L'Influenza Sottile della Washington Color School

La storia della Scuola del Colore di Washington è una storia da prendere come monito. In apparenza (per così dire) è solo una semplice narrazione su sei pittori: Kenneth Noland, Morris Louis, Gene Davis, Howard Mehring, Thomas Downing e Paul Reed. Ognuno di loro ha vissuto a Washington, D.C., e ognuno si è dedicato a un tipo simile di pittura astratta definita da aree piatte e solide di colore vibrante, solitamente dipinte con vernice acrilica Magna su tele non preparate. La cosa più importante è che ciascuno aveva opere incluse in I Pittori del Colore di Washington, una mostra inaugurata nel 1965 alla breve ma influente Washington Gallery of Modern Art (WGMA). Ma sotto questa narrazione relativamente innocua si nasconde un mondo di imitatori, manipolatori e creatori di miti culturali che, una volta compreso per quello che è, offre l’opportunità di guardare con occhio critico a come le mode si radicano nell’arte e a come galleristi, curatori e critici esercitano influenza sulle narrazioni accettate della storia dell’arte.

La Storia Dietro le Quinte

Data: 1952. Una giovane pittrice astratta di nome Helen Frankenthaler sta sperimentando nel suo studio a New York. Usa colori a olio e, come la maggior parte dei pittori a olio, di solito prepara prima le tele prima di applicare i colori, e diluisce i colori quel tanto che basta per poterci lavorare. Ma in quel giorno ha un’epifania. Decide di diluire fortemente i suoi colori a olio e, invece di applicarli con un pennello su una tela preparata, stende una tela non preparata sul pavimento e versa direttamente su di essa i colori diluiti. La vernice penetra nella tela, macchiando le fibre e diffondendosi sulla superficie in modi non pianificati. Intitola il risultato di questo primo esperimento Montagne e Mare. La sua leggerezza eterea è il risultato del modo in cui i colori interagiscono con la superficie e tra loro grazie alla nuova tecnica che ha appena inventato.

Uno dei critici d’arte più influenti in America nel 1952 era un uomo di nome Clement Greenberg. Fece una visita allo studio di Helen Frankenthaler poco dopo che lei aveva dipinto la sua opera rivoluzionaria Montagne e Mare. Greenberg riconobbe immediatamente il genio della sua innovazione. Ma invece di lodare semplicemente Frankenthaler come la pittrice d’avanguardia che era, Greenberg invitò due pittori uomini che rispettava, Morris Louis e Kenneth Noland, a venire da Washington, D.C. per vedere cosa aveva fatto Frankenthaler. Greenberg poi li incoraggiò a prendere questa nuova tecnica entusiasmante e usarla nelle loro opere, cosa che fecero. Poi, mentre sviluppavano ulteriormente la tecnica nei loro esperimenti, Greenberg sostenne Louis e Noland come all’avanguardia di un movimento artistico da lui inventato chiamato Astrazione Post-Pittorica, definito da superfici piatte, e che faceva parte di un movimento ancora più ampio da lui inventato chiamato Scuola del Colore, che sosteneva la supremazia del colore sugli altri elementi estetici.

Helen Frankenthaler - Montagne e Mare, 1952, Olio e carboncino su tela non trattata e non preparata, 219,4 × 297,8 cm, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

La Scuola del Colore di Washington

Avanti veloce al 1962. John F. Kennedy è Presidente degli Stati Uniti. Le arti e la cultura sono al centro dell’attenzione dei salotti di Washington, D.C., e Alice Denney, la grande dama dell’arte d’avanguardia di Washington, D.C., ha appena aperto una nuova galleria: la Washington Gallery of Modern Art. La sua prima direttrice, Adelyn Breeskin, proveniente dal Baltimore Museum of Art, cura una mostra inaugurale con le opere di Franz Kline. Alla serata di apertura è presente nientemeno che Helen Frankenthaler, insieme a molti altri artisti rispettati. La mostra è un successo. Due anni dopo, quando Adelyn Breeskin se ne va, la WGMA è l’epicentro del mondo artistico di Washington, D.C.

Assunto per sostituire Breeskin come direttore è il critico d’arte Gerald Nordland. Nel solo anno che Nordland trascorre alla galleria organizza una mostra influente: I Pittori del Colore di Washington. La mostra introduce l’argomento che a Washington, D.C., lontano dall’influenza della scena artistica di New York, è emerso in modo del tutto indipendente un gruppo unico di pittori della Scuola del Colore che dovrebbe essere riconosciuto a livello internazionale per i loro risultati idiosincratici. La mostra ebbe un enorme successo e l’idea di una Scuola del Colore di Washington guadagnò rapidamente terreno tra collezionisti, curatori, galleristi e altri artisti basati a Washington, D.C., oltre ai sei originali, desiderosi di associarsi a un movimento famoso.

Kenneth Noland - Ponte, 1964, Acrilico su tela, 226,2 x 248,8 cm

Imitatori, Manipolatori e Creatori di Miti

La controversia più evidente che è emersa riguardo ai Pittori del Colore di Washington è che i due membri più famosi del cosiddetto movimento localizzato, Kenneth Noland e Morris Louis, entrambi hanno copiato da Helen Frankenthaler, una pittrice di New York. Se Clement Greenberg avesse dato credito a chi spettava, sarebbe stato chiaro che le opere dei cosiddetti Pittori del Colore di Washington erano influenzate da pittori di altri luoghi. Ma il credito non fu dato dove spettava, il che ci porta alla seconda controversia più evidente sui Pittori del Colore di Washington: tutti i pittori nella mostra erano uomini bianchi, l’unico tipo di artista che Greenberg abbia mai sostenuto. La cosa più bizzarra è che uno di loro (Morris Louis) era morto tre anni prima della mostra, e uno (Kenneth Noland) si era trasferito in Vermont un anno prima.

Per la maggior parte, invece di infrangere il fragile guscio che protegge il mito di una Scuola del Colore di Washington, gli storici dell’arte contemporanea hanno semplicemente abbracciato la storia, usando la sua narrazione semplice e lineare come un comodo punto di partenza per mostre, conferenze e saggi. La sottocategoria risultante dell’arte astratta degli anni ’60 permette così a certe opere di raggiungere prezzi nominalmente più alti all’asta, e alle carriere di una manciata di artisti che altrimenti avevano poco di originale da aggiungere alla conversazione di guadagnare credibilità. Il che non vuole denigrare alcun artista o la loro opera. Vuole solo sottolineare che quando lasciamo che movimenti e etichette inventate dominino la nostra comprensione di qualcosa di complesso come l’arte, cediamo all’influenza dei potenti del passato, spesso più motivati da razza, genere e dal proprio ego che dall’estetica.

Morris Louis - Gamma Epsilon, 1960-196, Acrilico su tela, 260,4 × 492,8 cm

Immagine in evidenza: Gene Davis - Tarzan (dettaglio), dalla Serie Portfolio 1, 1969, Serigrafia su tela montata su tavola, 61,6 × 76,8 cm, foto per gentile concessione di Art Resource Group, Irvine

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio