20वीं सदी का ऑप्टिकल इल्यूजन आर्ट

वास्तविकता हमेशा स्थिर नहीं होती; या कम से कम यह मानव मन को ऐसा लग सकता है। हम जो मानते हैं वह कुछ हद तक इस पर आधारित है कि हम क्या अनुभव करते हैं, लेकिन जो हम अनुभव करते हैं वह कभी-कभी इस पर निर्भर करता है कि हम क्या मानते हैं। ऑप्टिकल भ्रम कला, या संक्षेप में ओप कला, एक सौंदर्यशास्त्र शैली है जो जानबूझकर मानव अनुभव की उस अजीबता का लाभ उठाती है जो मानव आंख को मानव मस्तिष्क को धोखा देने की क्षमता देती है। पैटर्न, आकार, रंग, सामग्री और रूपों में हेरफेर करके, ओप कलाकार ऐसे घटनाक्रम बनाने का प्रयास करते हैं जो आंख को धोखा देते हैं, दर्शकों को यह देखने के लिए भ्रमित करते हैं कि वास्तव में वहां क्या है। और चूंकि विश्वास तथ्य के रूप में प्रभावशाली हो सकता है, ओप कला यह सवाल उठाती है कि क्या अधिक महत्वपूर्ण है: अनुभव या सत्य।

ऑप्टिकल इल्यूजन आर्ट का संक्षिप्त इतिहास

ऑप आर्ट की जड़ें एक तकनीक में हैं जिसे trompe-l'œil कहा जाता है, जो फ्रेंच में आंख को धोखा देना के लिए है। कला में ऐसी प्रवृत्तियों के सबसे पुराने संदर्भ प्राचीनता में मिलते हैं, जब प्राचीन ग्रीक कलाकारों ने चित्रों को इतना यथार्थवादी बनाने की कोशिश की कि लोग सचमुच यह मानने के लिए धोखा खा जाएं कि उनकी छवियाँ असली हैं। यह तकनीक सदियों में कई बार फैशन में आई और गई, 19वीं सदी में trompe-l'œil चित्रों के साथ अपने चरम पर पहुंची, जैसे कि Escaping Criticism, जिसे 1874 में पेरे बोरेल डेल कासो ने चित्रित किया, जो एक बच्चे की एक हाइपर-यथार्थवादी छवि दिखाता है जो एक चित्र फ्रेम से बाहर चढ़ रहा है।

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

लेकिन हालांकि आंख को धोखा देने के लिए भी इरादा किया गया, ओप आर्ट हाइपर-यथार्थवादी कला के समान नहीं है। वास्तव में, ओप आर्ट जैसा कि हम आज जानते हैं, अधिकतर अमूर्त होता है, जो आंख को यह विश्वास दिलाने के लिए ज्यामितीय रचनाओं पर निर्भर करता है कि अवास्तविक रूप और स्थानिक स्तर मौजूद हैं। पहली अमूर्त तकनीक जिसे आंख को धोखा देने के लिए डिज़ाइन किया गया था, उसे पॉइंटिलिज़्म कहा जाता था। रंगों को पहले से मिलाने के बजाय, पॉइंटिलिस्ट चित्रकारों ने कैनवास पर एक-दूसरे के बगल में बिना मिलाए रंग रखे, जिससे ठोस रंगों के क्षेत्रों का भ्रम पैदा हुआ। जब इन चित्रों को दूर से देखा जाता है, तो ऐसा लगता है कि रंग मिल गए हैं। जॉर्ज स्यूराट ने पॉइंटिलिज़्म का आविष्कार किया और लाइटहाउस एट हॉनफ्लर जैसी पेंटिंग्स के साथ इस प्रभाव में महारत हासिल की।

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

अमूर्त भ्रम

पॉइंटिलिज़्म के पीछे का सिद्धांत अंततः कई अन्य तकनीकों को जन्म दिया क्योंकि कलाकारों ने चित्र को पूरा करने के लिए मन को धोखा देने के तरीके खोजे। इसने इतालवी भविष्यवादियों के डिवीजनिज़्म और क्यूबिज़्म के चार-आयामी समतलों को प्रेरित किया। लेकिन इसका सबसे सफल अनुप्रयोग तब आया जब इसे ज्यामितीय अमूर्तता की सौंदर्यशास्त्र के साथ जोड़ा गया, जैसे कि अमूर्त ज्यामितीय उत्कीर्णन संरचनात्मक नक्षत्र, जिसे 1913 में जोसेफ अल्बर्स द्वारा चित्रित किया गया था।

अपने स्वयं के बयानों के अनुसार, अल्बर्स इस काम के साथ एक ऑप्टिकल भ्रम बनाने की कोशिश नहीं कर रहे थे। वह दो-आयामी सतह पर रेखाओं और रूपों की धारणा के संबंध में सरल संरचनात्मक प्रयोगों में लगे हुए थे। फिर भी, उन्होंने यह खोजा कि सतह पर रेखाओं, रूपों और रंगों की व्यवस्था वास्तव में यह बदल सकती है कि मन वास्तविकता को कैसे perceives करता है। और हालांकि उन्होंने अपने कामों के साथ दर्शकों को धोखा देने की जानबूझकर कोशिश नहीं की, फिर भी उन्होंने इन प्रभावों की जांच में एक जीवन व्यतीत किया।

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

ज़ेब्रास और शतरंज की बिसात

विक्टर वासारेली, अल्बर्स के समकालीन, ने वास्तव में अपने कला के माध्यम से दर्शकों को धोखा देने के तरीकों को खोजने के लिए एक सचेत प्रयास किया। वासारेली एक वैज्ञानिक के रूप में उतने ही थे जितने कि एक चित्रकार के रूप में, और वे विशेष रूप से इस बात में रुचि रखते थे कि ये दोनों प्रयास कैसे एक साथ मिलकर धारणा को प्रभावित करते हैं। 1920 के दशक में, कलाकार ने सीखा कि केवल रेखा के हेरफेर के माध्यम से वह पूरी तरह से एक द्वि-आयामी सतह को इस तरह विकृत कर सकता है कि यह मन को इसे त्रि-आयामी स्थान के रूप में देखने के लिए धोखा दे।

वसारेली ने अपने काम में बार-बार जिस विषय की ओर रुख किया, वह ज़ेब्रा था। इस जानवर की धारियाँ वास्तव में प्राकृतिक शिकारी को धोखा देने का काम करती हैं, जो यह नहीं बता पाते कि जानवर किस दिशा में दौड़ रहा है, क्योंकि इसकी काली और सफेद धारियों का अपने आस-पास के वातावरण के साथ खेल होता है। जब उसने इस घटना के रहस्यों को उजागर किया, तो उसने उन्हें अधिक जटिल ज्यामितीय रचनाओं पर लागू किया, और 1960 के दशक तक एक विशिष्ट शैली बनाई, जिसने आज के आधुनिकतावादी ओप आर्ट आंदोलन को प्रेरित किया। 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

काला और सफेद

20वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध ऑप्टिकल इल्यूजन कलाकारों में से एक ब्रिटिश कलाकार ब्रिजेट रिले थीं, जो विक्टर वासारेली के काम से सीधे प्रेरित थीं। रिले ने 1950 के दशक की शुरुआत में रॉयल कॉलेज ऑफ आर्ट में अध्ययन किया। उनका प्रारंभिक काम चित्रात्मक था, लेकिन एक विज्ञापन फर्म में चित्रकार के रूप में नौकरी करने के बाद वह दृश्य भ्रांतियों को बनाने में अधिक रुचि रखने लगीं। उन्होंने पॉइंटिलिज़्म और फिर डिवीजनिज़्म का अध्ययन करना शुरू किया और अंततः काले और सफेद ज्यामितीय अमूर्तता पर आधारित अपने स्वयं के हस्ताक्षर शैली के ऑप आर्ट का विकास किया।

राइली ने अपने काम में ऑप्टिकल इल्यूज़न बनाने में इतनी सफलता हासिल की कि दर्शकों ने कभी-कभी उसकी पेंटिंग्स को देखते समय समुद्री बीमारी या गति बीमारी का अनुभव करने की रिपोर्ट की। यह घटना राइली को मोहित कर गई, जिसने यह विश्वास करना शुरू कर दिया कि धारणा और वास्तविकता के बीच की रेखा वास्तव में काफी नाजुक है, और कि एक भ्रांति के कारण उत्पन्न विश्वास वास्तव में भौतिक दुनिया में वास्तविक परिणाम उत्पन्न कर सकता है। राइली ने कहा, “एक समय था जब अर्थ केंद्रित थे और वास्तविकता को निश्चित किया जा सकता था; जब उस प्रकार का विश्वास गायब हो गया, चीजें अनिश्चित और व्याख्या के लिए खुली हो गईं।”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

प्रतिक्रियात्मक आँख

आधुनिकतावादी ओप आर्ट आंदोलन की ऊंचाई 1965 में संयुक्त राज्य अमेरिका में दौरे पर आई एक प्रदर्शनी "द रिस्पॉन्सिव आई" के साथ आई। इस प्रदर्शनी में दर्जनों कलाकारों द्वारा 120 से अधिक कलाकृतियाँ शामिल थीं, जो विभिन्न सौंदर्यात्मक दृष्टिकोणों का प्रतिनिधित्व करती थीं। शो में विक्टर वासारेली और ब्रिजेट राइली के अत्यधिक भ्रांतिपूर्ण कार्यों के साथ-साथ फ्रैंक स्टेला और अलेक्जेंडर लिबरमैन जैसे कलाकारों के अधिक संयमित ज्यामितीय अमूर्त कार्य और वें-यिंग त्साई और कार्लोस क्रूज़-डिएज़ जैसे कलाकारों के गतिशील मूर्तियाँ शामिल थीं।

The Responsive Eye समूह में शामिल थे मूर्तिकार Jesús Rafael Soto, जिन्होंने शायद Op Art को तीन-आयामी धारणा के क्षेत्र में सबसे आगे बढ़ाया एक कार्य के समूह के साथ जिसे Penetrables कहा जाता है। ये इंटरैक्टिव रचनाएँ सौ से अधिक आंशिक रूप से रंगीन, लटकते प्लास्टिक ट्यूबों से बनी होती हैं जिनके माध्यम से दर्शक चल सकते हैं। जब इन्हें छेड़ा नहीं जाता है, तो ये एक प्रभावशाली भ्रांति प्रस्तुत करते हैं कि एक ठोस रूप अंतरिक्ष में तैर रहा है। लेकिन जब दर्शक मूर्तियों के साथ शारीरिक रूप से इंटरैक्ट करते हैं, तो भ्रांति समाप्त हो जाती है, यह धारणा देते हुए कि एक ठोस वास्तविकता वास्तव में मानव स्पर्श द्वारा विकृत और परिवर्तित की जा सकती है।

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

ऑप आर्ट विरासत

ओप आर्ट का आशीर्वाद और श्राप इसकी लोकप्रियता है। जब यह आंदोलन 1960 के दशक में अपने चरम पर था, तो कई आलोचकों ने इसे नापसंद किया क्योंकि इसकी छवियों का बेतहाशा उपयोग किट्स सामान जैसे टी-शर्ट, कॉफी मग और पोस्टरों के निर्माताओं द्वारा किया गया था। लेकिन विक्टर वासारेली और जीसस राफेल सोतो जैसे कलाकारों के लिए, यही तो बात थी।

इन रचनात्मक लोगों का मानना था कि कला के काम का मूल्य इस बात से निर्धारित होता है कि एक दर्शक उसकी पूर्णता में कितनी भागीदारी कर सकता है। उन्होंने ऐसे सौंदर्यात्मक घटनाएँ बनाई जो प्रत्येक नए दर्शक के अनुसार अनुकूलित होती हैं, जिससे अनंत व्याख्यात्मक संभावनाएँ उत्पन्न होती हैं। यह तथ्य कि उनकी कला का उपभोग सामूहिक स्तर पर किया गया, उनके सिद्धांत के साथ पूरी तरह से मेल खाता है, जो यह है कि लोगों और कला के बीच कोई बाधा नहीं होनी चाहिए, और जो भी बाधाएँ प्रतीत होती हैं, वे केवल हमारी धारणा में ही होती हैं।

विशेष छवि: विक्टर वासारेली - वेगा-नॉर, 1969। ऐक्रेलिक ऑन कैनवास। 200 x 200 सेमी। © विक्टर वासारेली
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा