Gagosian Parigi Riunisce Artisti Che Creano Arte Blanc sur Blanc

Un'esposizione presso Gagosian Parigi intitolata Blanc sur Blanc (Bianco su Bianco) ha nuovamente riacceso il dibattito senza tempo sulla validità dell'arte completamente bianca. Questa conversazione risale almeno al 1918, quando l'artista russo Kazimir Malevich, fondatore del Suprematismo, presentò il suo dipinto “White on White”—un'immagine di un quadrato bianco inclinato su uno sfondo bianco. Malevich era già famoso per il dipinto “Black Square” che aveva rivelato tre anni prima nella The Last Futurist Exhibition 0,10. Tuttavia, “White Square” portò l'indignazione a un livello superiore, non solo sfidando il valore del soggetto nell'arte, ma anche il valore della tonalità. Sull'onda di Malevich, innumerevoli altri artisti hanno realizzato opere d'arte completamente bianche: dalla Minimalista “White Painting (Three Panel)” (1951) di Robert Rauschenberg (che disse “una tela non è mai vuota”); alle brutali sculture quasi figurative completamente bianche di Cy Twombly; fino al luminoso e scarno “Untitled (Electric Light)” (2019), una scultura di luce bianca di Mary Corse. I collezionisti d'arte credono fermamente nel valore culturale e finanziario dell'arte completamente bianca, come dimostrano almeno due recenti risultati d'asta: “Bridge” (1980), un dipinto completamente bianco di Robert Ryman che è stato venduto da Christie’s per oltre 20 milioni di dollari (US) nel 2015, e “21 Feuilles Blanches” (1953), un mobile completamente bianco di Alexander Calder che ha raggiunto i 17,9 milioni di dollari (US) nel 2018 (più del doppio della sua stima alta). Eppure, per le persone al di fuori del campo dell'arte, l'arte bianco su bianco può essere frustrante. Forse il genio della attuale esposizione Gagosian è che non mostra semplicemente al pubblico un'unica opera d'arte completamente bianca, né una selezione di opere completamente bianche di un singolo artista. Invece, riunisce opere di 27 artisti, che spaziano in un'ampia gamma di periodi, movimenti, mezzi, intenzioni e background personali. Vedere così tante opere bianche in un solo luogo e in un solo momento rivela la verità sfumata che tanti detrattori non riescono ad ammettere: non esiste davvero una cosa come il semplice bianco.

Bianco come un Manifesto

Tra le opere in mostra in Blanc sur Blanc c'è una tela bianca strappata dell'artista italiano Lucio Fontana. Nei materiali stampa per la mostra, Gagosian fa riferimento a un saggio pubblicato da Fontana nel 1946 chiamato Manifesto Blanco (Manifesto Bianco). Sebbene un po' polemico, questo saggio può fornire alcune indicazioni per gli spettatori che dubitano del valore della pittura monocromatica. Contrariamente a quanto suggerisce il suo titolo, tuttavia, il Manifesto Bianco non menziona mai il colore bianco. Piuttosto, parla della necessità di una nuova arte, "libera da ogni artificio estetico." Per Fontana, la purezza del colore bianco era simbolica di questo nuovo punto di partenza. Il Manifesto Bianco invita gli artisti a concentrarsi su "colore, l'elemento dello spazio; suono, l'elemento del tempo; e movimento, che si sviluppa nel tempo e nello spazio," una strategia che Fontana insiste porterà a opere che si avvicinano "più che mai alla natura nella storia dell'arte."

Vista dell'installazione. Opera, da sinistra a destra: © Foundation Lucio Fontana, Milano / by SIAE / ADAGP, Paris, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Paris, 2020. Foto: Thomas Lannes

Le nozioni espresse nel Manifesto Bianco formarono la base dello Spazialismo, il movimento fondato da Fontana l'anno successivo. Nel corso di due decenni, Fontana chiarì gli elementi fondamentali dello Spazialismo attraverso due serie di opere rivoluzionarie. La prima fu la sua serie di "Ambientazioni"—15 sculture luminose ora considerate i primi esempi di arte installativa. Ogni "Ambientazione" era fondamentalmente una stanza costruita su misura illuminata da un'unica tonalità di luce. Che fosse bianca, nera, rossa, blu, verde o qualsiasi altra, Fontana riteneva che l'amalgama di un singolo colore con uno spazio altrimenti vuoto incarnasse l'essenza delle sue idee. La seconda serie di opere che Fontana realizzò per illustrare i concetti dello Spazialismo fu la sua ora iconica serie di tele strappate—superfici monocromatiche tagliate da un coltello. Tuttavia, gli strappi non erano semplici espressioni di dramma. Creavano veri e propri varchi in un mondo di movimento, colore e spazio. Ogni strappo coinvolge lo spettatore in un ruolo attivo, attirandoci verso l'interno rivelando uno scorcio nello spazio dietro il dipinto. Rendendo quella parte del dipinto mai utilizzata prima un aspetto chiave del suo soggetto, Fontana concoctò qualcosa di cinetico e misterioso. Guardando indietro alle sue "Ambientazioni", è chiaro vedere come queste tele strappate esprimessero le stesse idee, solo su una scala diversa.

Jean Arp - L'amico del mignolo, 1963. Gesso, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 pollici (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, Parigi, 2020

L'Ampliamento della Prospettiva

Come le tele squarciate di Fontana, ognuna delle opere presentate in Blanc sur Blanc è più complessa di quanto possa sembrare a prima vista. Tre sculture in filato di Sheila Hicks illustrano quanto sia fragile l'idea di colore puro, mentre la texture e la massa giocano a fare caos con la luce. Una scultura di Rachel Whiteread, nel frattempo, prende quello che all'inizio sembra un assortimento casuale di materiali da costruzione bianchi appoggiati a un muro, trasformandolo in una scena di chiarezza visiva ed emotiva. Questi tipi di accumulazioni di materiali nello spazio sono diventati una parte così ubiqua dell'ambiente urbano quotidiano, ma in questo caso, non solo Whiteread dimostra la presenza estetica intrinseca dei suoi materiali, ma espande anche la nostra comprensione della definizione di colore.

Vista dell'installazione. Opera, da sinistra a destra: © Enrico Castellani / ADAGP, Parigi, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

In definitiva, forse, è questo che l'arte bianca su bianco è sempre stata: l'ampliamento delle prospettive. Siamo in grado di guardare qualcosa di così semplice, così minimalista e così diretto senza sentirci offesi, come se l'artista ci stesse sfidando a dire che è troppo facile? Siamo capaci di riconoscere la magia dell'arte bianca su bianco nello stesso modo in cui abbracciamo il suono semplice di un gong, il tremolio sfumato di una candela o il delicato solletico di una piuma? Può qualcosa di così lieve portare emozioni potenti? Questa domanda è stata posta molte volte e non finirà con questa attuale esposizione, perché ci saranno sempre artisti che sanno che non c'è nulla di semplice nell'arte bianca su bianco e che si sentiranno sempre spinti a tornarci come al punto zero dell'arte.

Immagine in evidenza: Vista dell'installazione. Opera, da sinistra a destra: Archives Simon Hantai / ADAGP, Parigi; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park