La Musica del Colore di Sam Gilliam a Basilea

In concomitanza con l'inizio di Art Basel 2018, il Kunstmuseum Basel ha recentemente inaugurato quella che viene definita la prima mostra personale europea mai realizzata sull'opera dell'artista astratto americano Sam Gilliam. Intitolata La Musica del Colore: Sam Gilliam, 1967 – 1973, la mostra presenta un totale di 45 opere selezionate da collezioni private e istituzionali degli Stati Uniti e dell'Europa. Secondo molti artisti contemporanei, Gilliam è uno dei pittori americani più importanti, non solo perché le sue opere sono belle, ma per il contributo che ha dato alla teoria dell'arte contemporanea. Le sue innovazioni hanno infranto preconcetti in un momento cruciale, sfidando direttamente alcune delle voci più autorevoli della sua generazione. Le sue idee erano così importanti che può sembrare difficile credere che Gilliam non abbia mai avuto prima una mostra personale in Europa. Tuttavia, se si esamina attentamente la sua carriera, non è poi così sorprendente. Gilliam ha sempre fatto le cose a modo suo. Anche se il suo lavoro ha contribuito a stabilire il mercato artistico poliedrico che conosciamo oggi, non si è mai conformato alle aspettative di quel mercato. In una parola, Gilliam è un ribelle. Nonostante abbia rappresentato gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia due volte — nel 1972 e nel 2017 — ha firmato con una galleria solo di recente, per la prima volta nella sua carriera. In passato, anche quando era sotto i riflettori, vendeva principalmente le sue opere direttamente dal suo studio. Tuttavia, i suoi acquirenti includevano decine dei musei più prestigiosi al mondo, tra cui la Tate Modern, il Guggenheim Museum di New York, il Metropolitan Museum of Art, il MoMA e la National Gallery of Art di Washington, DC, tutti custodi delle sue opere. La sua volontà di non fare mai ciò che ci si aspetta potrebbe essere stata la ragione per cui Gilliam non è stato oggetto di una mostra monografica europea fino ad ora. Ma è anche ciò che ha portato alle sue più grandi scoperte. La sua singolare fiducia nella propria visione rende Gilliam il perfetto rappresentante dell'indipendenza nel mondo dell'arte, ed è ciò che lo ha reso una leggenda vivente nell'arte astratta contemporanea.

Sul bordo smussato

Nato nel 1933, Gilliam iniziò la sua carriera professionale in un periodo in cui le tendenze si dirigevano verso il Minimalismo, l'Astrazione Geometrica e la Astrazione Post-Pittorica. Come molti altri pittori della sua generazione, iniziò dipingendo proprio quel tipo di opere. I suoi lavori astratti geometrici a bordi netti dei primi anni Sessanta ricordano le opere di artisti come Frank Stella, Max Bill o Carmen Herrera. L'anno in cui tutto cambiò per Gilliam fu il 1967. Fu allora che adottò un metodo completamente diverso, versando vernice acrilica direttamente su tela non preparata e poi piegando la tela mentre la vernice era ancora bagnata. Successivamente lasciava asciugare la tela in modo che le pieghe rimanessero per sempre incorporate nel materiale. Solo allora tendeva la tela sui telai.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrilico su tela, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesia dell'artista, del Metropolitan Museum of Art di New York e della David Kordansky Gallery di Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurigo

Le linee risultanti da questo metodo rappresentano tracce della mano dell'artista e aggiungono struttura e tridimensionalità all'oggetto artistico. Questa innovazione da sola fu rivoluzionaria. Ma Gilliam non si fermò qui. Successivamente smussò i bordi dei suoi telai, attirando nuova attenzione ai lati del dipinto, conferendo loro pari importanza rispetto alla superficie. I bordi smussati facevano sembrare i dipinti come se emergessero dalla parete, invece di essere semplicemente appesi. Questo conferiva ai dipinti una presenza quasi scultorea. Chiamò queste opere “Dipinti a fetta”. La parola fetta aveva molteplici significati. I telai venivano tagliati, creando l'effetto smussato. Inoltre, le pieghe nella tela agivano come fette nell'immagine, creando combinazioni di colori imprevedibili e variazioni strutturali inaspettate, simili ai letti dei fiumi incisi sulla superficie della Terra.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrilico su tela, travi di quercia. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesia dell'artista, Kunstmuseum Basel e David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurigo

Mai uguale due volte

La successiva innovazione per cui Gilliam è noto avvenne nel 1968, quando creò il suo primo “Dipinto a drappeggio”. Questa serie di opere occupa uno spazio teorico a metà strada tra pittura, scultura e installazione, poiché elimina i telai, ampliando così la definizione di cosa può essere un dipinto. Gilliam dipinse i suoi “Dipinti a drappeggio” usando lo stesso metodo impiegato per i “Dipinti a fetta”, versando vernice acrilica direttamente su tela non preparata. Ma quando il dipinto era finito, invece di piegarlo e poi tendere la tela, la drappeggiava semplicemente direttamente sulla parete, come una tenda o un indumento. I suoi “Dipinti a drappeggio” portarono l'idea della tela sagomata a un nuovo livello, permettendo all'opera di assumere una configurazione completamente nuova ogni volta che viene esposta. Gilliam ha felicemente osservato che i suoi “Dipinti a drappeggio” non vengono mai mostrati nello stesso modo due volte.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acrilico su tela, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesia dell'artista e del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zurigo

Dai suoi grandi successi alla fine degli anni Sessanta, Gilliam ha continuato a sperimentare ed evolversi come artista. Ha ampliato la gamma di superfici, dipingendo su carta e legno. Ha anche esplorato i limiti del collage, trovando sempre nuovi modi di fondere materiali, mezzi e tecniche. Nonostante le apparenti differenze tra le sue varie serie di opere, c'è un aspetto di tutto ciò che Gilliam ha fatto che definisce il suo contributo unico all'arte contemporanea, e riguarda il modo in cui ci ha aiutato a capire che pittura e scultura sono davvero la stessa cosa. Si dice spesso che un artista abbia sfumato i confini tra pittura e scultura, forse perché i suoi dipinti hanno dimensione, o perché pendono dal soffitto o stanno sul pavimento. Gilliam ha fatto molto di più. Tratta davvero le sue superfici come uno scultore tratterebbe il metallo, il marmo o l'argilla. Dimostra che la superficie di un dipinto possiede la capacità di trasmettere emozioni, raccontare una storia o comunicare un soggetto formale. Definisce la superficie come più di un semplice supporto—la rende un mezzo a sé stante. La Musica del Colore: Sam Gilliam, 1967 – 1973 è in mostra fino al 30 settembre al Kunstmuseum Basel.

Immagine in evidenza: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrilico su tela, 304,8 x 2269 cm. Collezione Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zurigo

Di Phillip Barcio