अमेरिकी अमूर्तता में महिलाएँ, 1930-1950

अमेरिकी अमूर्त कलाकारों को 1930 और 1940 के दशकों में कई बाधाओं का सामना करना पड़ा। एक ऐसी विधा में प्रवेश करते हुए जो अभी भी यथार्थवाद से नियंत्रित थी और शक्तिशाली कला समीक्षकों और संस्थानों के अधीन थी, अमूर्त कलाकारों को अपनी कला को बढ़ावा देने और एक तेजी से अशांत होती दुनिया में स्वीकृति पाने के लिए रचनात्मक तरीके खोजने पड़े। इस क्षेत्र में अग्रणी थीं साहसी, प्रतिभाशाली महिला कलाकारें जिन्हें युद्ध पूर्व और युद्धोत्तर काल में जटिल सामाजिक और सांस्कृतिक परिस्थितियों से भी गुजरना पड़ा। आज तक, उनके योगदान को अक्सर पुरुष अग्रदूतों के पक्ष में नजरअंदाज किया गया है। हालांकि, कला के इतिहास को पूरी तरह समझने के लिए, हमें उन महिलाओं को पहचानना होगा जिन्होंने अपनी रचनात्मकता, सौंदर्यशास्त्र और समर्थन के माध्यम से अमूर्त कला के लिए मार्ग प्रशस्त किया।

प्रारंभिक अमूर्तता

अमूर्तता को व्यापक रूप से माना जाता है कि यह उन्नीसवीं सदी के अंत में यूरोप में शुरू हुई जब कुछ कलाकार यथार्थवाद से हटकर आकृतियों, बनावटों और रंगों का अधिक विस्तार से अन्वेषण करने लगे। तकनीकी प्रगति, जिसमें संचार और यात्रा में वृद्धि शामिल थी, ने यूरोपीय और अमेरिकी कलाकारों को पहले से कहीं अधिक विचारों का आदान-प्रदान करने की अनुमति दी। इसी तरह, प्रथम और द्वितीय विश्व युद्ध के आतंक से भागते हुए कई यूरोपीय कलाकार नई तकनीकें और सिद्धांत संयुक्त राज्य अमेरिका लेकर आए। इससे अमेरिकी कलाकारों का एक बढ़ता हुआ समूह अमूर्त कला में रुचि लेने लगा, जिनमें से कई ने यूरोप में कलाकारों से मुलाकात की या संयुक्त राज्य में रहने वाले यूरोपीय शरणार्थियों से पाठ्यक्रम लिए। हालांकि, अमेरिकी कला प्रतिष्ठान ने अमूर्त कला को विशेष रूप से नापसंद किया, जिसने अमूर्त कलाकारों को दीर्घाओं और संग्रहालयों में प्रदर्शनी से रोका, प्रेस में उन्हें काला सूचीबद्ध किया, और सफल करियर बनाने से वंचित रखा।

महिलाओं के लिए अवसर

1930 के दशक की उथल-पुथल ने आश्चर्यजनक रूप से अमेरिका में अमूर्त कलाकारों के लिए द्वार खोल दिए। महामंदी के दौरान कला समुदाय में उच्च बेरोजगारी के जवाब में, संयुक्त राज्य सरकार ने वर्क्स प्रोग्रेस एडमिनिस्ट्रेशन (WPA) संघीय कला परियोजना बनाई। सभी पृष्ठभूमि के कलाकारों (महिलाओं और अमूर्त कलाकारों सहित) को महामंदी और युद्धकाल के वर्षों में सरकारी प्रायोजित कला परियोजनाओं पर वेतनभोगी पद प्रदान किए गए। हजारों कलाकारों को नियुक्त किया गया, जिनमें भविष्य की अग्रणी कलाकारें जैसे Lee Krasner, डोर बोथवेल, और लुईस नेवेलसन शामिल थीं, जिन्होंने संयुक्त राज्य भर के संस्थानों को भित्ति चित्रों, चित्रों और अन्य डिजाइनों से सजाया। अन्य कलाकार, जैसे आइरीन राइस पेरेरा, ने संघीय वित्त पोषित कला विद्यालय स्थापित करने में मदद की ताकि वंचित छात्रों को कला कक्षाएं प्रदान की जा सकें। इन अनूठे कार्यक्रमों का लाभ उठाते हुए, महिला कलाकार कला के माध्यम से आय अर्जित कर सकीं और शिक्षण, कला निर्माण और सार्वजनिक सहभागिता में महत्वपूर्ण अनुभव प्राप्त किया। ये कौशल अमूर्त कला की विविध विधा और अपने करियर को बनाने, प्रबंधित करने और बढ़ावा देने में सहायक सिद्ध हुए।

अन्य महिलाओं में एलिस ट्रम्बुल मेसन, एस्फिर स्लोबोदकिना, और रे कैसर (बाद में ईम्स) शामिल थीं, जिन्होंने एक नया संगठन, अमेरिकन अमूर्त कलाकार (AAA), बनाया ताकि अमूर्त कला को जनता तक पहुँचाया जा सके और कलाकारों के लिए प्रदर्शनी स्थान प्रदान किए जा सकें। 1936 में न्यूयॉर्क शहर में स्थापित AAA, उसी वर्ष म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट द्वारा आयोजित अमूर्त कला पर पहली प्रदर्शनी के जवाब में बना था। इस प्रदर्शनी, जिसका शीर्षक क्यूबिज्म और अमूर्त कला था, में लगभग पूरी तरह से यूरोपीय कलाकार शामिल थे – जो अमेरिकी अमूर्त कलाकारों की संस्थागत अस्वीकृति को दर्शाता है। स्लोबोदकिना ने AAA का ऐतिहासिक सारांश लिखा, जो आज भी उनकी वेबसाइट पर प्रकाशित है, जिसमें इस समूह की अत्यंत आवश्यकता को संक्षेप में बताया गया है: “ऐसे कौन से हालात थे जिनके तहत यह अनूठा संगठन उभरा और तेजी से जड़ें जमा लीं? ... वर्ष था 1936। स्थान – न्यूयॉर्क शहर। काल – आर्थिक मंदी, और आम जनता का वर्तमान उन्नत सौंदर्य प्रवृत्तियों से लगभग पूर्ण अलगाव।”

एक वर्ष के भीतर, AAA ने न्यूयॉर्क के स्क्विब गैलरियों में अपनी पहली प्रदर्शनी आयोजित की। हालांकि यह प्रदर्शनी अच्छी उपस्थिति और सामान्यतः सकारात्मक सार्वजनिक प्रतिक्रिया प्राप्त हुई, फिर भी प्रेस ने शत्रुता दिखाई। हालांकि, AAA ने कई स्थानीय स्थानों में प्रदर्शन जारी रखा, धीरे-धीरे प्रशंसकों और संग्रहकर्ताओं का बढ़ता हुआ आधार बनाया, भले ही महामंदी और द्वितीय विश्व युद्ध ने मनोबल को कम किया और जेबें हल्की कीं। महिलाओं ने AAA में प्रमुख भूमिका निभाई, प्रदर्शनों में मुख्य स्थान लिया, समीक्षाएं लिखीं, और नेतृत्व पदों पर रहीं – जिनमें संस्थापक मेसन और स्लोबोदकिना शामिल थीं, जिन्होंने दोनों ने AAA के अध्यक्ष के रूप में कार्य किया।

चार्मियन वॉन वाईगंड (1896-1983), शीर्षक रहित, लगभग 1942। कागज पर चिपकाया गया, अपारदर्शी जलरंग और कलम और स्याही, 8 1/2 × 8 1/16 इंच (21.6 × 20.5 सेमी)। व्हिटनी म्यूजियम ऑफ अमेरिकन आर्ट, न्यूयॉर्क; एलिस और लियो यामिन के उपहार 91.84.5। © चार्मियन वॉन वाईगंड की संपत्ति; माइकल रोसेनफेल्ड गैलरी LLC, न्यूयॉर्क, NY की अनुमति से

समीक्षात्मक स्वीकृति

हालांकि, जब अमूर्त कला अमेरिकी संस्कृति में जगह बनाने लगी, तब भी महिलाओं को महत्वपूर्ण कठिनाइयों का सामना करना पड़ा। युद्ध के दौरान महिलाओं को घर के बाहर काम करने की अनुमति मिलने के बावजूद, महिला कलाकारों की आलोचना की गई क्योंकि उनका काम केवल घरेलू या युद्ध-संबंधित नहीं था। इस काल के कई अग्रदूतों को उनके प्रसिद्ध पतियों के लिए अधिक याद किया जाता है बजाय उनके अमूर्त कला में योगदान के, जिनमें रे कैसर (बाद में ईम्स, चार्ल्स ईम्स की पत्नी), Lee Krasner (जैक्सन पोलक की पत्नी) और एलेन डी कूनिंग (विलेम डी कूनिंग की पत्नी) शामिल हैं। हालांकि, उनके कलात्मक प्रभाव को उनके पतियों पर नकारा नहीं जा सकता। उदाहरण के लिए, कैसर, एक उच्च प्रशिक्षित कलाकार, ने अपने वास्तुकार पति के साथ कई परियोजनाओं पर सहयोग किया। उनके जैविक रूपों और स्थानों के बीच तनाव का उपयोग उनके डिजाइनों की मुख्य विशेषता है और यही कारण है कि ईम्स नाम इतना प्रसिद्ध हुआ। इसी तरह, Krasner ने 1956 में पोलक की असमय मृत्यु के बाद उनकी विरासत को बढ़ावा देने के लिए जो प्रयास किए, वे आज उनके कार्य की प्रशंसा का मुख्य कारण हैं।

कई दीर्घाओं और संग्रहालयों ने भी महिला कलाकारों को प्रदर्शित करने से इनकार किया: अमूर्त अभिव्यक्ति के बड़े समर्थक गैलरिस्ट सैमुअल कूट्ज़ ने कथित तौर पर कहा कि ऐसा इसलिए था क्योंकि वे बहुत परेशानी में डालती थीं। दूसरी ओर, कई समीक्षक शुरू में महिला अमूर्त कलाकारों के कार्यों की सराहना करते थे – जब तक कि उन्हें पता नहीं चलता था कि कलाकार महिला है। Krasner ने बताया कि एक बार एक समीक्षक ने उनके काम के बारे में कहा: “हमें समय रहते पता चल गया कि कलाकार महिला है, इसलिए हमने अपनी उत्सुकता को रोक लिया।” परिणामस्वरूप, कई कलाकारों ने अपनी स्त्रीत्व छिपाने के लिए अपने नाम बदले। आइरीन राइस पेरेरा ने अपने गतिशील ज्यामितीय चित्रों को I. Rice Pereira के नाम से प्रदर्शित किया। इसी तरह, कलाकार डोर बोथवेल ने अपने नाम को डोरिस से कानूनी रूप से बदल दिया ताकि उनके अतियथार्थवादी कार्यों के लिए समीक्षकों से अधिक अनुकूल प्रतिक्रिया मिल सके। इसके बावजूद, आंदोलन के कई पुरुष नेताओं ने इन कलाकारों के कार्यों को उनकी स्त्रीत्व के संदर्भ में ही देखा। प्रसिद्ध हंस हॉफमैन, जिन्होंने कई महिला अमूर्त कलाकारों को प्रशिक्षित किया, ने एक बार कहा था कि Krasner का काम “इतना अच्छा है कि आप नहीं जान पाएंगे कि इसे एक महिला ने बनाया है।” उनके कार्य की स्पष्ट गुणवत्ता के बावजूद, महिला कलाकारों को लगातार याद दिलाया जाता था कि स्त्रीत्व उनके खिलाफ एक उपकरण था, जिसका उपयोग कला जगत में उनके काम को अस्वीकार करने के लिए किया जाता था।

अमूर्तता में स्वतंत्रता

विडंबना यह है कि अमूर्त कला – अपनी अभिव्यक्ति की विविधता, ठोस रूपों की कमी, और विषयों की बहुलता के कारण – आमतौर पर न तो पुरुषत्व से जुड़ी होती है और न ही स्त्रीत्व से। एक अमूर्त कला के कार्य को देखकर, दर्शक के लिए कलाकार का लिंग पहचानना कठिन होता है। उदाहरण के लिए, एलिस ट्रम्बुल मेसन की 1945 की छपाई Labyrinth of Closed Forms, जो गोल और आयताकार आकृतियों का समूह है, जो एक छायादार पृष्ठभूमि पर है। यह कार्य ग्रेस्केल, श्वेत स्थान, और आकृतियों के बीच अंतःक्रियाओं के साथ खेलता है – इस कार्य में मेसन की महिला पहचान का कोई संकेत नहीं है। इसी तरह, एलेन डी कूनिंग ने अपने रंगीन, अलौकिक ब्रशस्ट्रोक में आकृतिवाद के तत्वों को अपनाया, जैसे कई पुरुष प्रभाववादी कलाकारों ने कुछ दशकों पहले प्रकाश के साथ किया था। अमूर्त कला के माध्यम से, महिलाएं ‘स्त्री’ सौंदर्यशास्त्र के विचारों को चुनौती दे सकती थीं और पुराने ढाँचों से बाहर निकल सकती थीं। हालांकि, कला समुदाय में वास्तविक स्वीकृति पाना अभी भी कठिन था – शायद अब तक।

1930 और 1940 के दशकों की महिला अमूर्त कलाकारों की सबसे उल्लेखनीय बात उनकी दृढ़ता और अपने शिल्प के प्रति प्रतिबद्धता है। आर्थिक विपदा और वैश्विक युद्ध के बीच, उन्होंने प्रेरित, संलग्न और सक्रिय रहने के तरीके खोजे। परिणामस्वरूप, उनका कार्य और विरासत आज भी जीवित है। इस अद्भुत ऐतिहासिक समय में इन व्यक्तियों की उपलब्धियों को पहचानने में अभी देर नहीं हुई है।

न्यूयॉर्क शहर में व्हिटनी म्यूजियम ऑफ अमेरिकन आर्ट ने युद्ध पूर्व और युद्धोत्तर काल के दौरान कई महिला अमेरिकी अमूर्त कलाकारों के कार्य और उपलब्धियों का अन्वेषण करने के लिए एक प्रदर्शनी आयोजित की है। “Labyrinth of Forms: Women and Abstraction, 1930-1950” मार्च 2022 तक प्रदर्शित रहेगी।

एमेलिया लेहमैन द्वारा

मुख्य छवि: Lee Krasner (1908-1984), स्टिल लाइफ, 1938। कागज पर तेल, 19 × 24 3/4 इंच (48.3 × 62.9 सेमी)। व्हिटनी म्यूजियम ऑफ अमेरिकन आर्ट, न्यूयॉर्क; चार्ल्स साइमन के सम्मान में खरीदी गई, सलोमन ब्रदर्स के उनके मित्रों द्वारा उनके 75वें जन्मदिन के अवसर पर दी गई धनराशि के साथ, और एक गुमनाम दाता तथा ड्राइंग समिति से प्राप्त धनराशि के साथ 90.19। © 2021 द पोलक-क्रास्नर फाउंडेशन/कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क