Martin Barré, l'artista astratto dimenticato, al Centre Pompidou

La retrospettiva Martin Barré, in mostra dal 14 ottobre 2020 al 4 gennaio 2021 al Centro Pompidou, offre uno sguardo complessivo senza precedenti sulla carriera in continua evoluzione di questo artista enigmatico. Eppure, nonostante la sua fama locale (20 delle opere in mostra provengono dalla collezione permanente del Pompidou), non ci sono dubbi che ci saranno molti spettatori al di fuori della Francia che non hanno idea di chi sia questo artista. Se guardano il suo lavoro solo da un punto di vista contemporaneo, potrebbero persino chiedersi perché dovrebbero interessarsene. Barré non affrontava alcuna particolare preoccupazione sociale o politica nel suo lavoro. In effetti, i suoi dipinti sembrano spesso non avere contenuto, né fanno molto scalpore come oggetti. Infatti, Barré (1924 — 1993) veniva spesso liquidato anche ai suoi tempi. Tuttavia, per molti di noi c'è qualcosa di indiscutibilmente attraente nel suo lavoro. Semplici, e a volte persino semplicistici, i suoi dipinti sono onesti, divertenti e inconfondibilmente umani. Barré realizzava dipinti che sembrano a malapena dipinti, e sento che questo fosse il punto. Come chiarisce la retrospettiva del Pompidou, Barré ha attraversato almeno cinque importanti cambiamenti nel suo stile visivo. Questi cambiamenti erano forse insignificanti in termini di storia dell'arte, ma ciò non diminuisce la verità che la sua evoluzione ha costantemente rivelato: che l'unico obbligo di un artista è verso la propria curiosità. Nella nostra epoca, in cui ci si aspetta che ogni artista sia in grado di montare una vigorosa difesa accademica, sociale e politica del proprio lavoro, Barré potrebbe sembrare meno serio. Ma così è sempre stato, anche mezzo secolo fa. Non si è mai adattato. Seguendo i propri interessi, Barré è diventato per i suoi ammiratori francesi ciò che Agnes Martin è per gli americani: un profeta del Minimalismo sia come metodo estetico, sia come un percorso verso la conoscenza di sé.

Il Proto-Minimalista

Nato a Nantes, nella Francia occidentale, nel 1924, Barré avrebbe camminato fino a Parigi come un artista aspirante di 19 anni. Il viaggio di 376 km gli impiegò cinque giorni. Per il decennio successivo studiò in varie accademie d'arte e sperimentò diversi metodi e linguaggi visivi. Presto determinò che l'unico modo per lui di andare avanti era l'astrazione, e la principale preoccupazione astratta che lo interessava era la relazione tra l'immagine dipinta e il suo fondo (o superficie preparata). Barré era curioso di sapere cosa potesse costituire un dipinto; cosa rendesse i dipinti distinti; e cosa potesse contare come contenuto in un dipinto. Non pensava di essere un pioniere nel porre queste domande. Al contrario, riferendosi a un dipinto creato mezzo secolo prima, disse: “Tutti i dipinti mi sembrano condurre e partire dal quadro nero di Malevich su un fondo bianco.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acrilico su tela. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Parigi. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020

In diverse delle sue prime opere astratte, Barré ha anche utilizzato il quadrato per esplorare la relazione tra immagine e fondo. Piuttosto che dipingere i quadrati, ha bloccato la forma, delineando il suo vuoto con lo spazio dipinto attorno ad esso. La semplice domanda che queste opere pongono è se il vuoto possa essere contenuto. Successivamente, ha semplificato ulteriormente il suo metodo, traendo ispirazione dai graffiti spray che vedeva in giro per Parigi. Percependo le bombolette di vernice spray come estensioni perfette della mano dell'artista, ha realizzato una serie di dipinti che sembrano nient'altro che linee spruzzate sopra le superfici preparate delle tele. A volte spruzzava linee in un motivo. Altre volte spruzzava solo una piccola linea in un angolo di una tela. A volte dipingeva linee ondulate. Altre volte appendeva più tele a una parete e continuava una linea da tela a tela. La qualità minimale di queste opere si distingue in contrasto con le opere che i suoi contemporanei stavano realizzando negli anni '60, conferendo a Barré la sua reputazione di essere anti-cultura e un proto-Minimalista.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Olio su tela. 100 x 100 cm. Collezione privata, Parigi; cortesia Applicat-Prazan, Parigi. © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020 / Foto: Art Digital Studio

Domande semplici

Negli anni '70, Barré si prese una pausa di quattro anni dalla pittura per esplorare quello che chiamava foto-concettualismo. Questo periodo della sua carriera non è frequentemente esplorato nelle sue mostre in galleria. A volte mi chiedo, se l'arte non potesse essere comprata e venduta, come cambierebbe il modo in cui le persone ne scrivono? Di solito, penso che scriverebbero di meno. Nel caso di Barré, credo che scriverebbero di più, specialmente su questa pausa. Potrebbe non aver generato prodotti da vendere nei negozi d'arte, ma ha profondamente influenzato il modo in cui Barré comprendeva la sua domanda centrale sull'immagine rispetto allo sfondo. Quando è finita, le sue pitture sono diventate molto più dense, con griglie schizzate che sostengono segni di tratteggio dipinti, che a loro volta sono velati in strati di lavaggio trasparente. Queste opere sono ancora geometriche, tornando a Malevich e ai suoi quadrati, ma sono piuttosto complesse e si avvicinano più di qualsiasi altra cosa Barré abbia fatto prima ad abbracciare ciò che la maggior parte degli spettatori considererebbe contenuto.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Olio su tela. 81 x 330 cm (quadro). Collezione privata. Cortesia di Matthew Marks Gallery, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Parigi 2020

Negli ultimi anni, Barré ha nuovamente affinato il suo linguaggio visivo, creando questa volta una serie di opere geometriche a bordi netti che suggeriscono la sua affinità con un altro astrattista precoce: Piet Mondrian. Queste, le sue ultime opere, con le loro composizioni pulite e piatte, vengono talvolta considerate come se fossero rifiuti delle sue opere precedenti, che sono più grezze. Tuttavia, non sembrano così lontane. Mostrano linee dipinte su uno sfondo per delineare lo spazio. Le aree dipinte interrogano lo sfondo, sollevando domande su quale parte del dipinto sia l'immagine. Come tutte le sue opere precedenti, queste opere finali pongono la domanda su cosa sia più importante: il contenuto di un dipinto o il suo supporto? Per me, questa non è solo una domanda sul dipinto, ma anche una domanda esistenziale sull'essere un pittore. Chiede cosa sia valido agli occhi degli altri; cosa dovrebbe attirare l'attenzione; e cosa vale il nostro tempo—domande semplici forse, poste da dipinti semplici, ma la loro semplicità crea spazio per noi per imparare su noi stessi.

Immagine in evidenza: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Olio su tela. 192 x 253 cm (quadro). Centre Pompidou, Museo nazionale d'arte moderna, Parigi. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park