फ्रैंक स्टेला - ऑब्जेक्ट की कला

कई लोग प्रिंटेड किताबों की स्पष्ट आने वाली मृत्यु पर अफसोस करते हैं। लेकिन किताबों का कार्य कहानियाँ सुनाना है, और स्पष्ट रूप से स्क्रीन और निर्जीव आवाजें भी कहानियाँ सुनाती हैं। चूंकि किताबें वस्तुओं के रूप में कभी भी अपने कहानीकार की भूमिका से अलग नहीं हुई हैं, इसलिए वे अपनी उपयोगिता से बाहर हो गई हैं। फ्रैंक स्टेला के धन्यवाद, कला को उसी भाग्य का सामना नहीं करना पड़ेगा। स्टेला ने कला को इसके कथा उद्देश्य से अलग कर दिया। पेंटिंग और मूर्तिकला को सदियों से भ्रांति के वितरण उपकरण के रूप में कार्य करते रहने की अनुमति देने के बजाय, स्टेला ने कला को फिर से परिभाषित करने में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इसे वस्तुगत अर्थ और उद्देश्य प्रदान किया। अपनी सौंदर्यात्मक रचनाओं के माध्यम से, स्टेला ने यह प्रदर्शित किया कि एक कला वस्तु पर विचार करने के लिए योग्य है न कि उस कहानी के लिए जो यह बता सकती है या उस व्याख्या के लिए जो यह योगदान कर सकती है, बल्कि इसके अपने औपचारिक सौंदर्य गुणों और वे जो संतोष प्रदान कर सकते हैं, के लिए।

फ्रैंक स्टेला कला बनाम अमूर्त अभिव्यक्तिवाद

यदि युवा फ्रैंक स्टेला बेहतर स्वास्थ्य में होते, तो शायद वह कभी प्रसिद्ध कलाकार नहीं बनते। प्रिंसटन से स्नातक करने के बाद, स्टेला को वियतनाम में लड़ने के लिए भर्ती किया गया। लेकिन वह अपनी शारीरिक परीक्षा में असफल हो गए। इसलिए असली लड़ाइयों में लड़ने के बजाय, उन्होंने अपने देश में सांस्कृतिक लड़ाई में शामिल होने का निर्णय लिया, उस समय के प्रचलित कला आंदोलन: अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के खिलाफ संघर्ष करते हुए। स्टेला ने अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के बारे में कहा, “(वे) हमेशा महसूस करते थे कि पेंटिंग का पूरा होना बहुत समस्याग्रस्त है। हम अधिक आसानी से कहेंगे कि हमारी पेंटिंग पूरी हो गई है और कहेंगे, खैर, यह या तो असफलता है या नहीं, इसके बजाय यह कहने के बजाय, खैर, शायद यह वास्तव में पूरी नहीं हुई है।”

स्टेला को लगा कि एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट कलाकार और उनके प्रशंसक कला में "मानवीय" गुणों को जोड़ रहे हैं, जिसका मतलब है कि वे कला में उस चीज़ से अधिक की तलाश कर रहे हैं जो वस्तुनिष्ठ रूप से वहाँ है। निश्चित रूप से वह सही था कि कई एब्स्ट्रैक्ट कलाकार तब, जैसे अब, खुलकर मानते हैं कि उनका काम व्याख्या के लिए खुला है। कई एब्स्ट्रैक्ट कलाकारों के लिए यही बिंदु है। वे अपने कामों को तोटेम के रूप में या उच्च अनुभवों की खोज में उपयोग किए जाने वाले पारलौकिक माध्यमों के रूप में पेश करते हैं। वास्तव में, कई कला प्रेमी यह व्याख्या करने में अत्यधिक संतोष प्राप्त करते हैं कि एब्स्ट्रैक्ट पेंटिंग का क्या मतलब हो सकता है। लेकिन स्टेला नहीं चाहते थे कि उनके काम और उसके दर्शकों के बीच इस तरह की कोई बातचीत हो, जिससे उन्होंने अपनी कला के बारे में अपना सबसे प्रसिद्ध बयान दिया: "मेरी पेंटिंग इस तथ्य पर आधारित है कि केवल वही जो वहाँ देखा जा सकता है, वहाँ है। यह वास्तव में एक वस्तु है। जो आप देखते हैं, वही आप देखते हैं।"

फ्रैंक स्टेला - रिज़न और गंदगी का विवाह, II, 1959, कैनवास पर एनामेल पेंट, 91 x 133 इंच। © फ्रैंक स्टेला

स्टेला की दो समस्याएँ

स्टेला ने जिस पहले समस्या की पहचान की, वह थी यह पता लगाना कि वास्तव में एक पेंटिंग क्या है, उसके पेंटिंग को इसके वस्तुगत सार में घटाने की इच्छा के साथ। उसके तर्क के रास्ते पर चलने के लिए, यह पहले पहचानना सहायक है कि वह क्या मानता था कि एक पेंटिंग नहीं होनी चाहिए। उसने विश्वास किया कि एक पेंटिंग कथा के लिए एक वितरण तंत्र नहीं होनी चाहिए। न ही यह नाटक या भ्रांति को प्रदर्शित करने या अनुभव करने का एक क्षेत्र होना चाहिए। तो स्टेला के अनुसार एक पेंटिंग क्या होनी चाहिए? यह रंग से ढकी एक सतह होनी चाहिए। यह भागों का एक संग्रह होना चाहिए, जिसमें सतह के लिए समर्थन, स्वयं सतह, सतह को समर्थन से जोड़ने वाले उपकरण, कुल वस्तु को दीवार या फर्श से जोड़ने वाले उपकरण, और निश्चित रूप से माध्यम शामिल हैं।

एक बार जब स्टेला ने समझा कि उसके लिए एक पेंटिंग एक वस्तु है, और कुछ नहीं, तो उसकी अगली समस्या यह थी कि एक पेंटिंग कैसे बनाई जाए। यह दूसरा सवाल वह है जिसका उत्तर उसने अपने करियर के दौरान बार-बार देने की कोशिश की है, और जिसे उसने कई अलग-अलग तरीकों से संबोधित किया है। आज भी अपने 80 के दशक में सक्रिय, स्टेला ने पेंटिंग बनाने के नए तरीकों की लगातार खोज की है। उसने पारंपरिक, आयताकार कैनवस पर पेंटिंग बनाई है, विभिन्न आकार के कैनवस पर पेंटिंग, भित्तिचित्र, प्रिंट, त्रि-आयामी राहत पेंटिंग और ऐसी पेंटिंग जो कई लोग मूर्तियों के रूप में वर्णित करेंगे।

हालांकि स्टेला के कुछ काम पारंपरिक रूप से मूर्तिकला की परिभाषा में फिट होते हैं, स्टेला इस भेद को अप्रासंगिक मानते हैं। उन्होंने इस प्रभाव में टिप्पणी की है कि मूर्तियाँ केवल पेंटिंग्स हैं जिन्हें दीवार से हटा कर जमीन पर रखा गया है। उनके所谓 मूर्तिकला कार्य सतहें हैं जो माध्यम से ढकी हुई हैं और समर्थन पर लगी हुई हैं, ठीक उसी तरह जैसे उनकी पेंटिंग्स। इस आलोचनात्मक दृष्टिकोण को बनाए रखकर, स्टेला हमें इस विचार का सामना करने के लिए मजबूर करते हैं कि पेंटिंग्स को आखिरकार दीवार पर लटकने वाली चीजों के रूप में क्यों परिभाषित किया जाता है। कई अन्य वैचारिक नेताओं की तरह, स्टेला पेंटिंग और मूर्तिकला को एक ही चीज मानते हैं, बस अलग-अलग तरीके से प्रदर्शित किया गया है।

फ्रैंक स्टेला - ला पेना डे हु, 1987-2009, उकेरे हुए मैग्नीशियम, एल्यूमीनियम और फाइबरग्लास पर मिश्रित मीडिया। © फ्रैंक स्टेला

ज्यामिति का उद्देश्य

जब स्टेला ने बिना भावना, कथा या नाटक के चित्र बनाने के तरीके खोजे, तो वह पैटर्न और पुनरावृत्ति की ओर आकर्षित होते गए। ज्यामितीय समरूपता उनके लिए सहायक थी क्योंकि, जैसा कि उन्होंने कहा, यह "नियमित पैटर्न का उपयोग करके चित्र से लगातार अंतराल पर भ्रांतिमूलक स्थान को बाहर निकालता है।" उन्होंने अपने कुछ पहले और सबसे प्रिय कामों, अपने प्रतीकात्मक "काले चित्रों" को बनाने के लिए इस सरल दृष्टिकोण पर भरोसा किया, जैसे कि रिज़न और गंदगी का विवाह, II. इन कार्यों में पूरी तरह से काले रंग के रंग से ढकी हुई समतल सतहें थीं, जिनमें ज्यामितीय समरूप सफेद रेखाओं का अतिरिक्त था।

स्टेला की ब्लैक पेंटिंग्स ने उन्हें तुरंत प्रसिद्ध बना दिया जब वे पहली बार प्रदर्शित हुईं। वे आधुनिकतावादी कला के इतिहास में पहली बार ज्यादातर काले अमूर्त चित्र नहीं थीं। वे पहले ज्यामितीय अमूर्त कार्य भी नहीं थीं, या पहले सपाट सतह की पेंटिंग भी नहीं थीं। जो चीज़ उन्हें क्रांतिकारी बनाती थी, वह थी उनकी पूरी तरह से वस्तुनिष्ठ उपस्थिति। वे किसी भी प्रकार की व्याख्या के लिए बिल्कुल भी खुली नहीं थीं। उनमें कोई सामग्री नहीं थी। वे बस सौंदर्यात्मक वस्तुएं थीं, जिन्हें अपनी औपचारिक, वस्तुनिष्ठ गुणों के अनुसार विचार करने की मांग थी। पेंटिंग के भीतर छिपी किसी चीज़ से या काम में किसी व्याख्यात्मक तत्व से अनुभव की गई आध्यात्मिकता के बजाय, स्टेला ने इन पेंटिंग्स के दर्शकों के लिए जो एकमात्र आध्यात्मिक अनुभव निर्धारित किया, वह एक सौंदर्यात्मक वस्तु के साथ अपने शर्तों पर बातचीत करने की मनोवैज्ञानिक राहत से आया।

फ्रैंक स्टेला - हैरान II, 1967, पॉलिमर और फ्लोरोसेंट पेंट कैनवास पर, 120 × 240 इंच। © फ्रैंक स्टेला

एक जीवन भर का प्रयोग

1950 के दशक में अपने ब्लैक पेंटिंग्स के साथ प्रसिद्धि पाने के बाद, स्टेला ने अपने कामों में एक जीवंत रंग पैलेट जोड़ा और अपने कैनवस को आकार देना शुरू किया ताकि वह बिना अनयूज्ड सतह की उपस्थिति के पेंटेड फॉर्म बना सकें। आने वाले दशकों में, उन्होंने सौंदर्यात्मक स्थान की सीमाओं को चुनौती देना जारी रखा, ऐसे पेंटिंग्स बनाते हुए जो तीन-आयामी वास्तविकता को एक स्पर्शनीय, वस्तुगत चीज के रूप में प्रस्तुत करते थे, न कि एक भ्रांति के रूप में।

हालाँकि स्टेला के व्यापक और बहुआयामी कार्य ने कई बार विकास किया है, यह हमेशा कला को वस्तु के रूप में उनके मूल विश्वास को दर्शाता है। उनके प्रयासों का प्रभाव ऐसे आंदोलनों पर पड़ा है जो पोस्ट-पेंटरली एब्स्ट्रैक्शन, मिनिमलिज़्म, पॉप आर्ट और ऑप-आर्ट तक फैले हुए हैं। उनके विचारों की विरासत यह है कि हम एक अद्वितीय कलाकृति की भौतिक उपस्थिति में होने के कीमती सार को जानते हैं। स्टेला के काम की एक तस्वीर अपर्याप्त है। केवल वस्तु स्वयं ही पर्याप्त है। चाहे हमें काम पसंद हो या नहीं, यह अप्रासंगिक है। काम स्वयं में नकारात्मक नहीं है।

विशेष छवि:  फ्रैंक स्टेला - जिल, 1959, एनामेल ऑन कैनवास, 90 x 78 इंच. © फ्रैंक स्टेला
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा