Come la Pittura d'Azione ha Cambiato l'Arte

Se l’espressione “action painting” suona confusa, potrebbe essere perché sembra contenere una ridondanza. Dipingere implica azione. Esistono forse dipinti di inattività? Ma né il fatto che dipingere sia un’azione né che i dipinti derivino da un’azione hanno molto a che fare con la definizione di action painting. In realtà l’action painting non riguarda affatto l’azione o la pittura. Riguarda uno stato d’animo. Il critico d’arte Harold Rosenberg coniò l’espressione action painting nel 1952, in un saggio intitolato “The American Action Painters.” Il saggio tentava di spiegare ciò che Rosenberg considerava un cambiamento fondamentale nella mentalità di un piccolo gruppo di pittori astratti americani. Piuttosto che approcciare la pittura come creazione di immagini, questi pittori usavano l’atto del dipingere per registrare i risultati di drammi personali, intuitivi e inconsci che mettevano in scena davanti alla tela. Usavano la tela come un palcoscenico. Erano attori, e la pittura era il modo per registrare le prove dell’evento. Nel suo saggio, Rosenberg non solo sottolineò la novità di questo metodo, ma spostò completamente l’attenzione lontano dai dipinti come oggetti, dichiarando che tutto ciò che contava per gli action painters era l’atto creativo.

La fine dell’oggettualità

Prima dell’osservazione di Rosenberg, nessun critico d’arte rispettato aveva mai suggerito per iscritto che lo scopo del lavoro di un artista non fosse creare qualcosa di tangibile. Si dava per scontato che lo scopo di essere un artista fosse creare opere d’arte. Ma ciò che Rosenberg osservò riguardo pittori come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning era che non si concentravano sulla creazione di oggetti. Piuttosto, si concentravano sul proprio processo come pittori. Attribuivano la massima importanza non al prodotto finito, ma all’atto di connettersi con il proprio inconscio. Il dipinto era semplicemente un modo per registrare gli effetti risultanti di quella connessione.

Immagina di essere bendato e di ricevere un pennello, quindi di dover trovare la via attraverso un labirinto mentre fai scorrere il pennello sulla superficie del muro. Il segno risultante sul muro non sarebbe tanto un risultato estetico quanto una registrazione del tuo percorso. Questa era la radice dell’osservazione di Rosenberg: che gli action painters non creavano immagini; creavano registrazioni esteriori dei loro viaggi interiori.

Jackson Pollock - Number 8, 1949, 1949. Olio, smalto e vernice di alluminio su tela. 34 × 71 1/2 in; 86,4 × 181,6 cm. American Federation of Arts.  © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Tecniche dell’action painting

Quando un pittore si propone di realizzare un dipinto di un’immagine specifica, gli strumenti e le tecniche devono offrire al pittore il massimo controllo possibile. Ma se lo scopo di un dipinto non è creare un’immagine specifica e predeterminata, bensì creare un reperto visivo astratto di un evento psico-fisico, il pittore può godere di maggiore libertà in termini di strumenti e tecniche. Poiché l’action painting riguarda la spontaneità e la capacità di trasmettere senza soluzione di continuità ogni intuizione inconscia attraverso un gesto fisico, tutto ciò che ostacola la libertà e l’istinto deve essere abbandonato.

L’action painter Jackson Pollock abbandonò le preparazioni e i supporti tradizionali e dipinse direttamente su tele non preparate stese sul pavimento. Rinunciò agli strumenti tradizionali scegliendo invece di applicare la vernice alle superfici usando qualunque cosa avesse a portata di mano, inclusi pennelli da imbianchino, bastoni o persino le mani nude. Spesso lanciava, versava, spruzzava e gocciolava la vernice sulle superfici direttamente dal contenitore. Usava qualunque mezzo fosse disponibile, inclusi tutti i tipi di vernice liquida, così come vetri rotti, mozziconi di sigaretta, elastici e qualunque altra cosa il suo istinto gli suggerisse.

Jackson Pollock- Mural, 1943. Olio e caseina su tela. 95 7/10 × 237 1/2 in; 243,2 × 603,2 cm. Guggenheim Museum Bilbao. Bilbao

Gesti grandiosi

Oltre a essere liberi con i mezzi, gli strumenti e le tecniche, gli action painters si liberarono anche dai vincoli della propria fisicità. Le action paintings di Franz Kline riguardano tutte il gesto fisico. Ogni segno audace che Kline tracciava sulla tela è la registrazione di un momento in cui il suo corpo era completamente impegnato nel movimento. Mentre una pennellata impressionista è qualcosa di così sottile come un colpo di polso, le pennellate di Kline erano fatte con una spinta di tutto il braccio o dell’intero corpo, guidate dalle profondità della sua mente.

Pollock spesso non toccava affatto la tela. Si affidava invece all’impulso e all’uso dinamico del corpo, creando velocità e potenza per proiettare il mezzo nello spazio e sulla superficie. Non ostacolando il suo movimento con il contatto con la superficie, collaborava con le forze della natura, ottenendo segni fluidi, eleganti e dall’aspetto organico. In un certo senso, i gesti di Pollock e Kline non solo creavano segni, ma producevano impatti. Come crateri meteorici, questi impatti possono essere apprezzati sia per il loro aspetto sia per le forze primordiali, antiche e naturali che li hanno generati.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Olio e collage di carta su tela, 80 × 100 in. (203,2 × 254 cm). Whitney Museum of American Art, New York; acquisto con fondi dai Friends of the Whitney Museum of American Art  57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), New York

L’inconscio consapevole

L’ascesa dell’action painting non fu un mistero. Ebbe radici logiche nel contesto della cultura americana del dopoguerra. La società americana nel suo complesso si stava riprendendo dalla guerra e si stava adattando a una nuova realtà moderna e strana. Nei loro sforzi per comprendere se stessi e il loro mondo, le persone divennero sempre più interessate alla psicologia, specialmente alle idee riguardanti i pensieri subconscî e inconsci. Nella mente degli action painters americani, queste idee si collegavano direttamente al lavoro svolto dai surrealisti con il disegno automatico, che consisteva nel lasciare che il corpo creasse segni basati su movimenti riflessi ispirati da impulsi inconsci.

Il loro pensiero si collegava anche alle tradizioni primitive presenti nell’arte totemica delle culture native del Nord America. L’arte totemica è legata alla credenza che le persone siano connesse tra loro, alla storia e ai mondi naturale e spirituale attraverso certi oggetti naturali o attraverso esseri che possiedono poteri spirituali o mistici. Gli action painters speravano che attraverso il loro stile di pittura intuitivo e subconscio potessero canalizzare immagini totemiche con cui gli spettatori potessero connettersi in presenza dei reperti estetici del loro processo.

Jaanika Peerna - Small Maelstrom (Ref 855), 2009. Matita pigmentata su mylar. 45,8 x 45,8 cm

L’eredità dell’action painting

Il valore del dono che l’action painting ha offerto alle generazioni future di artisti non può essere sopravvalutato. Le osservazioni ponderate di Harold Rosenberg ispirarono un enorme cambiamento nell’arte modernista. Egli diede voce al pensiero che il processo è più importante del prodotto. Dimostrò che il viaggio è davvero più importante della destinazione, o se questo suona troppo banale, dimostrò che il dramma che si svolge durante il processo creativo di un pittore è più importante del reperto che ne risulta.

La consapevolezza di Rosenberg liberò le generazioni successive di artisti dal pensare al proprio lavoro solo in termini di “creazione di prodotti.” Potevano impegnarsi in processi sperimentali e concentrarsi completamente sulle idee. Avevano il permesso di iniziare senza dover prevedere i risultati finali. Senza questo cambiamento nella coscienza degli artisti, non avremmo mai potuto godere degli “happenings” o del lavoro degli artisti concettuali o del movimento Fluxus. Non avremmo mai potuto sperimentare i misteri effimeri e transitori dell’arte ambientale. Non avremmo mai goduto dei frutti del movimento degli spazi d’arte alternativi. In molti modi, fu l’action painting a permettere agli artisti di spostare la loro attenzione da dove stavano andando esattamente, e a ricordare a se stessi che spesso la cosa più importante nell’arte e nella vita è come ci arrivano.

Immagine in evidenza: Jackson Pollock - Greyed Rainbow, 1953. Olio su lino. 72 × 96 1/10 in; 182,9 × 244,2 cm. Art Institute of Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio