराई और बनावट जुड़ गई।
ब्राक ने इस कृति में पाठ भी शामिल किया, जिसमें स्पष्ट रूप से लिखे और आसानी से पढ़े जा सकने वाले शब्द “Ale” और “Bar” हैं। ये शब्द विज्ञापनात्मक छवियों और तथाकथित उच्च कला के बीच की सीमाओं को चुनौती देते हैं। इन तीनों तकनीकों का संयोजन अंततः दादावादियों पर बड़ा प्रभाव डालने वाला सिद्ध हुआ। वे अपनी कृतियों में दिखाई देने वाले अर्थों को भ्रमित और अस्पष्ट करने तथा कला संबंधी बुर्जुआ धारणाओं को चुनौती देने के लिए कोलाज और पाठ पर बहुत अधिक निर्भर थे।
जॉर्ज ब्राक - फ्रूट डिश एंड ग्लास, 1912, 62.9 × 45.7 सेमी
© आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क
तल, आकृतियाँ, दृष्टिकोण और रंग
सिंथेटिक क्यूबिज़्म में चटख रंग लाने के लिए सबसे अधिक जिम्मेदार कलाकार स्पेनी क्यूबिस्ट चित्रकार हुआन ग्रिस थे। ग्रिस ने काफी सरल दृश्य भाषा का भी उपयोग किया, जो सिंथेटिक क्यूबिज़्म को परिभाषित करने वाले कम किए गए दृष्टिकोणों तथा रूपों और तलों के सरल उपयोग को उत्कृष्ट ढंग से दर्शाती है। ग्रिस की कृति न्यूज़पेपर एंड फ्रूट डिश में हम इन सभी तत्वों को सक्रिय रूप में देख सकते हैं। इसी पेंटिंग में हम वे कई कारण भी देख सकते हैं, जिनकी वजह से सिंथेटिक क्यूबिज़्म को अक्सर पॉप आर्ट का पूर्वगामी माना जाता है।
बात केवल इतनी नहीं है कि सिंथेटिक क्यूबिस्टों ने निम्न और उच्च कला, तथा कला और विज्ञापन के बीच की धुंधली सीमा की अवधारणाओं के साथ प्रयोग किया। यह पेंटिंग रॉय लिचटेनस्टाइन के बेन-डे डॉट्स का भी अद्भुत आभास कराती है और रॉबर्ट रॉज़ेनबर्ग के बफ़ेलो II में दिखाई देने वाली पुनरावृत्ति, छवि-स्थापन और रंग-पैलेट का लगभग हूबहू पूर्वाभास देती है।
रॉबर्ट रॉज़ेनबर्ग - बफ़ेलो II, 1964, कैनवास पर तैलचित्र और सिल्कस्क्रीन स्याही।
© रॉबर्ट रॉज़ेनबर्ग फ़ाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क
पहले के एनालिटिकल क्यूबिस्ट चित्रों में इतने अलग-अलग दृष्टिकोण शामिल थे कि चित्रों की जटिलता को समझ पाना लगभग असंभव हो गया था। उनके विषय इतने अमूर्त लगते थे कि पहचान में नहीं आते थे: प्रत्येक दृष्टिकोण को अलग तल पर अलग-अलग ज्यामितीय आकृतियों द्वारा दर्शाया जाता था, और प्रत्येक तल अन्य तलों के ऊपर रखा हुआ प्रतीत होता था, फिर दोबारा चपटा कर दिया जाता था। एनालिटिकल क्यूबिस्ट चित्रों में प्रयुक्त ज्यामितीय आकृतियाँ कभी-कभी लगभग पारदर्शी लगती थीं। उन्हें इस तरह चित्रित किया जाता था कि गति, कंपन और संचलन का आभास हो। वे दिन के अलग-अलग समय, विभिन्न प्रकाश व्यवस्थाओं और अलग-अलग दृष्टिकोणों का प्रतिनिधित्व करती थीं।
हुआन ग्रिस - न्यूज़पेपर एंड फ्रूट डिश, 1916, कैनवास पर तैलचित्र
सोलोमन आर. गुगेनहाइम संग्रहालय, न्यूयॉर्क
क्यूबिस्ट चित्रों में फिर से चटख रंगों का पैलेट शामिल करके, हुआन ग्रिस ने इस शैली में वह चंचलता और उत्साह ला दिया, जो पहले के क्यूबिस्ट कार्यों में नहीं था। और ग्रिस की सरल दृश्य शब्दावली ने यह विचार प्रस्तुत किया कि क्यूबिज़्म अपने लक्ष्यों को सीधे, सरल और सौंदर्यपूर्ण ढंग से प्राप्त कर सकता है। ग्रिस की पेंटिंग द वायलिन, में वे क्यूबिस्ट कृति माने जाने के लिए आवश्यक दृष्टिकोणों, आकारों और तलों की बिल्कुल न्यूनतम संख्या का उपयोग करते हैं। परिणामस्वरूप बना चित्र क्यूबिज़्म की कठोर परिभाषा से अधिक उसके संकेत का उदाहरण लगता है।
जुआन ग्रिस - वायलिन, 1916, तीन-परत वाले पैनल पर तैलचित्र
कुन्स्टम्यूज़ियम, बेसल
सिंथेटिक: नकली के लिए एक और शब्द?
अपनी चित्रकृतियों में लेखन और रोज़मर्रा की वस्तुओं के छोटे-छोटे टुकड़े जोड़कर, पिकासो, ब्राक और ग्रिस अपने विषयों की वास्तविकता की विस्तृत अनुभूति से जुड़ने का प्रयास कर रहे थे। लेकिन अपनी कृतियों में उन कृत्रिम तत्वों को जोड़कर वे ऐसी चीज़ भी रच रहे थे, जो स्पष्ट रूप से अवास्तविक थी और उनसे पहले बनी किसी भी क्यूबिस्ट कला-कृति से भिन्न थी। कभी-कभी वे ऐसे रूप भी चित्रित करते थे, जो कोलाज जैसे दिखाई देते थे; एक ही कृति में कोलाज के अनुकरण किए गए तत्वों को वास्तविक कोलाज तत्वों के साथ मिलाते थे। इस नई शैली को ठीक इसी कारण सिंथेटिक क्यूबिज़्म नाम दिया गया, क्योंकि इस्तेमाल की जा रही तकनीकों की कृत्रिम प्रकृति उससे पहले के क्यूबिस्ट कार्य की गंभीरता के सापेक्ष अलग थी।
सिंथेटिक क्यूबिज़्म, विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म की तुलना में अधिक प्रतीकात्मक था। इसका लक्ष्य चतुर्थ-आयामी वास्तविकता का अधिक गहन दृष्टिकोण प्राप्त करना नहीं था। इसके बजाय, इसका लक्ष्य वास्तविकता की एक झलक को विकृत रूप में प्रस्तुत करना था। यह एक ऐसा रूपांतरण था, जिसने अतियथार्थवाद से संबंधित सिद्धांतों और शोध में अत्यंत महत्वपूर्ण योगदान दिया।
सिंथेटिक क्यूबिज़्म ने चित्रकला और मूर्तिकला के बीच के अंतर को भी चुनौती दी। छवि को अलग-अलग दृष्टिकोणों से तोड़कर फिर से जोड़ने के बजाय, सिंथेटिक क्यूबिज़्म ने छवि को संयोजित किया और उसे एक सपाट सतह से उठाकर कई परतों वाली वस्तु का रूप दिया, जैसे द्वि-आयामी सतह पर रखी त्रि-आयामी वस्तु। इन सभी तरीकों से सिंथेटिक क्यूबिज़्म ने अपनी उपलब्धियों तक एक स्पष्ट और जानबूझकर रचे गए विरोधाभास के माध्यम से पहुँचा: ऐसी कृतियाँ बनाकर, जो लगातार अधिक झूठी लगती थीं, उन्होंने लगातार अधिक वास्तविक चीज़ हासिल की।
समकालीन कला में रंग, कोलाज और निर्मित स्थान
सिंथेटिक क्यूबिज़्म समकालीन अमूर्तन को देखने का एक तरीका भी प्रस्तुत करता है। किसी चित्र में संयोजित आकृतियों, एक-दूसरे पर चढ़े तलों और किसी छवि तथा उसकी सतह के संबंध से जुड़े प्रश्न उठाने के लिए गिटार या कैफ़े की मेज़ का चित्रण करना आवश्यक नहीं है। निम्नलिखित कलाकार इन प्रश्नों पर अलग-अलग तरीकों से विचार करते हैं। उनकी कृतियाँ ऐतिहासिक सिंथेटिक क्यूबिज़्म के उदाहरण नहीं हैं, लेकिन निर्माण और रंग के उसके प्रयोगों से तुलना का आमंत्रण देती हैं।
Jeremy Annear: परतदार तल और चित्रात्मक स्थान
Jeremy Annear अपनी पेंटिंग्स को आकृतियों, रंग और पेंट की परतों के माध्यम से निर्मित करते हैं, और उनके कार्य में Braque तथा Picasso के साथ-साथ St Ives के कलाकारों से भी स्वीकृत समानताएँ दिखाई देती हैं। Metrographic II No.8 में एक कोणीय सफेद तल मिट्टी-रंग के क्षेत्र को बाधित करता है, जबकि काले ढाँचे, लाल वक्र और बनावट वाले धब्बे परस्पर प्रतिस्पर्धी स्थानिक संबंध स्थापित करते हैं। आँख आकृतियों की स्पष्ट ठोसता और खींची गई रेखाओं के खुलेपन के बीच घूमती रहती है। Braque की सतह और संरचना के अंतर्संबंध से आकर्षित पाठक के लिए यह क्यूबिस्ट विषयवस्तु को दोहराए बिना एक समकालीन तुलना प्रस्तुत करता है।
Dana Gordon: एक बड़े समग्र रूप के भीतर रंगीन आकृतियाँ
Dana Gordon की बहुरूपदर्शकीय रचनाओं का वर्णन ऑर्फ़िक क्यूबिज़्म के संदर्भ में किया गया है, जो सिंथेटिक क्यूबिज़्म का पर्याय नहीं बल्कि उससे एक विशिष्ट तुलना है। उनका कार्य यहाँ चर्चित रंग और निर्मित रूप के आनंद तक पहुँचने का एक और मार्ग प्रस्तुत करता है। New Space में ठोस रंगीन वर्ग चित्रित सर्पिलाकार आकृतियों के घने ग्रिड को विराम देते हैं। ये अपेक्षाकृत शांत खंड व्यस्त सतह पर तैरते हुए प्रतीत होते हैं और व्यक्तिगत आकृतियों तथा पूरी रचना के बीच तनाव पैदा करते हैं। Gordon सटे हुए आकारों और समूहों को एक बड़ी पेंटिंग के भीतर छोटी-छोटी पेंटिंग्स के रूप में देखते हैं, यह विचार पास से देखने के साथ-साथ दूर से देखने पर भी अधिक प्रभावी होता है।
Anne Katrine Senstad: स्कैन किए गए रंगीन नेगेटिव से कोलाज
Anne Katrine Senstad की Cosmosis Collages में निर्माण एक फोटोग्राफिक रूप लेता है। कलाकार के अनुसार, उनके स्रोत नेगेटिव स्कैन किए गए और फिर कोलाज किए गए, उन्हें फोटोग्राफ नहीं किया गया। इनकी उत्पत्ति उनके शुरुआती अमूर्त रंग-क्षेत्र फोटोग्राफिक कार्यों The Pink Project (2004–2007) में है। Composition no 2C4 Blue में पतली गुलाबी, आड़ू रंग और पीली पट्टियाँ गहरे नीले पटल को काटती हैं, जबकि पारदर्शी आयताकार तल सतह के नीचे की परतों का संकेत देते हैं। चित्रित वस्तु के बजाय रंग और विन्यास रचना के स्थानिक संबंध स्थापित करते हैं। Braque के चिपकाए गए कागज़ के विपरीत, ये तत्व स्कैन की गई फोटोग्राफिक प्रक्रिया के माध्यम से संयोजित किए गए हैं। सुप्रेमेटिस्ट और कंस्ट्रक्टिविस्ट प्रेरणाओं के प्रमाणित संदर्भों के साथ, यह श्रृंखला अलग-अलग तत्वों के बीच संबंधों के माध्यम से छवि निर्मित करने की कोलाज की क्षमता के साथ एक समकालीन तुलना प्रस्तुत करती है।
समकालीन अमूर्त कला का संग्रह: सामग्री, कीमत और संदर्भ
किसी कलाकृति के अधिग्रहण पर विचार करने वाले व्यक्ति के लिए, ये तुलनाएँ रुचि स्पष्ट करने में मदद कर सकती हैं। आकर्षण किस ओर है - बनावट वाली सतह, रंगों की लयबद्ध व्यवस्था, या एक-दूसरे पर चढ़े हुए तल का भ्रम? उस पसंद की पहचान करना केवल इसलिए समकालीन कलाकृति खोजने की तुलना में अधिक उपयोगी शुरुआत है कि वह किसी प्रसिद्ध ऐतिहासिक चित्र जैसी दिखती है।
खरीदने से पहले आपको किन बातों पर ध्यान देना चाहिए?
व्यक्तिगत कलाकृति से शुरुआत करें: उसकी सामग्री, आयाम, स्थिति और दस्तावेज़ीकरण। पूछें कि वह कलाकार के व्यापक रचनात्मक अभ्यास में कहाँ स्थित होती है, और उसके प्रस्तुतिकरण का समर्थन करने वाले प्रदर्शनी इतिहास तथा संग्रह अभिलेखों की समीक्षा करें। परतदार चित्रों या मिश्रित-माध्यम कलाकृतियों के लिए, सतह की संरचना के क्लोज़-अप फ़ोटो और जानकारी माँगें। Senstad की चयनित Cosmosis कलाकृति जैसी फ़ोटोग्राफ़िक संस्करण-कलाकृति, जो छह प्रतियों के संस्करण के साथ दो कलाकार-प्रमाणों में उपलब्ध है, उसके लिए संस्करण का विवरण, प्रिंटिंग विनिर्देश और साथ का दस्तावेज़ीकरण सुनिश्चित करें। फ़ोटोग्राफ़िक कोलाज और अद्वितीय चित्रकला में दृश्य सरोकार समान हो सकते हैं, जबकि स्वामित्व के लिए वे बहुत अलग वस्तुएँ हो सकती हैं।
आपको कीमत और बाज़ार मूल्य के बारे में कैसे सोचना चाहिए?
ऐतिहासिक महत्त्व, दृश्य साम्य और बाज़ार मूल्य अलग-अलग प्रश्न हैं। किसी समकालीन कलाकार का क्यूबिस्ट विचारों से संबंध उनकी कलाकृति को मूल Picasso, Braque या Gris के समान बाज़ार में नहीं रखता। कीमतों की तुलना करते समय, उसी कलाकार की वास्तव में तुलनीय कलाकृतियाँ देखें और माध्यम, आकार, तिथि तथा यह ध्यान में रखें कि कलाकृति अद्वितीय है या संस्करणित। माँगी गई कीमत वास्तविक बिक्री मूल्य के समान नहीं होती, और सीमित संस्करण अपने-आप में भविष्य की माँग स्थापित नहीं करता। प्रदर्शनी इतिहास और आलोचनात्मक मान्यता संदर्भ प्रदान करते हैं, मूल्यवृद्धि या आसान पुनर्विक्रय का वादा नहीं।
कलाकृति के साथ रहना क्या शामिल करता है?
खरीद मूल्य के साथ फ़्रेमिंग, डिलीवरी, बीमा और किसी भी विशेषज्ञ इंस्टॉलेशन की लागत पर भी विचार करें। सामग्री के अनुरूप देखभाल संबंधी मार्गदर्शन माँगें, विशेष रूप से फ़ोटोग्राफ़िक सतहों और परतदार संरचनाओं के लिए, और उस प्रकाश व स्थान के बारे में सोचें जहाँ कलाकृति प्रदर्शित की जाएगी। कला इतिहास से सबसे संतोषजनक जुड़ाव अंततः व्यक्तिगत हो सकता है: यह समझना कि कोई कलाकृति आपका ध्यान क्यों आकर्षित करती है, और यह जानना कि बार-बार देखने पर उसका रंग, ढाँचा और सतह कैसे बदलते रहते हैं।
विशेष छवि: Pablo Picasso - थ्री म्यूज़िशियन्स, 1921 (विवरण), ©Artists Rights Society (ARS), New York
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के उद्देश्य से उपयोग की गई हैं
Phillip Barcio द्वारा (2016)
IdeelArt संपादकीय द्वारा संपादित (2026)
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