सैम गिलियम का रंगों का संगीत बासेल में
आर्ट बासेल 2018 की शुरुआत के साथ, कुन्स्टम्यूजियम बासेल ने हाल ही में अमेरिकी अमूर्त कलाकार सैम गिलियम के काम की पहली यूरोपीय एकल प्रदर्शनी खोली है। द म्यूजिक ऑफ कलर: सैम गिलियम, 1967 – 1973 शीर्षक वाली इस प्रदर्शनी में अमेरिका और यूरोप के निजी और संस्थागत संग्रहों से चयनित कुल 45 काम शामिल हैं। आज काम कर रहे कई कलाकारों के अनुसार, गिलियम सबसे महत्वपूर्ण अमेरिकी चित्रकारों में से एक हैं, न केवल इसलिए कि उनका काम सुंदर है, बल्कि इसलिए भी कि इसने समकालीन कला सिद्धांत में योगदान दिया है। उनकी नवाचारों ने एक महत्वपूर्ण क्षण में पूर्वधारणाओं को तोड़ दिया, और उनकी पीढ़ी की कुछ सबसे तेज आवाजों को सीधे चुनौती दी। उनके विचार इतने महत्वपूर्ण थे कि यह विश्वास करना कठिन लग सकता है कि गिलियम ने पहले कभी यूरोप में एकल प्रदर्शनी नहीं की। फिर भी, यदि आप वास्तव में उनके करियर की जांच करते हैं, तो यह शायद इतना आश्चर्यजनक नहीं होगा। गिलियम ने हमेशा अपने तरीके से काम किया है। हालांकि उनका काम आज के बहुआयामी कला बाजार की स्थापना में मददगार रहा है, लेकिन उन्होंने कभी भी उस बाजार की अपेक्षाओं के अनुसार प्रदर्शन नहीं किया। एक शब्द में, गिलियम एक विद्रोही हैं। अमेरिका का प्रतिनिधित्व करने के बावजूद, उन्होंने वेनिस बिएनाले में दो बार—1972 और 2017 में—हाल ही में अपने करियर में पहली बार एक गैलरी के साथ साइन किया। अतीत में, जब वह सुर्खियों में थे, तब भी उन्होंने ज्यादातर अपने स्टूडियो से अपने काम को खुद बेचा। फिर भी, उनके खरीदारों में दुनिया के सबसे प्रतिष्ठित संग्रहालयों में से दर्जनों शामिल हैं, जिनमें टेट मॉडर्न, न्यूयॉर्क का गगनहाइम संग्रहालय, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, मोमा, और वाशिंगटन, डीसी में नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट शामिल हैं, जो सभी उनके कामों को रखते हैं। जो अपेक्षित नहीं करने की उनकी इच्छा है, वही शायद गिलियम को अब तक एक मोनोग्राफिक यूरोपीय प्रदर्शनी का विषय बनने से रोकता है। लेकिन यह भी वही है जिसने उन्हें उनके सबसे बड़े ब्रेकथ्रू तक पहुँचाया। अपनी दृष्टि में उनकी अद्वितीय आत्मविश्वास गिलियम को कला की दुनिया में स्वतंत्रता का सही प्रतिनिधि बनाती है, और यही उन्हें समकालीन अमूर्त कला की दुनिया में एक जीवित किंवदंती बनाता है।
बेवेल्ड एज पर
1933 में जन्मे गिलियम ने अपने पेशेवर करियर की शुरुआत उस समय की जब प्रवृत्तियाँ न्यूनतमवाद, ज्यामितीय अमूर्तता, और पोस्ट पेंटरली अमूर्तता की ओर बढ़ रही थीं। अपनी पीढ़ी के कई अन्य चित्रकारों की तरह, उन्होंने भी इसी तरह के काम से शुरुआत की। 1960 के दशक की शुरुआत में उनके हार्ड-एज ज्यामितीय अमूर्त काम ऐसे कलाकारों के कामों की याद दिलाते हैं जैसे फ्रैंक स्टेला, मैक्स बिल, या कार्मेन हेरेरा। 1967 वह वर्ष था जब गिलियम के लिए सब कुछ बदल गया। तब उन्होंने बिना प्राइम किए कैनवास पर सीधे ऐक्रेलिक पेंट डालने और फिर पेंट अभी भी गीला होने पर कैनवास को मोड़ने की एक पूरी तरह से अलग विधि अपनाई। फिर वह कैनवास को सूखने देते ताकि मुड़े हुए रेखाएँ हमेशा के लिए सामग्री में समाहित हो जाएँ। तभी वह कैनवास को स्ट्रेचर बार पर खींचते।
सैम गिलियम - व्हर्लिरामा, 1970। एक्रिलिक पर कैनवास, 282.6 x 293.4 x 5.1 सेमी। फोटो: फ्रेड्रिक निल्सन, कलाकार की अनुमति से, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क, और डेविड कोर्डनस्की गैलरी, लॉस एंजेलेस। ©2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख
इस विधि से उत्पन्न रेखाएँ कलाकार के हाथ के अवशेष के रूप में कार्य करती हैं, और कला वस्तु में संरचना और आयाम जोड़ती हैं। यह नवाचार अपने आप में क्रांतिकारी था। फिर भी गिलियम ने यहाँ नहीं रुका। उसने अपने स्ट्रेचर बार के किनारों को बीवेल किया, जिसने पेंटिंग के किनारों पर नई ध्यान आकर्षित किया, उन्हें सतह के साथ समान महत्व दिया। बीवेल किए गए किनारों ने पेंटिंग को ऐसा प्रतीत कराया जैसे वे दीवार से बाहर की ओर उभर रही हैं, न कि बस उस पर लटक रही हैं। इसने पेंटिंग को लगभग मूर्तिकला जैसी उपस्थिति दी। उसने इन कार्यों को "स्लाइस पेंटिंग्स" कहा। शब्द स्लाइस के कई अर्थ थे। स्ट्रेचर बार को काटा गया, जिससे बीवेल प्रभाव उत्पन्न हुआ। इसके अलावा, कैनवास में मोड़ छवि में स्लाइस के रूप में कार्य करते थे, जिससे अप्रत्याशित रंग संयोजन और काम में संरचनात्मक विविधताएँ उत्पन्न होती थीं, जो पृथ्वी की सतह में खोदे गए नदी के बिस्तरों की याद दिलाती थीं।
सैम गिलियम - रोंडो, 1971। एक्रिलिक पर कैनवास, ओक बीम। 261 x 366 x 198 सेमी। फोटो: Lee थॉम्पसन, कलाकार की अनुमति से, Kunstmuseum Basel और David Kordansky Gallery, लॉस एंजेलेस ©2018, ProLitteris, ज्यूरिख
कभी भी एक जैसा नहीं
गिलियम के लिए जाना जाने वाला अगला नवाचार 1968 में हुआ, जब उन्होंने अपनी पहली "ड्रेप पेंटिंग" बनाई। यह कार्य का समूह पेंटिंग, मूर्तिकला और स्थापना के बीच एक सैद्धांतिक स्थान में निवास करता है, क्योंकि यह स्ट्रेचर बार को समाप्त करता है, इस प्रकार यह परिभाषा का विस्तार करता है कि एक पेंटिंग क्या हो सकती है। गिलियम ने अपनी "ड्रेप पेंटिंग" उसी विधि का उपयोग करके बनाई जो उन्होंने अपनी "स्लाइस पेंटिंग" के साथ की थी, बिना प्राइम किए कैनवास पर सीधे एक्रिलिक पेंट डालकर। लेकिन जब पेंटिंग समाप्त हो गई, तो उसे कुचलने और फिर खींचने के बजाय, उन्होंने बस कैनवास को सीधे दीवार पर लटका दिया, जैसे एक परदा या कपड़े का एक आइटम। उनकी "ड्रेप पेंटिंग" ने आकारित कैनवास के विचार को एक नए स्तर पर ले जाकर, काम को हर बार प्रस्तुत किए जाने पर एक पूरी तरह से नई कॉन्फ़िगरेशन अपनाने की अनुमति दी। गिलियम ने खुशी से नोट किया है कि उनकी "ड्रेप पेंटिंग" कभी भी एक ही तरीके से नहीं दिखाई जाती हैं।
सैम गिलियम - रूबी लाइट, 1972, एक्रिलिक पर कैनवास, 203 x 144 x 30 सेमी। फोटो: कैथी कार्वर, कलाकार और हिर्शहॉर्न संग्रहालय और मूर्तिकला उद्यान, स्मिथसोनियन संस्थान, वाशिंगटन डीसी की सौजन्य। ©2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख
1960 के दशक के अंत में अपने प्रमुख सफलताओं के बाद, गिलियम ने एक कलाकार के रूप में प्रयोग और विकास जारी रखा है। उन्होंने कागज और लकड़ी पर चित्रकारी करके अपनी सतहों की रेंज का विस्तार किया है। उन्होंने कोलाज की सीमाओं की भी जांच की है, सामग्रियों, माध्यमों और तकनीकों को मिलाने के और भी तरीके खोजते हुए। हालांकि उनके विभिन्न कार्यों के सभी रूपों में स्पष्ट भिन्नताएँ हैं, लेकिन गिलियम द्वारा किए गए हर चीज़ का एक पहलू है जो समकालीन कला में उनके अद्वितीय योगदान को परिभाषित करता है, जो इस बात से संबंधित है कि उन्होंने हमें यह समझने में मदद की कि चित्रकारी और मूर्तिकला वास्तव में एक ही हैं। लोग अक्सर कहते हैं कि एक कलाकार ने चित्रकारी और मूर्तिकला के बीच की सीमाओं को धुंधला कर दिया है, शायद इसलिए क्योंकि उनकी चित्रकारी में आयाम होते हैं, या क्योंकि वे छत से लटकते हैं या फर्श पर बैठते हैं। गिलियम ने इससे कहीं अधिक हासिल किया। वह वास्तव में अपनी सतहों का उसी तरह से इलाज करते हैं जैसे एक मूर्तिकार धातु, संगमरमर, या मिट्टी का इलाज करता है। वह साबित करते हैं कि एक चित्र की सतह में भावना व्यक्त करने, एक कहानी बताने, या औपचारिक विषय वस्तु को संप्रेषित करने की क्षमता होती है। वह सतह को केवल एक समर्थन के रूप में परिभाषित नहीं करते—वह इसे एक माध्यम बनाते हैं। The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 30 सितंबर तक The Kunstmuseum Basel में प्रदर्शित है।
विशेष छवि: सैम गिलियम - लाइट डेप्थ, 1969। एक्रिलिक पर कैनवास, 304.8 x 2269 सेमी। कॉर्कोरन संग्रह, वाशिंगटन डी.सी. © 2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख
फिलिप Barcio द्वारा
