सैम गिलियम का रंगों का संगीत बासेल में

आर्ट बेसल 2018 की शुरुआत के साथ ही, कुन्स्टम्यूजियम बेसल ने हाल ही में अमेरिकी अमूर्त कलाकार सैम गिलियम के कार्यों की पहली यूरोपीय एकल प्रदर्शनी खोली है। जिसका शीर्षक है रंग का संगीत: सैम गिलियम, 1967 – 1973, इस प्रदर्शनी में संयुक्त राज्य अमेरिका और यूरोप के निजी और संस्थागत संग्रहों से चुने गए कुल 45 कार्य शामिल हैं। आज के कई कलाकारों की राय में, गिलियम सबसे महत्वपूर्ण अमेरिकी चित्रकारों में से एक हैं, न केवल इसलिए कि उनके कार्य सुंदर हैं, बल्कि इसलिए भी कि उन्होंने समकालीन कला सिद्धांत में महत्वपूर्ण योगदान दिया है। उनके नवाचारों ने एक निर्णायक क्षण में पूर्वधारणाओं को तोड़ा, और सीधे अपनी पीढ़ी की सबसे जोरदार आवाज़ों को चुनौती दी। उनके विचार इतने महत्वपूर्ण थे कि यह सुनकर आश्चर्य हो सकता है कि गिलियम की यूरोप में कभी एकल प्रदर्शनी नहीं हुई। फिर भी, यदि आप उनके करियर को ध्यान से देखें, तो यह आश्चर्य की बात नहीं लगती। गिलियम ने हमेशा अपने तरीके से काम किया है। भले ही उनके कार्य ने आज के बहुआयामी कला बाजार की स्थापना में मदद की, उन्होंने कभी उस बाजार की अपेक्षाओं के अनुसार प्रदर्शन नहीं किया। एक शब्द में, गिलियम एक विद्रोही हैं। वेनिस बिएनाले में दो बार—1972 और 2017 में—संयुक्त राज्य अमेरिका का प्रतिनिधित्व करने के बावजूद, उन्होंने हाल ही में ही अपने करियर में पहली बार किसी गैलरी के साथ अनुबंध किया। पहले, जब वे प्रकाश में थे, तब भी वे अपने कार्यों को ज्यादातर खुद ही अपने स्टूडियो से बेचते थे। फिर भी, उनके खरीदारों में दुनिया के कई प्रतिष्ठित संग्रहालय शामिल थे, जैसे टेट मॉडर्न, न्यूयॉर्क का गुगेनहाइम संग्रहालय, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, मोमा, और वाशिंगटन डीसी की नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट, जिनके पास उनके कार्य हैं। जो चीज गिलियम को अपेक्षित कार्य न करने के लिए तैयार रहने की है, वही शायद अब तक उन्हें यूरोपीय एकल प्रदर्शनी का विषय बनने से रोकती रही। लेकिन यही उनकी सबसे बड़ी सफलताओं का कारण भी बनी। अपनी दृष्टि में उनकी अद्वितीय आत्मविश्वास गिलियम को कला जगत में स्वतंत्रता का आदर्श प्रतिनिधि बनाती है, और यही उन्हें समकालीन अमूर्त कला की दुनिया में एक जीवित किंवदंती बनाती है।

छेनीदार किनारे पर

1933 में जन्मे गिलियम ने अपने पेशेवर करियर की शुरुआत उस समय की, जब प्रवृत्तियाँ न्यूनतमवाद, ज्यामितीय अमूर्तन, और पोस्ट पेंटरली अमूर्तन की ओर बढ़ रही थीं। अपनी पीढ़ी के कई अन्य चित्रकारों की तरह, उन्होंने भी शुरुआत में इसी प्रकार के कार्य बनाए। 1960 के दशक की शुरुआत के उनके कठोर-किनारे वाले ज्यामितीय अमूर्त कार्य फ्रैंक स्टेला, मैक्स बिल, या कारमेन हरेरा जैसे कलाकारों के कार्यों की याद दिलाते हैं। गिलियम के लिए सब कुछ बदलने वाला वर्ष 1967 था। तब उन्होंने एक पूरी तरह से अलग तरीका अपनाया, जिसमें उन्होंने बिना प्राइम किए कैनवास पर सीधे एक्रिलिक रंग डाला और फिर रंग गीला रहते हुए कैनवास को मोड़ दिया। इसके बाद वे कैनवास को सूखने देते ताकि मुड़े हुए रेखाएं स्थायी रूप से सामग्री में समा जाएं। फिर वे कैनवास को स्ट्रेचर बार्स पर तानते।

सैम गिलियम - व्हर्लिरामा, 1970। कैनवास पर एक्रिलिक, 282.6 x 293.4 x 5.1 सेमी। फोटो: फ्रेडरिक निल्सेन, कलाकार की अनुमति से, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, न्यूयॉर्क, और डेविड कोर्डान्स्की गैलरी, लॉस एंजिल्स। ©2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख

इस विधि से उत्पन्न रेखाएं कलाकार के हाथ के निशान के रूप में कार्य करती हैं, और कला वस्तु को संरचना और आयाम प्रदान करती हैं। यह नवाचार ही क्रांतिकारी था। फिर भी गिलियम यहीं नहीं रुके। उन्होंने अपने स्ट्रेचर बार्स के किनारों को छेनीदार बनाया, जिससे चित्र के किनारों पर भी उतनी ही ध्यान देने लगी, जितनी सतह पर। छेनीदार किनारों ने चित्रों को ऐसा प्रभाव दिया जैसे वे दीवार से बाहर निकल रहे हों, केवल दीवार पर लटके हुए नहीं। इससे चित्रों को लगभग मूर्तिकला जैसा रूप मिला। उन्होंने इन कार्यों को “स्लाइस पेंटिंग्स” कहा। स्लाइस शब्द के कई अर्थ थे। स्ट्रेचर बार्स को काटा गया था, जिससे छेनीदार प्रभाव बना। साथ ही, कैनवास के मोड़ चित्र में स्लाइस की तरह काम करते थे, जो अप्रत्याशित रंग संयोजन और आकृतिक विविधताएं उत्पन्न करते थे, जो पृथ्वी की सतह में नदियों के खोदे गए रास्तों की याद दिलाते थे।

सैम गिलियम - रोंडो, 1971। कैनवास पर एक्रिलिक, ओक की लकड़ी। 261 x 366 x 198 सेमी। फोटो: Lee Thompson, कलाकार की अनुमति से, कुन्स्टम्यूजियम बेसल और डेविड कोर्डान्स्की गैलरी, लॉस एंजिल्स। ©2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख

कभी भी एक जैसा नहीं

गिलियम के लिए अगला नवाचार 1968 में हुआ, जब उन्होंने अपनी पहली “ड्रेप पेंटिंग” बनाई। यह कार्य पेंटिंग, मूर्तिकला, और स्थापना के बीच एक सैद्धांतिक स्थान में आता है, क्योंकि इसमें स्ट्रेचर बार्स नहीं होते, जिससे पेंटिंग की परिभाषा का विस्तार होता है। गिलियम ने अपनी “ड्रेप पेंटिंग्स” उसी विधि से बनाई, जैसा उन्होंने “स्लाइस पेंटिंग्स” में किया था, बिना प्राइम किए कैनवास पर सीधे एक्रिलिक रंग डालकर। लेकिन जब पेंटिंग पूरी हो जाती, तो वे इसे मोड़ने और तानने के बजाय, कैनवास को सीधे दीवार पर पर्दे या वस्त्र की तरह लटका देते। उनकी “ड्रेप पेंटिंग्स” ने आकारित कैनवास की अवधारणा को एक नए स्तर पर पहुंचाया, जिससे हर बार प्रदर्शित होने पर कार्य पूरी तरह से नया रूप धारण कर सकता है। गिलियम ने खुशी से कहा है कि उनकी “ड्रेप पेंटिंग्स” कभी भी दो बार एक जैसी नहीं दिखाई जातीं।

सैम गिलियम - रूबी लाइट, 1972, कैनवास पर एक्रिलिक, 203 x 144 x 30 सेमी। फोटो: कैथी कार्वर, कलाकार और हिर्शहॉर्न म्यूजियम एंड स्कल्पचर गार्डन, स्मिथसोनियन संस्थान, वाशिंगटन डीसी की अनुमति से। ©2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख

1960 के दशक के अंत में अपनी बड़ी सफलताओं के बाद से, गिलियम ने एक कलाकार के रूप में प्रयोग और विकास जारी रखा है। उन्होंने कागज और लकड़ी पर भी चित्र बनाए हैं। उन्होंने कोलाज की सीमाओं की भी जांच की, और सामग्री, माध्यमों और तकनीकों को मिलाने के नए तरीके खोजे। उनके विभिन्न कार्यों में स्पष्ट भिन्नताओं के बावजूद, गिलियम के सभी कार्यों में एक पहलू है जो उनकी समकालीन कला में अनूठी भूमिका को परिभाषित करता है, और वह यह है कि उन्होंने हमें यह समझाने में मदद की कि चित्रकला और मूर्तिकला वास्तव में एक ही हैं। लोग अक्सर कहते हैं कि किसी कलाकार ने चित्रकला और मूर्तिकला के बीच की सीमाएं धुंधला कर दी हैं, शायद इसलिए कि उनकी पेंटिंग्स में आयाम होता है, या वे छत से लटकी होती हैं या फर्श पर रखी होती हैं। गिलियम ने इससे कहीं अधिक किया है। वे वास्तव में अपनी सतहों को उसी तरह देखते हैं जैसे कोई मूर्तिकार धातु, संगमरमर, या मिट्टी को देखता है। वे साबित करते हैं कि पेंटिंग की सतह में भावना व्यक्त करने, कहानी कहने, या औपचारिक विषय वस्तु संप्रेषित करने की क्षमता होती है। वे सतह को केवल सहारा नहीं मानते—बल्कि इसे स्वयं एक माध्यम बनाते हैं। रंग का संगीत: सैम गिलियम, 1967 – 1973 30 सितंबर तक कुन्स्टम्यूजियम बेसल में प्रदर्शित है।

मुख्य छवि: सैम गिलियम - लाइट डेप्थ, 1969। कैनवास पर एक्रिलिक, 304.8 x 2269 सेमी। कॉर्कोरन संग्रह, वाशिंगटन डी.सी। © 2018, प्रोलीटेरिस, ज्यूरिख

फिलिप Barcio द्वारा