Arte Geometrica e Vanguardista di David Bomberg

L’entusiasmo è una sostanza vitale nell’arte. Un’opera emozionante è ciò che ogni spettatore, collezionista, gallerista e curatore desidera. Mentre alcune opere d’arte rare possiedono intrinsecamente il proprio slancio, l’entusiasmo origina più spesso dagli artisti. Qualcosa dentro di loro – la loro passione, la loro curiosità – si manifesta semplicemente nell’opera. David Bomberg potrebbe essere stato l’artista più entusiasta uscito dalla Gran Bretagna nel primo quarto del XX secolo. I suoi esperimenti con la forma e la composizione erano così avanguardisti da causarne l’espulsione dalla prestigiosa Slade School of Art di Londra. Ma nonostante quella censura, invece di scoraggiarsi Bomberg fiorì, dimostrandosi esplosivamente creativo, un disegnatore esperto e un appassionato cercatore di nuove idee. Le immagini audaci e moderniste che realizzò negli anni precedenti la Prima Guerra Mondiale offrono uno sguardo unico sull’entusiasmo e l’energia sfrenata di quell’epoca ottimista.

Chi è David Bomberg?

Una tragica ironia affligge molti grandi artisti. Per avere successo nel mercato dell’arte devi creare opere interessanti e vendibili, e per creare opere interessanti e vendibili devi essere creativo, aperto e individualista; ma non troppo creativo, aperto e individualista. Gli artisti troppo avanti rispetto al gruppo intellettuale spesso vengono derisi. Come dice il detto, “i pionieri vengono massacrati, i coloni diventano ricchi.” La vendibilità è favorita anche quando un artista è associato a un movimento più ampio che venditori e acquirenti d’arte possono contestualizzare e comprendere. L’ironia sta nel fatto che i veri creativi, aperti e individualisti spesso trovano intollerabile associarsi a movimenti che hanno obiettivi definiti o ideali estetici rigidi. Trovano i manifesti restrittivi. Preferiscono mantenere le opzioni aperte. Così molti brillanti creativi vengono esclusi dai libri di storia e muoiono nella povertà, tutto perché sono rimasti fedeli a se stessi, sperimentando fino alla fine per nutrire la propria curiosità e il proprio entusiasmo.

Bomberg fu uno di questi artisti. Quando si studia il Vorticismo, la prima cosa che si nota è che il fondatore del movimento fu Wyndham Lewis, uno dei nomi più importanti dell’arte e della letteratura inglese del XX secolo. Ma poi si vede che l’immagine più famosa e iconica del movimento, The Mud Bath, fu dipinta da David Bomberg. Bomberg non aderì mai ai Vorticisti. Sperimentò alcuni degli stessi concetti estetici e realizzò alcuni dipinti che sembrano appartenere allo stesso ambito visivo, ma gli interessi di Bomberg erano molto più ampi rispetto alle preoccupazioni limitate dei Vorticisti. Wyndham Lewis, invece, godette di una fama duratura, quasi interamente dovuta all’impulso ricevuto dalla fondazione del Vorticismo. Bomberg, il pittore non vorticista dell’opera migliore del Vorticismo, morì nell’oscurità, senza un soldo.

Forma Pura Essenziale

Ciò che l’opera di Bomberg aveva in comune con il Vorticismo era radicato nel formalismo. L’estetica del Vorticismo prendeva in prestito da altri due stili modernisti esistenti. Univa le forme geometriche astratte del Cubismo con le linee nette e i colori vivaci del Futurismo italiano. Il concetto dietro il movimento era esprimere il movimento e la modernità. Gli interessi di Bomberg erano inizialmente legati anch’essi alla città e alle macchine, ma il suo uso di immagini vorticiste era incidentale. Non si concentrava tanto sul raggiungere un aspetto specifico quanto sul raggiungere la giusta sensazione. Come disse lui stesso, il suo desiderio era “tradurre la vita di una grande città, il suo movimento, le sue macchine, in un’arte che non sia fotografica, ma espressiva.”

Il linguaggio visivo che creò si basava sulla riduzione della forma. Riteneva che il modo migliore per esprimere la natura dei suoi soggetti fosse semplificarli ai loro stati più elementari. In questo modo sperava di rivelare qualcosa di vitale sulla loro essenza. Il dipinto di Bomberg Vision of Ezekial, realizzato nel 1912, raggiunse quell’equilibrio che cercava tra riduzione astratta della forma, vitalità figurativa ed emozione espressiva. Combinava il suo interesse per immagini altamente semplificate con le leggende della sua eredità ebraica, creando una visione estetica sia mitica che modernista, unica e personale.

Un’Espressione Più Intensa

Non soddisfatto di aver portato la riduzione delle forme ai suoi limiti, Bomberg continuò a sperimentare. Uno dei suoi primi insegnanti, un artista di nome Walter Sickert, gli aveva trasmesso l’importanza di dipingere i “grossi fatti materiali” del soggetto. Questo approccio aveva aiutato Bomberg a sviluppare le sue impressionanti capacità di disegno rappresentativo. Ma lo tratteneva dal suo interesse per la soggettività. Piuttosto che limitarsi a mostrare caratteristiche precise dei suoi soggetti, sentiva che era altrettanto importante esprimere la sua reazione personale.

In una serie di composizioni figurative esposte nel 1914, Bomberg eliminò intenzionalmente tutti i “grossi fatti materiali.” Nella dichiarazione dell’artista che accompagnava quella mostra scrisse, “Mi rivolgo al senso della forma… Abbandono completamente il naturalismo e la tradizione. Cerco un’espressione più intensa… dove uso la forma naturalistica, l’ho spogliata di ogni materia irrilevante. Guardo la natura, mentre vivo in una città d’acciaio. Dove avviene la decorazione, è accidentale. Il mio obiettivo è la costruzione della Forma Pura. Rifiuto tutto ciò nella pittura che non sia Forma Pura.”

Una Rivoluzione Verso la Massa

Approfondendo il suo interesse per la forma pura, Bomberg si addentrò maggiormente nell’astrazione. Nel suo dipinto intitolato Procession, riduce una fila di figure umane a forme così essenziali che l’immagine quasi diventa un’astrazione geometrica completa. Le forme assumono qualità espressive che richiamano una serie di associazioni, dai grattacieli alle bare.

Bomberg continuò a evolversi, divergendosi in una serie di dipinti che ricordano vetrate colorate infrante e poi ricomposte. In the Hold e Ju-Jitsu presentano piani immagine divisi in una griglia a forma di diamante. Piuttosto che creare una composizione da forme ridotte, Bomberg usa la griglia e la superficie stessa come forma. Le immagini risultanti ricordano l’Arte Ottica nella loro capacità di ingannare l’occhio e attirare lo spettatore in uno spazio illusorio. A differenza delle sue opere precedenti, il senso di massa deriva da un’espressione di sentimento ottenuta interamente con mezzi formali e non rappresentativi.

Lo Spirito nella Massa

Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale, Bomberg fu chiamato alle armi. Le sue esperienze nell’infanteria, vedendo i suoi colleghi, sostenitori e familiari sbriciolati dalle armi meccanizzate, distrussero il suo fascino per l’era delle macchine. Quando la guerra finì, riprese a dipingere, ma adottò una tecnica molto più organica e pittorica tecnica. La sua nuova direzione lo portò a essere completamente ignorato e dimenticato dal mondo dell’arte del suo tempo.

Bomberg lottò economicamente per tutto il resto della sua carriera, ma viaggiò molto e non smise mai di dipingere. Continuò a sperimentare con le qualità tattili della pittura, concentrandosi sul potente potenziale emotivo della texture e del tratto del pennello. Che dipingesse astrazioni, paesaggi o opere figurative, rimase devoto a perseguire ciò che chiamava “lo spirito nella massa.” Sapeva che attraverso variazioni nello spessore e nel tratto della pittura e un’esplorazione aperta della forma più essenziale di un soggetto, si poteva trasmettere la più vera espressione di un soggetto. In sfida al rifiuto e alla sconfitta commerciale, il suo instancabile entusiasmo per la pittura gli permise il raro dono di connettersi con la qualità essenziale delle cose e di tradurla per noi che altrimenti non potremmo vedere.

Immagine in evidenza: David Bomberg - Procession, 1912-1914, Olio su carta incollata su pannello, 28,9 x 68,8 cm, The Ashmolean Museum of Art and Archaeology, © The Estate of David Bomberg
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio