जोसेफ अल्बर्स और रंगों की अंतःक्रिया

आधुनिकतावादी इतिहास के दौरान कलाकारों के बीच एक निरंतर संवाद ने यह निर्धारित करने का प्रयास किया है कि चित्रकला का सबसे महत्वपूर्ण तत्व क्या है। कुछ कहते हैं रूप। कुछ कहते हैं रेखा। कुछ कहते हैं सतह। कुछ कहते हैं विषय वस्तु। अपने कला, लेखन और अत्यधिक प्रभावशाली शिक्षण पदों के माध्यम से, जोसेफ अल्बर्स ने अपने पूरे करियर का लगभग पूरा हिस्सा इस प्रस्ताव की खोज में समर्पित किया कि चित्रकला में सबसे महत्वपूर्ण तत्व रंग है। उनके शोध ने न्यूनतमवाद, रंग क्षेत्र के चित्रकारों, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, ओप आर्ट को प्रभावित किया, और एक नई पीढ़ी के अमूर्त कलाकारों को प्रेरित करना जारी रखता है। हालांकि अल्बर्स का निधन 1976 में हो गया, उनके विषय पर महत्वपूर्ण पुस्तक, रंग का अंतःक्रिया, अभी भी युवा कलाकारों के लिए पढ़ने के लिए सबसे महत्वपूर्ण पाठ मानी जाती है जब वे यह समझने की कोशिश कर रहे होते हैं कि मानव आंखें रंग को जटिल तरीकों से कैसे देखती हैं।

जोसेफ आल्बर्स और बौहाउस

अलबर्स का जन्म 1888 में हुआ, और वह एक पेशेवर कलाकार बनने से पहले एक शिक्षक थे। उन्होंने अपने छोटे जर्मन शहर के पास प्राथमिक छात्रों को सामान्य अध्ययन की कक्षा पढ़ाने के साथ अपने करियर की शुरुआत की। 1919 में, बौहाउस का उद्घाटन वाइमर, जर्मनी में हुआ, जो एक ऐसी शिक्षा प्रदान करता था जो पहले कभी नहीं दी गई थी। बौहाउस के संस्थापकों का इरादा इसे एक ऐसा स्थान बनाना था जहाँ कलाकार और डिजाइनर एक साथ प्रशिक्षण लें और एक समग्र कला पर दृष्टिकोण विकसित करने की खोज करें। अल्बर्स ने अगले वर्ष, 1920 में, जब वह 32 वर्ष के थे, बौहाउस में दाखिला लिया। पांच साल बाद, वह बौहाउस में मास्टर प्रशिक्षक के रूप में शामिल होने के लिए आमंत्रित होने वाले पहले छात्र बन गए।

जोसेफ अल्बर्स - टेनेयुका के लिए अध्ययन, 1940, कागज पर पेंसिल, 6 × 11 ½ इंच, संग्रह SFMOMA। © जोसेफ और अन्नी अल्बर्स फाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

बौहॉस में रहते हुए, अल्बर्स ने न केवल कला बनाने के अपने दृष्टिकोण को विकसित किया, बल्कि कला सिखाने के अपने दृष्टिकोण को भी। हालांकि वह व्यक्तिगत रूप से तकनीक पर बहुत ध्यान केंद्रित करते थे, उन्होंने महसूस किया कि वह अपनी कक्षा का समय तकनीक सिखाने में नहीं बिताएंगे। बल्कि, उन्होंने निर्णय लिया कि वह कला के बारे में सोचने का एक तरीका सिखाने पर ध्यान केंद्रित करेंगे। उन्होंने अपनी कला के लिए एक विचारशील, वैज्ञानिक दृष्टिकोण अपनाया, और उन्होंने विश्वास किया कि छात्रों को देने के लिए सबसे महत्वपूर्ण चीज़ यह थी कि उन्हें दुनिया को पहले से अलग तरीके से देखने का एक तरीका मिले। एक शिक्षक के रूप में उनका stated लक्ष्य था "आंखें खोलना।"

जब नाज़ी दबाव ने 1933 में बौहाउस को बंद कर दिया, तो अल्बर्स अमेरिका आए और उत्तरी कैरोलिना के नए खोले गए ब्लैक माउंटेन कॉलेज में पढ़ाने लगे। 1950 में उन्होंने उस पद को छोड़ दिया और येल में डिज़ाइन विभाग का प्रमुख बनने चले गए। इस दौरान उनके छात्रों में कई ऐसे लोग शामिल थे जो 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से कुछ बन गए, जिनमें रॉबर्ट रॉशेनबर्ग , विलेम डी कूनिंग, एवा हेसे और साइ ट्वॉम्बली.

जोसेफ अल्बर्स -टेनेयुका, 1943, ऑयल ऑन मैसनाइट, 22 ½ x 43 ½ इंच, संग्रह SFMOMA. © द जोसेफ और अन्नी अल्बर्स फाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

रंगों का अंतःक्रिया

कई कलाकारों, आलोचकों और दर्शकों द्वारा अल्बर्स पर जो आलोचनाएँ की गई हैं, उनमें से एक यह है कि उनका काम निस्वार्थ प्रतीत होता है। इसका कारण निश्चित रूप से अल्बर्स के अपने कला के प्रति वैज्ञानिक दृष्टिकोण से संबंधित है। उदाहरण के लिए, उनके कई कामों के पीछे वह विस्तार से लिखते हैं कि उस कृति में कौन-कौन से रंग उपयोग किए गए हैं। लेकिन अल्बर्स के काम में गहरी भावना और काफी मनोविज्ञान भी मौजूद है। अल्बर्स इस बात में रुचि रखते थे कि रंग एक-दूसरे के साथ कैसे इंटरैक्ट करते हैं, और उस इंटरैक्शन का मानव धारणा पर क्या प्रभाव पड़ता है। उन्होंने जो प्रमुख खोज की, वह यह है कि मानव beings आसानी से भ्रांति के प्रति संवेदनशील होते हैं, जिसे उन्होंने अपनी कला के माध्यम से आसानी से प्रदर्शित करने योग्य माना।

1963 में, येल विश्वविद्यालय में रहते हुए, अल्बर्स ने The Interaction of Color नामक एक पुस्तक लिखी, जिसमें रंगों के आपसी संबंधों के बारे में उनके सभी खोजों का विस्तृत विवरण दिया गया है। इस पुस्तक में विस्तृत पाठ, प्रयोग और ग्राफिक्स शामिल हैं जो बताते हैं कि कैसे कुछ रंग अन्य रंगों को तटस्थ या परिवर्तित करते हैं, कैसे प्रकाश रंग को प्रभावित करता है, और कैसे उन्होंने जो "सामान्य मानव आंख" कहा, वह कुछ रंगीय घटनाओं को समझने में असमर्थ थी क्योंकि इसकी संवेदनात्मक क्षमताओं की सीमाएँ थीं। यदि हम इस पुस्तक पर एक वैचारिक स्तर पर विचार करें, जैसे कि उनके चित्रों के साथ, तो पाठ रंग के बारे में नहीं हैं, बल्कि इस तथ्य के बारे में हैं कि मनुष्य अपनी धारणा में सीमित हैं, और यदि कलाकार इन सीमाओं को समझ सकते हैं, तो वे संभावित रूप से उन लोगों की धारणा की सीमा को बढ़ा सकते हैं जो उनके काम का सामना करते हैं।

'स्क्वायर को श्रद्धांजलि'

अपने रंगों पर लेखन के अलावा, अल्बर्स ने अपने जीवन के 27 वर्ष एक श्रृंखला चित्रों को बनाने में समर्पित किए, जिसे स्क्वायर को श्रद्धांजलि कहा जाता है। इस श्रृंखला ने विभिन्न रंगों के स्क्वायर के अन्वेषण के माध्यम से उनके रंग सिद्धांत को प्रदर्शित किया। एक ही ज्यामितीय रूप का बार-बार उपयोग करके, वह विभिन्न रंगों को सीमित स्थानिक संरचनाओं के भीतर एक साथ रखकर प्राप्त किए जा सकने वाले विशाल धारणा संबंधी घटनाओं की जांच करने में सक्षम थे।

जब अल्बर्स ने 1949 में अपने स्क्वायर को श्रद्धांजलि चित्र बनाना शुरू किया, तो यहां तक कि कलाकारों ने भी उन्हें largely अनदेखा कर दिया। उस समय कला की दुनिया विशाल आकार के, गतिशील एक्शन पेंटिंग्स द्वारा प्रभुत्व में थी। अल्बर्स के चित्र अपेक्षाकृत छोटे और बहुत नियंत्रित थे। वे डिज़ाइन किए गए थे। अल्बर्स ने एक बार डिज़ाइन को इस प्रकार परिभाषित किया, "योजना बनाना और व्यवस्थित करना, आदेश देना, संबंधित करना और नियंत्रित करना। संक्षेप में, यह सभी साधनों को गड़बड़ी और आकस्मिकता के खिलाफ शामिल करता है।" एक समय जब अमूर्त अभिव्यक्तिवाद प्रमुख शैली थी, डिज़ाइन की गई, प्रतीत होने वाली बिना भावना वाली पेंटिंग्स जैसे पाप थीं।

1960 के दशक तक कला की दुनिया अल्बर्स के साथ जुड़ गई और वह एक कलाकार के रूप में उतना ही सम्मानित हो गया जितना कि वह एक शिक्षक, लेखक और दार्शनिक के रूप में पहले से था। उस सम्मान का कुछ हिस्सा उसे बड़े पैमाने पर सार्वजनिक कार्यों के लिए प्राप्त कमीशन की एक श्रृंखला से मिला, कुछ वास्तु तत्वों के रूप में और कुछ भित्ति चित्रों के रूप में। अल्बर्स के वास्तु कार्यों में से एक सबसे प्रारंभिक कार्य हार्वर्ड विश्वविद्यालय के हार्कनेस कॉमन ग्रेजुएट सेंटर के लिए बनाया गया एक दीवार था। उनके भित्ति चित्रों में न्यूयॉर्क के रॉकफेलर सेंटर में टाइम और लाइफ बिल्डिंग, पैन एम सेंटर और कॉर्निंग ग्लास बिल्डिंग के लिए किए गए कार्य शामिल थे। 1971 में, 83 वर्ष की आयु में, अल्बर्स न्यूयॉर्क के मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट द्वारा एकल प्रदर्शनी से सम्मानित होने वाले पहले जीवित कलाकार बन गए। 

जोसेफ अल्बर्स - ईंट, 1950, 71⁄2 × 8 फीट, 2.3 × 2.5 मीटर, हार्कनेस कॉमन ग्रेजुएट सेंटर, हार्वर्ड यूनिवर्सिटी। © द जोसेफ और अन्नी अल्बर्स फाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

एक स्थायी छाप

अपने प्रशिक्षण के प्रारंभ में, अल्बर्स गहरे प्रभावित हुए थे इंप्रेशनिस्टों से, विशेष रूप से पॉइंटिलिस्टों से, जिन्होंने छोटे बिंदुओं में एक साथ रखे गए पूरक रंगों के माध्यम से बनाए गए रंग के "इंप्रेशन" की खोज की, बजाय इसके कि रंगों को पहले से मिलाया जाए। एक मित्र के लिए लिखे गए एक कविता में, जिसमें लोगों की आदत के बारे में बात की गई थी कि वे भीड़ का अनुसरण करते हैं बजाय इसके कि वे खुद सोचें, अल्बर्स ने एक बार लिखा: "हर कोई अपने पड़ोसी के माध्यम से अपनी जगह का अनुभव करता है।" एक इंप्रेशनिस्ट पेंटिंग की तरह, जिसे दूर से देखा जाता है, अल्बर्स ने समाज को कई व्यक्तियों के रूप में देखा जो एक सामान्य चित्र बनाने के लिए मिलकर काम कर रहे हैं।

उसने अपने जीवन को एक अनोखे रास्ते पर चलने, अपनी दृष्टि को अलग करने और उसके प्रति सच्चा रहने के लिए समर्पित किया। जब हम यह अध्ययन करते हैं कि कैसे व्यक्तिगत रंग एक-दूसरे के निकट होने पर एक-दूसरे को प्रभावित करते हैं, और मनुष्यों की भ्रांति से धोखा खाने की क्षमता के बारे में, तो हम न केवल उसकी कलाकृति और चित्रकला के बारे में उसके पाठों की सराहना कर सकते हैं, बल्कि अपने बारे में कुछ मौलिक भी समझ सकते हैं।

विशेष छवि: जोसेफ अल्बर्स - पोर्टल्स, टाइम लाइफ बिल्डिंग, 1961। © द जोसेफ और अन्नी अल्बर्स फाउंडेशन / आर्टिस्ट्स राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा