Questi artisti continuano a ridefinire l'arte stampata in 3D

Ho sentito una barzelletta una volta a un'apertura d'arte che presentava arte stampata in 3D. Andava più o meno così: “Come fai a sapere che stai guardando un'opera d'arte stampata in 3D?” Risposta: “Perché tutti te lo dicono.” Mi ha fatto ridere prima di tutto perché è vero, le persone tendono a essere così entusiaste di questo medium che non possono resistere a parlarne. E in secondo luogo ho riso perché in quasi ogni caso di arte stampata in 3D che ho visto, il fatto che fosse stata realizzata utilizzando una stampante 3D mi sembrava irrilevante. Nulla di queste opere sembrava richiedere la tecnologia. Tutto ciò avrebbe potuto essere fatto utilizzando qualche altro mezzo. Il che solleva la domanda: di cosa sta parlando tutti? Le stampanti 3D sono solo strumenti, non diverse nella loro natura da, diciamo, i proiettori. Non mi è mai capitato che qualcuno si avvicinasse a me in una galleria, puntasse a un disegno e dicesse: “Quello è stato fatto usando un proiettore.” Ma d'altra parte, non mi è mai capitato che qualcuno si avvicinasse a me e dicesse: “Quello è stato fatto interamente da assistenti mentre l'artista era in vacanza.” Il punto è che non importa. Una volta che l'idea per un'opera d'arte è formata e vengono intrapresi passi per realizzarla, non fa differenza se il lavoro effettivo è svolto da questa macchina o da quell'altra macchina, o da questo paio di mani o da quell'altro paio di mani. Il fatto che sia stata utilizzata una stampante 3D per fare arte non convalida in alcun modo l'opera: è solo un aspetto dell'esperienza, e di solito l'aspetto meno importante. Questo, almeno, è la mia opinione. Quindi, quando mi è stato chiesto di scrivere su artisti che stanno ridefinendo l'arte stampata in 3D, ho adottato la prospettiva di dover presentare artisti che hanno idee interessanti e stanno creando opere di cui mi piacerebbe parlare indipendentemente da come vengono realizzate. Quindi, con questa avvertenza, ecco sette artisti che utilizzano la tecnologia di stampa 3D per realizzare il loro lavoro e che, attraverso la forza delle loro idee, stanno ridefinendo il posto di questo nuovo strumento nell'estetica contemporanea.

Rirkrit Tiravanija

Se hai mai sentito il termine Estetica Relazionale, o Arte Relazionale, probabilmente hai sentito parlare dell'artista thailandese Rirkrit Tiravanija. Il suo lavoro è stato essenziale per l'aumento della popolarità di questo tipo di esperienza artistica negli anni '90. La sua mostra di arte relazionale più famosa si chiamava pad thai. Per la mostra, che si è tenuta alla Paula Allen Gallery di New York nel 1990, invece di creare e mostrare opere, l'artista ha cucinato pad thai nello spazio e lo ha servito ai visitatori della galleria. La mostra ha contribuito a definire l'estetica relazionale come un'esplorazione dell'idea che gli artisti non siano tanto creatori, quanto facilitatori di esperienze. Le relazioni umane che emergono da quelle esperienze sono ciò che è più importante.

Più recentemente, Tiravanija sta ricevendo attenzione per la sua installazione immersiva ad Art Basel Hong Kong 2017, che ha messo in discussione il ruolo dell'arte e della storia dell'arte all'interno dell'esperienza umana. L'opera era essenzialmente un gigantesco labirinto costruito con bambù legato tradizionalmente. I visitatori entravano nel labirinto e, mentre cercavano di orientarsi al suo interno, incontravano gradualmente cinque bonsai stampati in 3D, ognuno posizionato su un piedistallo di legno ispirato alle basi scultoree create un tempo dall'artista Constantin BrâncuÈ™i. Il fatto che i bonsai siano stampati in 3D non è la cosa più importante. È il fatto che siano artificiali a contare. Il punto di un bonsai è che è una cosa naturale interferita dalle mani umane in modo tale che l'interferenza umana sia irriconoscibile. In questo caso, l'artificialità degli alberi combinata con le nozioni evocative ispirate dal labirinto, tutto mescolato con i riferimenti alla storia dell'arte, lavora insieme per dare agli spettatori un'esperienza astratta e aperta che richiede interazione sociale per comprendere i suoi potenziali livelli di significato.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Età Somers

La parola vanitas deriva dal latino e significa vuoto. È stata utilizzata nei Paesi Bassi nel XVI e XVII secolo come nome per un tipo di pittura di natura morta. I dipinti di Vanitas sono fondamentalmente pitture di natura morta che mostrano collezioni di oggetti banali e materiali, di solito insieme a teschi umani, illustrando l'insensatezza della ricerca di cose terrene. L'artista e designer olandese Wieki Somers ha utilizzato il linguaggio visivo comune ai dipinti di Vanitas in una serie di opere d'arte stampate in 3D che ha creato nel 2010, in risposta a un concorso di design che chiedeva ai designer di "pensare al concetto di progresso." Intitolata Consume or Conserve, la serie che ha creato presentava tre tableau scultorei di natura morta. Ogni tableau consisteva in prodotti banali e quotidiani, come una bilancia, un aspirapolvere e un tostapane, interamente stampati in 3D con le ceneri di resti umani.

Nella sua spiegazione del lavoro, Somers ha sottolineato che la tecnologia umana è avanzata al punto che potremmo presto trovarci di fronte alla prospettiva della vita eterna. "Ma," ha chiesto, "a cosa serve una vita eterna se la usiamo solo per continuare a essere meri consumatori che aspirano a sempre più prodotti, indipendentemente dalle conseguenze? Continuando su questa strada di innovazione non criticata, un giorno potremmo trovarci trasformati nei stessi prodotti che assemblamo." Ha seguito quel concetto fino alla sua logica conclusione, creando letteralmente prodotti dai resti di vite umane un tempo preziose.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

L'artista di New York Stephanie Lempert crea opere sulla comunicazione. Sperando di attirare la nostra attenzione sul linguaggio e sui modi in cui lo usiamo per comunicare le nostre storie, le nostre storie e i nostri ricordi per creare significato nelle nostre vite. Artista multidimensionale, Lempert utilizza una varietà di media. Uno dei suoi corpi di lavoro più concisi è una serie chiamata Reconstructed Reliquaries, per la quale ha creato reliquie scultoree che sono letteralmente costruite dal linguaggio. Questi oggetti parlano da soli su più livelli. Lempert li ha creati attraverso l'uso di software di stampa 3D. Preferisce, tuttavia, utilizzare la terminologia standard del settore, ma meno accattivante, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

L'artista olandese Theo Jansen è diventato famoso negli anni '90 quando ha iniziato a creare i suoi Strandbeest, gigantesche creature cinetiche che sembrano camminare da sole. Sono, come lui le chiama, "animali da spiaggia a propulsione autonoma." Potresti aver visto filmati di loro che strisciano poeticamente lungo le spiagge di tutto il mondo. Parte designer, parte ingegnere e parte artista, Jansen ha detto una volta: "I muri tra arte e ingegneria esistono solo nelle nostre menti." Normalmente, le sue grandi creazioni sono fatte di tubi in PVC. Ma recentemente ha iniziato a rendere le sue creazioni disponibili per quasi chiunque offrendo in vendita miniature di Strandbeests stampate in 3D a soli €160,00. La cosa più meravigliosa è che chiunque riesca a ottenere i piani può farne stampare uno. Come afferma il suo sito web, "Gli Strandbeest di Theo Jansen hanno trovato un modo per moltiplicarsi iniettando il loro DNA digitale direttamente nei sistemi di stampa 3D."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Il lavoro dell'artista belga Nick Ervinck urla di colori vividi e forme emozionanti, incarnando l'idea che in qualche modo un oggetto che occupa spazio possa anche creare spazio. Le sue sculture vengono in tutte le dimensioni, da miniature a opere pubbliche monumentali. Progettando i propri strumenti e tecniche di stampa 3D, sta spingendo i confini di questo strumento, utilizzandolo non solo come un fine in sé, ma come un metodo idiosincratico per realizzare le sue creazioni visionarie personali.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Speranza di Shane

L'artista di Brooklyn Shane Hope utilizza strutture cellulari stampate in 3D come un elemento delle sue opere astratte. Da lontano, sembrano opere pittoriche accumulate con pennellate impasto, ma a un esame più attento si rivelano pile di nano-strutture assemblate. Il fatto che questo elemento sia stato stampato in 3D non è ovvio né necessario per l'apprezzamento delle opere, ma la considerazione delle implicazioni della tecnologia aggiunge strati al loro potenziale significato.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Il lavoro dell'artista ceca Monika Horcicova è inquietante e bello. Torna a temi di ossa umane e strutture scheletriche, creando composizioni che sfidano le nostre idee sul nostro scopo e potenziale. Anche se non lavora esclusivamente in questo medium, spesso utilizza la tecnologia di stampa 3D per creare le sue sculture in composito di gesso.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Immagine in evidenza: Rirkrit Tiravanija - Senza titolo 2013 (ombra indicativa n.1), 2013-2017. Base in acciaio inossidabile (3 x pannelli), plastica stampata in 3D (Albero di Bonsai), cubo in acciaio inossidabile (plinto). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 in, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija e Pilar Corrias Gallery, Londra.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park