Sadamasa Motonaga, Tra Arte Alta e Bassa

Una mostra di dipinti astratti di metà carriera di Sadamasa Motonaga è attualmente in esposizione presso McCaffrey Fine Art a New York. Motonaga fu uno dei primi membri del Gruppo Gutai, un collettivo artistico sperimentale nato a Osaka, in Giappone, nel 1954. Il fondatore del Gutai, Yoshihara Jiro, scrisse nel suo manifesto Gutai del 1956: “Abbiamo deciso di perseguire con entusiasmo le possibilità della pura creatività.” Essenziale per lo spirito Gutai era la direttiva di Yoshihara di fare ciò che non era mai stato fatto prima—un’eco del dopoguerra della precedente esortazione modernista a “rinnovare!” Motonaga si affermò presto come membro chiave del Gutai con quella che Yoshihara dichiarò la prima scultura d’acqua mai realizzata, che Motonaga espose nel 1955 nella “Mostra sperimentale all’aperto di arte moderna per sfidare il sole di mezza estate,” la prima mostra Gutai, tenutasi ad Ashiya, in Giappone. La scultura consisteva in tubi di plastica trasparente sospesi tra gli alberi. All’interno di ogni tubo, Motonaga inserì un liquido colorato che si raccoglieva al centro. La luce del giorno attivava il liquido colorato, donandogli un bagliore effimero. L’opera dava temporaneamente forma alle forze del mondo naturale. Nel corso della sua lunga carriera Motonaga sperimentò incessantemente nuovi mezzi e tecniche, ma l’essenza teorica di quella prima scultura Gutai lo influenzò in ogni fase. Rimase influenzato dalle forme mutevoli e organiche della natura, dai colori luminosi e fluttuanti dell’acqua e della luce, e dalle forze invisibili che influenzano tutto ciò che vediamo, ascoltiamo, gustiamo e tocchiamo. La mostra presso McCaffrey Fine Art si concentra su un periodo specifico in cui l’artista si trasferì per un breve periodo con la moglie a New York alla fine degli anni Sessanta. Il trasferimento mise Motonaga in contatto con nuove tecniche, come l’aerografia, e lo spinse a far evolvere il suo lavoro oltre le radici Gutai.

La politica della distruzione creativa

Il Gruppo Gutai emerse da una cultura di confusione. L’Impero del Giappone aveva subito una sconfitta orribile nella Seconda guerra mondiale—l’unica nazione al mondo a testimoniare direttamente il terrore della distruzione atomica. Alcuni segmenti della popolazione, in particolare gli artisti d’avanguardia, diedero per scontato che i modi e i mezzi del passato non fossero più adeguati alla società giapponese. Se la logica della storia li aveva condotti sull’orlo dell’annientamento totale, allora tale logica doveva essere distrutta creativamente. Questo spinse Yoshihara a chiedere novità. Non sapeva esattamente cosa fosse necessario per trasformare l’arte giapponese e portarla ai giorni nostri, sapeva solo che doveva essere un prodotto non del passato, ma dell’immaginazione. Una delle qualità essenziali dell’arte Gutai è che affronta la lotta tra l’uomo e il mondo naturale. Motonaga racchiuse poeticamente questa lotta nella sua scultura d’acqua. L’elemento naturale—l’acqua—è catturato e contenuto, e alterato con colore artificiale: un trionfo dell’umanità sulla natura. Eppure le forze di gravità, luce solare e vento esprimono instancabilmente la loro resistenza, modificando l’opera, spostando la dispersione dell’acqua e la radiosità del colore e della luce.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, vista dell’installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Nei suoi primi dipinti, Motonaga continuò questo dialogo tra volontà umana e forze naturali. Versava grandi quantità di colore a olio sulle superfici lasciandolo accumulare, poi spostava la superficie, mescolando i mezzi tra loro fino a far emergere composizioni fantastiche. Nel colore mescolava ghiaia e altre sostanze, trasformando la consistenza dell’opera e dando al mezzo qualcosa contro cui lavorare. Sempre in gioco era l’equilibrio tra forze naturali, incidenti, caos e il controllo esercitato dalle scelte e azioni dell’artista. La lotta tra artista e natura si manifestava chiaramente nelle forme che si sviluppavano nelle immagini. Motonaga lottava con i mezzi, manipolandoli al meglio fino a farli coagulare in una qualche forma definitiva. Come elementi figurativi orfani che fluttuano fuori contesto in un vuoto astratto vorticoso, le forme evocano lo stesso Motonaga, un essere umano che cerca il proprio posto in una cultura in evoluzione.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, vista dell’installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Un cambiamento di cuore

Quando Motonaga si trasferì a New York, subì due profondi cambiamenti. Primo, scoprì l’aerografia. Questa tecnica gli permise di trasformare radicalmente le sue superfici da piani ruvidi, granulosi e materici a superfici sottili, leggere ed eteree che il contemporaneo giapponese Takashi Murakami definì poi “superpiatte.” Nelle sue composizioni Superpiatte, Motonaga esercitò un rapporto completamente diverso con il controllo. Non realizzava più dipinti che evidenziassero la lotta tra artista e natura fisica. La nuova lotta nel suo lavoro era tra artista e natura dell’immaginazione. Le sue scelte erano ora più attentamente esaminate. Il secondo cambiamento profondo nella sua vita fu che, mentre era a New York, sua moglie diede alla luce il loro primo figlio. Motonaga fu improvvisamente sommerso dal mondo visivo di libri, giocattoli e altri prodotti destinati ai bambini. La fantasia e l’ottimismo di quel linguaggio visivo guidarono le scelte che fece nei suoi dipinti, dando vita a un corpus di opere piene di forme astratte biomorfiche allegre che richiamano cose come parti del corpo umano, verdure, aeroplani e sommergibili.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, vista dell’installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York

Sebbene questo grande cambiamento nel suo lavoro turbasse molti dei sostenitori che avevano precedentemente raccolto i suoi dipinti, Motonaga rimase fedele al punto più importante delle sue radici Gutai: l’autonomia finale dell’artista di creare qualsiasi tipo di opera desideri, senza essere legato ai modi del passato. L’eredità del suo periodo di trasformazione a New York influenzò generazioni di artisti giapponesi che portano avanti la sua visione estetica non solo nel mondo dell’arte raffinata, ma anche nel cosiddetto mondo dell’arte popolare di manga e anime. Il ponte tra questi due mondi creato da Motonaga è particolarmente potente per l’intensa emozione che i suoi dipinti spesso trasmettono. Non solo sono pieni di fantasia e allegria, ma evocano frequentemente anche solitudine, isolamento e paura. Sono la prova che, anche se Motonaga si evolse ben oltre le radici Gutai dei suoi primi anni, l’ansia che definì quella generazione non fu mai veramente lontana. “Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67” è in mostra fino al 21 dicembre 2018 presso McCaffrey Fine Art a New York.

Immagine in evidenza: Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, vista dell’installazione presso McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto per gentile concessione di McCaffrey Fine Art, New York
Di Phillip Barcio