La Musica del Colore di Sam Gilliam a Basilea

In concomitanza con l'inizio di Art Basel 2018, il Kunstmuseum Basel ha recentemente aperto quella che viene definita la prima mostra personale europea mai realizzata dell'opera dell'artista astratto americano Sam Gilliam. Intitolata The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, la mostra presenta un totale di 45 opere curate da collezioni private e istituzionali degli Stati Uniti e dell'Europa. Secondo l'opinione di molti artisti che lavorano oggi, Gilliam è uno dei pittori americani più importanti, non solo perché il suo lavoro è bello, ma anche per il contributo che ha dato alla teoria dell'arte contemporanea. Le sue innovazioni hanno infranto le preconcezioni in un momento cruciale e hanno sfidato direttamente alcune delle voci più forti della sua generazione. Le sue idee erano così importanti che potrebbe sembrare difficile credere che Gilliam non abbia mai avuto prima una mostra personale in Europa. Tuttavia, se si esamina davvero la sua carriera, potrebbe non essere così sorprendente dopo tutto. Gilliam ha sempre fatto le cose a modo suo. Anche se il suo lavoro ha contribuito a stabilire il mercato dell'arte multifaccettato che conosciamo oggi, non ha mai soddisfatto le aspettative di quel mercato. In una parola, Gilliam è un ribelle. Nonostante abbia rappresentato gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia due volte—nel 1972 e nel 2017—solo di recente ha firmato con una galleria, per la prima volta nella sua carriera. In passato, anche quando era sotto i riflettori, ha per lo più venduto il suo lavoro da solo, dal suo studio. Tuttavia, i suoi acquirenti includevano dozzine dei musei più prestigiosi del mondo, tra cui la Tate Modern, il Guggenheim Museum di New York, il Metropolitan Museum of Art, il MoMA e la National Gallery of Art di Washington, DC, tutti i quali possiedono le sue opere. La sua disponibilità a non fare mai ciò che ci si aspetta potrebbe essere ciò che ha impedito a Gilliam di essere oggetto di una mostra monografica europea fino ad ora. Ma è anche ciò che ha portato ai suoi più grandi successi. La sua singolare fiducia nella propria visione rende Gilliam il rappresentante perfetto dell'indipendenza nel mondo dell'arte, ed è ciò che lo ha reso una leggenda vivente nel mondo dell'arte astratta contemporanea.

Sull'orlo smussato

Nato nel 1933, Gilliam iniziò la sua carriera professionale in un periodo in cui le tendenze si dirigevano verso il Minimalismo, l'Astrazione Geometrica e l'Astrazione Post-Pittorica. Come molti altri pittori della sua generazione, iniziò a dipingere esattamente quel tipo di opere. Le sue opere astratte geometriche a bordi netti degli anni '60 ricordano i lavori di artisti come Frank Stella, Max Bill o Carmen Herrera. L'anno in cui tutto cambiò per Gilliam fu il 1967. Fu allora che adottò un metodo completamente diverso di versare la vernice acrilica direttamente su tela non preparata e poi piegare la tela mentre la vernice era ancora bagnata. Poi lasciava asciugare la tela in modo che le linee sgualcite fossero per sempre incorporate nel materiale. Solo allora tendeva la tela su barre di tensione.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrilico su tela, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesia dell'artista, del Metropolitan Museum of Art, New York, e della David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurigo.

Le linee risultanti da questo metodo servono come resti della mano dell'artista e aggiungono struttura e dimensionalità all'oggetto artistico. Questa innovazione da sola è stata rivoluzionaria. Eppure Gilliam non si è fermato qui. Ha successivamente smussato i bordi delle sue barre di telaio, portando nuova attenzione ai lati del dipinto, conferendo loro un'importanza pari a quella della superficie. I bordi smussati facevano sembrare i dipinti come se stessero emergendo verso l'esterno dalla parete, piuttosto che semplicemente appesi ad essa. Questo dava ai dipinti una presenza quasi scultorea. Ha chiamato queste opere “Slice Paintings.” La parola slice aveva molteplici significati. Le barre di telaio erano state tagliate, creando l'effetto smussato. Inoltre, le pieghe nella tela agivano come fessure nell'immagine, creando combinazioni di colori imprevedibili e variazioni strutturali inaspettate nell'opera, reminiscenti dei letti dei fiumi scolpiti nella superficie della Terra.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrilico su tela, travi di quercia. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesia dell'artista, Kunstmuseum Basel e David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurigo

Mai lo stesso due volte

L'innovazione successiva per cui Gilliam è conosciuto è avvenuta nel 1968, quando ha creato il suo primo "Drape Painting". Questo corpo di lavoro abita uno spazio teorico che si colloca tra pittura, scultura e installazione, poiché elimina le barre di supporto, espandendo così la definizione di cosa possa essere una pittura. Gilliam ha dipinto i suoi "Drape Paintings" utilizzando lo stesso metodo che impiegava con i suoi "Slice Paintings", versando la vernice acrilica direttamente su tela non preparata. Ma quando il dipinto era finito, invece di accartocciarlo e poi allungarlo, ha semplicemente drappeggiato la tela direttamente sulla parete, come una tenda o un indumento. I suoi "Drape Paintings" hanno portato l'idea di una tela sagomata a un nuovo livello, permettendo all'opera di adottare una configurazione completamente nuova ogni volta che viene presentata. Gilliam ha notato con piacere che i suoi "Drape Paintings" non vengono mai mostrati nello stesso modo due volte.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acrilico su tela, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesia dell'artista e del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zurigo.

Dai suoi importanti traguardi alla fine degli anni '60, Gilliam ha continuato a sperimentare ed evolversi come artista. Ha ampliato la sua gamma di superfici, dipingendo su carta e legno. Ha anche esaminato i limiti del collage, trovando sempre più modi per mescolare materiali, mezzi e tecniche. Tuttavia, nonostante le apparenti differenze in tutti i suoi vari corpi di lavoro, c'è un aspetto di tutto ciò che Gilliam ha fatto che definisce il suo contributo unico all'arte contemporanea, che ha a che fare con come ci ha aiutato a capire che la pittura e la scultura sono davvero la stessa cosa. La gente spesso dice che un artista ha sfumato i confini tra pittura e scultura, forse perché i loro dipinti hanno dimensione, o perché pendono dal soffitto o si trovano sul pavimento. Gilliam ha realizzato molto di più di questo. Tratta davvero le sue superfici allo stesso modo in cui uno scultore potrebbe trattare il metallo, il marmo o l'argilla. Dimostra che la superficie di un dipinto possiede la capacità di trasmettere emozioni, raccontare una storia o comunicare un soggetto formale. Definisce la superficie come più di un supporto: la rende un medium a sé stante. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 è in mostra fino al 30 settembre presso The Kunstmuseum Basel.

Immagine in evidenza: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrilico su tela, 304.8 x 2269 cm. Collezione Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zurigo

Di Phillip Park