Sadamasa Motonaga, Tra Arte Alta e Bassa

Un'esposizione di dipinti astratti di metà carriera di Sadamasa Motonaga è attualmente in mostra presso McCaffrey Fine Art a New York. Motonaga è stato uno dei primi membri del Gutai Group, un collettivo artistico sperimentale formato a Osaka, Giappone, nel 1954. Il fondatore del Gutai, Yoshihara Jiro, scrisse nel suo manifesto Gutai del 1956: “Abbiamo deciso di perseguire con entusiasmo le possibilità della pura creatività.” Essenziale per lo spirito del Gutai era la direttiva di Yoshihara di fare ciò che non era mai stato fatto prima—un'eco del dopoguerra della precedente frase modernista di “farlo nuovo!” Motonaga si affermò fin da subito come un membro chiave del Gutai con quella che Yoshihara dichiarò la prima scultura d'acqua mai realizzata, che Motonaga espose nel 1955 nella “Mostra all'aperto sperimentale di arte moderna per sfidare il sole di mezz'estate,” la prima esposizione del Gutai, che si tenne ad Ashiya, Giappone. La scultura consisteva in tubi di plastica trasparente sospesi tra gli alberi. All'interno di ogni tubo, Motonaga iniettò un liquido colorato che poi si accumulava al centro. La luce del giorno attivava il liquido colorato, conferendogli un bagliore effimero. L'opera dava temporaneamente forma alle forze del mondo naturale. Durante la sua lunga carriera, Motonaga sperimentò incessantemente nuovi mezzi e tecniche, ma l'essenza teorica di quella prima scultura del Gutai lo influenzò in ogni fase. Rimase influenzato dalle forme organiche e mutevoli della natura, dai colori fluttuanti e luminescenti dell'acqua e della luce, e dalle forze invisibili che influenzano tutto ciò che vediamo, ascoltiamo, assaporiamo e tocchiamo. L'esposizione presso McCaffrey Fine Art si concentra su un periodo specifico in cui l'artista si trasferì per un breve periodo con sua moglie a New York alla fine degli anni '60. Il trasferimento portò Motonaga a contatto con nuove tecniche, come l'aerografia, e lo motivò a far evolvere il suo lavoro oltre le sue radici del Gutai.

La Politica della Distruzione Creativa

Il Gruppo Gutai è emerso da una cultura di confusione. L'Impero del Giappone aveva subito una sconfitta orribile nella Seconda Guerra Mondiale: l'unica nazione sulla Terra a vivere in prima persona il terrore della distruzione atomica. Alcuni segmenti della popolazione, in particolare gli artisti d'avanguardia, davano per scontato che i modi e i mezzi del passato non fossero più adeguati per la società giapponese. Se la logica della storia li aveva portati sull'orlo dell'annientamento totale, allora tale logica doveva essere distrutta creativamente. È questo che ha spinto Yoshihara a chiedere novità. Non sapeva esattamente cosa fosse necessario per trasformare l'arte giapponese e portarla nel mondo moderno, sapeva solo che doveva essere un prodotto non del passato, ma dell'immaginazione. Una delle qualità essenziali dell'arte Gutai è che affronta la lotta tra gli esseri umani e il mondo naturale. Motonaga ha racchiuso quella lotta poeticamente nella sua scultura d'acqua. L'elemento naturale—l'acqua—è catturato e contenuto, e alterato con colori artificiali: un trionfo dell'umanità sulla natura. Eppure le forze di gravità, luce solare e vento esprimono instancabilmente la loro resistenza, alterando l'opera, spostando la dispersione dell'acqua e la luminosità del colore e della luce.

Sadamasa Motonaga Cambiamento/Continuità: New York 1966-67, vista dell'installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Nei suoi primi dipinti, Motonaga ha continuato questa conversazione tra la volontà umana e le forze naturali. Ha versato pesanti dosi di pittura ad olio sulle superfici permettendo loro di accumularsi, poi ha spostato la superficie, mescolando i materiali tra loro fino a far emergere composizioni fantastiche. Insieme alla vernice ha mescolato ghiaia e altre sostanze, trasformando la texture dell'opera e dando al medium qualcosa contro cui lavorare. Sempre in gioco c'era l'equilibrio tra forze naturali, incidenti, caos e il controllo esercitato dalle scelte e dalle azioni dell'artista. La lotta tra artista e natura è stata trasmessa in modo prominente nelle forme che si sono evolute nelle immagini. Motonaga ha lottato con i materiali, manipolandoli nel miglior modo possibile fino a quando non si sono coagulati in una sorta di forma definitiva. Come elementi figurativi orfani che fluttuano fuori contesto in un vuoto astratto e vorticoso, le forme evocano lo stesso Motonaga, un umano che cerca di trovare il proprio posto in una cultura in evoluzione.

Sadamasa Motonaga Cambiamento/Continuità: New York 1966-67, vista dell'installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Un cambiamento di cuore

Quando Motonaga si trasferì a New York, subì due profondi cambiamenti. Innanzitutto, scoprì l'aerografia. Questa tecnica gli permise di cambiare radicalmente le sue superfici da piani ruvidi, granulosi e testurizzati a tipi di superfici sottili, ariose ed eteree che il contemporaneo giapponese Takashi Murakami in seguito definì "super-flat". Nelle sue composizioni Superflat, Motonaga esercitò una relazione completamente diversa con il controllo. Non stava più creando dipinti che evidenziavano la lotta tra artista e natura fisica. La nuova lotta nel suo lavoro era tra artista e la natura dell'immaginazione. Le sue scelte venivano ora esaminate più da vicino. Il secondo profondo cambiamento nella sua vita fu che, mentre si trovava a New York, sua moglie diede alla luce il loro primo figlio. Motonaga fu improvvisamente sommerso dal mondo visivo di libri, giocattoli e altri prodotti destinati ai bambini. La fantasia e l'ottimismo di quel linguaggio visivo guidarono le scelte che fece nei suoi dipinti, dando vita a un corpo di lavoro pieno di forme astratte biomorfiche gioiose che approssimano cose come parti del corpo umano, verdure, aerei e sottomarini.

Sadamasa Motonaga Cambiamento/Continuità: New York 1966-67, vista dell'installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Sebbene questo importante cambiamento nel suo lavoro abbia turbato molti dei sostenitori che in precedenza avevano collezionato i suoi dipinti, Motonaga è rimasto fedele al punto più importante delle sue radici Gutai: l'autonomia finale dell'artista di creare qualsiasi tipo di opera voglia, e non essere legato ai modi del passato. L'eredità del suo periodo trasformativo a New York ha influenzato generazioni di artisti giapponesi che portano avanti la sua visione estetica non solo nel mondo dell'arte fine, ma anche nel cosiddetto mondo dell'arte bassa di manga e anime. Il ponte tra questi due mondi che Motonaga ha creato è particolarmente potente a causa dell'intensa emozione che i suoi dipinti spesso trasmettono. Non solo sono pieni di fantasia e giovialità, ma evocano frequentemente anche solitudine, isolamento e paura. Sono prova che, anche se Motonaga si è evoluto ben oltre le radici Gutai della sua carriera iniziale, l'ansia che ha definito quella generazione non è mai stata veramente lontana. “Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67” è in mostra fino al 21 dicembre 2018 presso McCaffrey Fine Art a New York.

Immagine in evidenza: Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, vista dell'installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York.
Di Phillip Park