Martin Barré, l'artista astratto dimenticato, al Centre Pompidou

La retrospettiva Martin Barré, in mostra dal 14 ottobre 2020 al 4 gennaio 2021 al Centro Pompidou, offre lo sguardo più completo finora sulla carriera in continua evoluzione di questo enigmatico artista. Eppure, nonostante la sua fama locale (20 delle opere in mostra provengono dalla collezione permanente del Pompidou), non c’è dubbio che molti spettatori provenienti dall’estero non abbiano idea di chi sia questo artista. Se osservano il suo lavoro solo da un punto di vista contemporaneo, potrebbero persino chiedersi perché dovrebbero interessarsene. Barré non ha affrontato particolari questioni sociali o politiche nelle sue opere. In effetti, i suoi dipinti spesso sembrano non avere alcun contenuto, né suscitano grande impressione come oggetti. Anzi, Barré (1924 — 1993) fu spesso sottovalutato anche ai suoi tempi. Tuttavia, per molti di noi c’è qualcosa di indiscutibilmente attraente nel suo lavoro. Semplici, e talvolta persino semplicistici, i suoi dipinti sono onesti, divertenti e inequivocabilmente umani. Barré realizzò dipinti che a malapena sembrano dipinti, e ho la sensazione che questo fosse proprio il punto. Come chiarisce la retrospettiva al Pompidou, Barré attraversò almeno cinque grandi cambiamenti nel suo stile visivo. Questi cambiamenti furono forse insignificanti in termini di storia dell’arte, ma ciò non diminuisce la verità che la sua evoluzione ha costantemente rivelato: l’unico obbligo di un artista è verso la propria curiosità. Nella nostra epoca, in cui ci si aspetta che ogni artista sia in grado di sostenere una vigorosa difesa accademica, sociale e politica del proprio lavoro, Barré potrebbe sembrare poco serio. Ma è sempre stato così, anche mezzo secolo fa. Non si è mai adattato. Seguendo i propri interessi, Barré divenne per i suoi ammiratori francesi ciò che Agnes Martin è per gli americani: un profeta del Minimalismo sia come metodo estetico, sia come via verso la conoscenza di sé.

Il Proto-Minimalista

Nato a Nantes, nella Francia occidentale, nel 1924, Barré si dice abbia camminato fino a Parigi come giovane artista aspirante di 19 anni. Il viaggio di 376 km gli richiese cinque giorni. Per il decennio successivo studiò in varie accademie d’arte e sperimentò diversi metodi e linguaggi visivi. Presto capì che l’unica strada per lui era l’astrazione, e la principale questione astratta che lo interessava era il rapporto tra l’immagine dipinta e il suo fondo (o superficie preparata). Barré era curioso di sapere cosa potesse costituire un dipinto; cosa rendesse i dipinti distinti; e cosa potesse essere considerato contenuto in un dipinto. Non pensava di essere un pioniere nel porre queste domande. Al contrario, riferendosi a un dipinto creato mezzo secolo prima, disse: “Tutti i dipinti mi sembrano condurre a e partire dal quadrato nero di Malevich su fondo bianco.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acrilico su tela. 120 x 120 cm. Centro Pompidou, Museo nazionale d’arte moderna, Parigi. © Centro Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020

In diversi dei suoi primi dipinti astratti, Barré utilizzò anche il quadrato per esplorare il rapporto tra immagine e fondo. Piuttosto che dipingere i quadrati, ne bloccava la forma, delineandone il vuoto con lo spazio dipinto intorno. La semplice domanda che questi dipinti propongono è se il vuoto possa essere contenuto. Successivamente, semplificò ancora di più il suo metodo, traendo ispirazione dai graffiti spray che vedeva a Parigi. Percependo le bombolette spray come perfette estensioni della mano dell’artista, realizzò una serie di dipinti che sembrano nient’altro che linee spruzzate sopra le superfici preparate delle tele. A volte spruzzava linee in un motivo. Altre volte spruzzava solo una piccola linea in un angolo della tela. A volte dipingeva zigzag. Altre volte appendeva più tele su una parete e continuava una linea da una tela all’altra. La qualità minimale di queste opere risaltava in contrasto con i lavori dei suoi contemporanei negli anni ’60, conferendo a Barré la sua reputazione di essere anti-cultura e un proto-Minimalista.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Olio su tela. 100 x 100 cm. Collezione privata, Parigi; cortesia Applicat-Prazan, Parigi. © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020 / Foto: Art Digital Studio

Domande Semplici

Negli anni ’70, Barré prese una pausa di quattro anni dalla pittura per esplorare ciò che chiamò foto-concettualismo. Questo periodo della sua carriera non è spesso approfondito nelle sue mostre in galleria. A volte mi chiedo, se l’arte non potesse essere comprata e venduta, come cambierebbe il modo in cui le persone ne scrivono? Di solito, penso che scriverebbero meno. Nel caso di Barré, credo che scriverebbero di più, specialmente su questa pausa. Potrebbe non aver prodotto opere da vendere nelle gallerie d’arte, ma influenzò profondamente il modo in cui Barré comprendeva la sua domanda centrale sull’immagine rispetto al fondo. Quando finì, i suoi dipinti divennero molto più densi, con griglie abbozzate a sostenere segni a tratteggio dipinti, che a loro volta sono velati da strati di lavatura trasparente. Queste opere sono ancora geometriche, tornando a Malevich e ai suoi quadrati, ma sono piuttosto complesse e si avvicinano più di qualsiasi altra cosa fatta da Barré prima ad abbracciare ciò che la maggior parte degli spettatori considererebbe contenuto.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Olio su tela. 81 x 330 cm (quadriptyque). Collezione privata. Cortesia Matthew Marks Gallery, New York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Parigi 2020

Negli ultimi anni, Barré affinò nuovamente il suo linguaggio visivo, questa volta creando una serie di opere geometriche a bordi netti che suggeriscono la sua affinità con un altro pioniere dell’astrazione: Piet Mondrian. Questi, i suoi dipinti finali, con le loro composizioni pulite e piatte, sono talvolta considerati come un rifiuto delle sue opere precedenti, più grezze. Tuttavia, non sembrano così distanti. Mostrano linee dipinte su un fondo per delimitare lo spazio. Le aree dipinte interrogano il fondo, sollevando domande su quale parte del dipinto sia l’immagine. Come tutti i suoi dipinti precedenti, anche queste opere finali chiedono cosa sia più importante: il contenuto di un dipinto o il suo supporto? Per me, questa non è solo una domanda sulla pittura, ma anche una domanda esistenziale sull’essere pittore. Chiede cosa sia valido agli occhi degli altri; cosa meriti attenzione; e cosa valga il nostro tempo—domande semplici forse, poste da dipinti semplici, ma la loro semplicità crea spazio per imparare su noi stessi.

Immagine in evidenza: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Olio su tela. 192 x 253 cm (quadriptyque). Centro Pompidou, Museo nazionale d’arte moderna, Parigi. © Centro Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Parigi 2020
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio