Gagosian Parigi Riunisce Artisti Che Creano Arte Blanc sur Blanc

Una mostra presso Gagosian Parigi intitolata Blanc sur Blanc (Bianco su Bianco) ha nuovamente acceso il dibattito senza tempo sulla validità dell’arte completamente bianca. Questa conversazione risale almeno al 1918, quando l’artista russo Kazimir Malevich, fondatore del Suprematismo, presentò il suo dipinto “Bianco su Bianco” — un’immagine di un quadrato bianco inclinato su uno sfondo bianco. Malevich era già famoso per il dipinto “Quadrato Nero” che aveva mostrato tre anni prima nella Mostra Futurista Finale 0,10. Tuttavia, il “Quadrato Bianco” portò lo scandalo a un livello superiore non solo sfidando il valore del soggetto nell’arte, ma anche il valore della tinta. Sulla scia di Malevich, innumerevoli altri artisti hanno realizzato opere completamente bianche: dal Minimalista “Dipinto Bianco (Tre Pannelli)” (1951) di Robert Rauschenberg (che diceva “una tela non è mai vuota”); alle sculture bianche rozze e quasi figurative di Cy Twombly; fino al bagliore scarno e post-atomico di “Senza Titolo (Luce Elettrica)” (2019), una scultura luminosa bianca di Mary Corse. I collezionisti d’arte credono fermamente nel valore culturale e finanziario dell’arte completamente bianca, come dimostrano almeno due recenti risultati d’asta: “Bridge” (1980), un dipinto tutto bianco di Robert Ryman venduto da Christie’s per più di 20 milioni di dollari (USA) nel 2015, e “21 Feuilles Blanches” (1953), un mobile tutto bianco di Alexander Calder che ha raggiunto 17,9 milioni di dollari (USA) nel 2018 (più del doppio della sua stima massima). Eppure, per chi è al di fuori del campo artistico, l’arte bianco su bianco può risultare esasperante. Forse il genio della mostra attuale di Gagosian è che non mostra semplicemente al pubblico un’unica opera tutta bianca, né una selezione di opere bianche di un solo artista. Invece, riunisce opere di 27 artisti, coprendo un ampio arco di periodi, movimenti, tecniche, intenzioni e origini personali. Vedere così tante opere bianche tutte insieme in un unico luogo e momento rivela la verità sfumata che tanti detrattori non ammettono: non esiste davvero un bianco semplice.

Il Bianco come Manifesto

Tra le opere esposte in Blanc sur Blanc c’è una tela tutta bianca tagliata dall’artista italiano Lucio Fontana. Nei materiali stampa della mostra, Gagosian fa riferimento a un saggio pubblicato da Fontana nel 1946 chiamato Manifesto Blanco (Manifesto Bianco). Sebbene un po’ acceso, questo saggio può offrire una guida a chi dubita del valore della pittura monocromatica. Contrariamente a quanto suggerisce il titolo, però, il Manifesto Bianco non menziona mai il colore bianco. Piuttosto, parla della necessità di una nuova arte, “libera da ogni artificio estetico.” Per Fontana, la purezza del colore bianco era simbolo di questo nuovo punto di partenza. Il Manifesto Bianco invita gli artisti a concentrarsi su “il colore, elemento dello spazio; il suono, elemento del tempo; e il movimento, che si sviluppa nel tempo e nello spazio,” una strategia che Fontana sostiene porterà a opere che si avvicinano “più che mai alla natura nella storia dell’arte.”

Vista dell’installazione. Opere, da sinistra a destra: © Fondazione Lucio Fontana, Milano / per SIAE / ADAGP, Parigi, 2020; © Fondazione Cy Twombly; © Imi Knoebel / ADAGP, Parigi, 2020. Foto: Thomas Lannes

Le idee espresse nel Manifesto Bianco formarono la base dello Spazialismo, il movimento fondato da Fontana l’anno successivo. Nel corso di due decenni, Fontana chiarì gli elementi fondamentali dello Spazialismo attraverso due serie rivoluzionarie di opere. La prima fu la serie “Ambienti” — 15 sculture luminose ora considerate i primi esempi di arte ambientale. Ogni “Ambiente” era fondamentalmente una stanza costruita su misura illuminata da un solo colore di luce. Che fosse bianco, nero, rosso, blu, verde o altro, Fontana sentiva che la fusione di un solo colore con uno spazio altrimenti vuoto incarnava l’essenza delle sue idee. La seconda serie di opere che Fontana realizzò per illustrare i concetti dello Spazialismo fu la sua ormai iconica serie di tele tagliate — superfici monocromatiche incise con un coltello. I tagli non erano semplicemente espressioni di dramma, però. Creavano veri e propri varchi verso un mondo di movimento, colore e spazio. Ogni taglio coinvolgeva lo spettatore in un ruolo attivo, attirandolo verso l’interno rivelando uno scorcio dello spazio dietro la tela. Rendendo quella parte mai prima utilizzata della tela un aspetto chiave del soggetto, Fontana inventò qualcosa di cinetico e misterioso. Guardando indietro ai suoi “Ambienti,” è chiaro come queste tele tagliate esprimessero le stesse idee, solo su una scala diversa.

Jean Arp - L’amico del mignolo, 1963. Gesso, 10 x 24 x 13 cm. © ADAGP, Parigi, 2020

L’Ampliamento della Prospettiva

Come le tele tagliate di Fontana, ciascuna delle opere presenti in Blanc sur Blanc è più complessa di quanto possa sembrare a prima vista. Tre sculture di filo di Sheila Hicks illustrano quanto fragile sia davvero l’idea del colore puro, poiché la trama e la massa giocano con la luce. Una scultura di Rachel Whiteread, invece, prende quella che a prima vista sembra una raccolta casuale di materiali da costruzione bianchi appoggiati a una parete, trasformandola in una scena di chiarezza visiva ed emotiva. Questi tipi di accumuli materiali nello spazio sono diventati una parte così comune dell’ambiente urbano quotidiano, ma in questo caso, non solo Whiteread dimostra la presenza estetica intrinseca dei suoi materiali, ma amplia anche la nostra comprensione della definizione di colore.

Vista dell’installazione. Opere, da sinistra a destra: © Enrico Castellani / ADAGP, Parigi, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

In definitiva, forse, questo è ciò di cui l’arte bianco su bianco è sempre stata fatta — l’ampliamento delle prospettive. Siamo in grado di guardare qualcosa di così semplice, così Minimalista e così diretto senza sentirci offesi, come se l’artista ci stesse semplicemente sfidando a chiamarla troppo facile? Siamo capaci di riconoscere la magia dell’arte bianco su bianco allo stesso modo in cui accogliamo il suono semplice di un gong, il tremolio sfumato di una candela o il delicato solletico di una piuma? Può qualcosa di così lieve portare un’emozione potente? Questa domanda è stata posta molte volte, e non finirà con questa mostra attuale, perché ci saranno sempre artisti che sanno che non c’è nulla di semplice nel bianco su bianco, e che saranno sempre spinti a tornarvi come punto zero dell’arte.

Immagine in evidenza: Vista dell’installazione. Opere, da sinistra a destra: Archivi Simon Hantai / ADAGP, Parigi; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio