Questi artisti continuano a ridefinire l'arte stampata in 3D

Una volta ho sentito una battuta durante un'inaugurazione d'arte dedicata all'arte stampata in 3D. Diceva più o meno così: “Come fai a capire che stai guardando un'opera d'arte stampata in 3D?” Risposta: “Perché tutti te lo dicono.” Mi ha fatto ridere innanzitutto perché è vero, la gente tende a essere così entusiasta di questo mezzo che non riesce a trattenersi dal parlarne continuamente. E poi ho riso perché in quasi tutti i casi di arte stampata in 3D che ho visto, il fatto che fosse realizzata con una stampante 3D mi è sembrato irrilevante. Nulla in queste opere sembrava richiedere quella tecnologia. Tutto avrebbe potuto essere fatto con altri mezzi. Il che solleva la domanda: di cosa stanno parlando tutti? Le stampanti 3D sono solo strumenti, non diversi nella loro natura, per esempio, dai proiettori. Non mi è mai capitato che qualcuno si avvicinasse a me in una galleria, indicasse un disegno e dicesse: “Quello è stato fatto con un proiettore.” Ma d'altra parte, non mi è mai capitato che qualcuno si avvicinasse e dicesse: “Quello è stato fatto interamente da assistenti mentre l'artista era in vacanza.” Il punto è che non importa. Una volta che l'idea per un'opera è formata e si intraprendono i passi per realizzarla, non fa differenza se il lavoro effettivo è svolto da questa macchina o da quell'altra, o da questa coppia di mani o da quell'altra. Il fatto che sia stata usata una stampante 3D per creare l'arte non convalida in alcun modo l'opera—è solo un aspetto dell'esperienza, e di solito l'aspetto meno importante. Questa, almeno, è la mia opinione. Quindi, quando mi è stato chiesto di scrivere su artisti che stanno ridefinendo l'arte stampata in 3D, ho adottato la prospettiva di presentare artisti che hanno idee interessanti e realizzano opere di cui mi piacerebbe parlare, indipendentemente da come vengono realizzate. Detto questo, ecco sette artisti che utilizzano la tecnologia di stampa 3D per creare le loro opere e che, grazie alla forza delle loro idee, stanno ridefinendo il ruolo di questo nuovo strumento nell'estetica contemporanea.

Rirkrit Tiravanija

Se avete mai sentito il termine Estetica Relazionale, o Arte Relazionale, probabilmente conoscete l'artista thailandese Rirkrit Tiravanija. Il suo lavoro è stato fondamentale per la diffusione di questo tipo di esperienza artistica negli anni ’90. La sua mostra di arte relazionale più famosa si chiamava pad thai. Per la mostra, tenutasi alla Paula Allen Gallery di New York nel 1990, invece di creare e mostrare opere, l'artista cucinò pad thai nello spazio espositivo e lo servì ai visitatori della galleria. La mostra contribuì a definire l'estetica relazionale come un'esplorazione dell'idea che gli artisti non sono tanto creatori, quanto facilitatori di esperienze. Le relazioni umane che emergono da queste esperienze sono ciò che conta di più.

Più recentemente, Tiravanija ha attirato l'attenzione per la sua installazione immersiva ad Art Basel Hong Kong 2017, che metteva in discussione il ruolo dell'arte e della storia dell'arte nell'esperienza umana. L'opera era essenzialmente un enorme labirinto costruito con bambù legato secondo la tradizione. I visitatori entravano nel labirinto e, mentre si orientavano al suo interno, incontravano gradualmente cinque bonsai stampati in 3D, ciascuno posto su un piedistallo di legno ispirato alle basi scultoree un tempo create dall'artista Constantin BrâncuÈ™i. Il fatto che i bonsai siano stampati in 3D non è la cosa più importante. Conta il fatto che siano artificiali. Il senso di un bonsai è che è una cosa naturale modificata dalle mani umane in modo che l'interferenza umana sia irriconoscibile. In questo caso, l'artificialità degli alberi, unita alle suggestioni evocate dal labirinto e ai riferimenti alla storia dell'arte, funziona insieme per offrire agli spettatori un'esperienza astratta e aperta che richiede l'interazione sociale per comprenderne i potenziali livelli di significato.

Rirkrit Tiravanija - Senza titolo 2017 (no acqua no fuoco), 2017. Bonsai stampato in 3D su base di legno. © Rirkrit Tiravanija, Cortesia della galleria Neugerriemschneider, Berlino

Wieki Somers

La parola vanitas deriva dal latino e significa vuoto. Fu usata nei Paesi Bassi nel XVI e XVII secolo come nome per un tipo di natura morta. I dipinti vanitas sono fondamentalmente nature morte che mostrano raccolte di oggetti banali e materiali, spesso insieme a teschi umani, illustrando l'inutilità della ricerca delle cose terrene. L'artista e designer olandese Wieki Somers ha usato il linguaggio visivo comune ai dipinti vanitas in una serie di opere stampate in 3D create nel 2010, in risposta a un concorso di design che chiedeva ai partecipanti di “riflettere sulla nozione di progresso.” Intitolata Consumare o Conservare, la serie comprendeva tre nature morte scultoree. Ogni tableau era composto da prodotti banali e quotidiani, come una bilancia, un aspirapolvere e un tostapane, interamente stampati in 3D con le ceneri di resti umani.

Nella spiegazione dell'opera, Somers sottolineava che la tecnologia umana è progredita al punto che presto potremmo trovarci di fronte alla prospettiva della vita eterna. “Ma,” chiedeva, “a cosa serve una vita eterna se la usiamo solo per continuare a essere semplici consumatori che desiderano sempre più prodotti, senza considerare le conseguenze? Continuando su questa strada di innovazione incontrollata, un giorno potremmo ritrovarci trasformati proprio nei prodotti che assemblamo.” Ha portato questo concetto alla sua conclusione logica, creando letteralmente prodotti fatti con i resti di vite umane un tempo preziose.

Wieki Somers - Consumare o Conservare, 2010. Resti umani stampati in 3D. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

L'artista newyorkese Stephanie Lempert realizza opere sulla comunicazione. Sperando di attirare la nostra attenzione sul linguaggio e sui modi in cui lo usiamo per comunicare le nostre storie, le nostre memorie e i nostri ricordi per creare significato nelle nostre vite. Artista multidimensionale, Lempert utilizza vari mezzi espressivi. Una delle sue serie più concise è chiamata Reliquiari Ricostruiti, per la quale ha creato reliquie scultoree costruite letteralmente dal linguaggio. Questi oggetti parlano da soli su più livelli. Lempert li ha realizzati usando software di stampa 3D. Preferisce però usare la terminologia standard del settore, meno di moda, scultura a prototipo rapido.

Stephanie Lempert - Reliquiari Ricostruiti, Alla ricerca del tempo perduto, 2011. Scultura a prototipo rapido. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

L'artista olandese Theo Jansen divenne noto negli anni ’90 quando iniziò a creare i suoi Strandbeests, gigantesche creature cinetiche che sembrano camminare da sole. Sono, come li chiama lui, “animali da spiaggia autopropulsi.” Probabilmente avete visto filmati di loro che si muovono poeticamente sulle spiagge di tutto il mondo. Parte designer, parte ingegnere e parte artista, Jansen una volta disse: “I muri tra arte e ingegneria esistono solo nelle nostre menti.” Normalmente, le sue grandi creazioni sono fatte con tubi di PVC. Ma recentemente ha iniziato a rendere le sue creazioni accessibili a quasi chiunque offrendo in vendita miniature di Strandbeests stampate in 3D per soli 160,00 €. La cosa più bella è che chiunque abbia i piani può farne stampare una copia. Come afferma il suo sito web, “Gli Strandbeests di Theo Jansen hanno trovato un modo per moltiplicarsi iniettando il loro DNA digitale direttamente nei sistemi di stampa 3D.”

Theo Jansen - Miniatura di Strandbeest stampata in 3D. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Le opere dell'artista belga Nick Ervinck esplodono di colori vivaci e forme entusiasmanti, incarnando l'idea che un oggetto che occupa spazio possa anche creare spazio. Le sue sculture sono di tutte le dimensioni, da miniature a opere pubbliche monumentali. Progettando i propri strumenti e tecniche di stampa 3D, spinge i confini di questo strumento, utilizzandolo non solo come fine a sé stesso ma come metodo singolare per realizzare le sue creazioni visionarie personali.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Poliuretano e poliestere. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

L'artista di Brooklyn Shane Hope utilizza strutture cellulari stampate in 3D come elemento delle sue pitture astratte. Da lontano, sembrano opere pittoriche cariche di pennellate in rilievo, ma a un esame più attento si rivelano pile di nano-strutture assemblate. Il fatto che questo elemento sia stato stampato in 3D non è evidente né necessario per apprezzare le opere, ma la riflessione sulle implicazioni della tecnologia aggiunge strati al loro potenziale significato.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. Modelli molecolari PLA stampati in 3D su supporto acrilico. © Shane Hope, cortesia della Galleria Winkleman, New York

Monika Horcicova

Le opere dell'artista ceca Monika Horcicova sono suggestive e belle. Torna spesso ai temi delle ossa umane e delle strutture scheletriche, creando composizioni che mettono in discussione le nostre idee sul nostro scopo e potenziale. Pur non lavorando esclusivamente con questo mezzo, ha spesso utilizzato la tecnologia di stampa 3D per creare le sue sculture in composito di gesso.

Monika Horcicova - K2, 2011. Composito di gesso stampato in 3D. © Monika Horcicova

Immagine in evidenza: Rirkrit Tiravanija - Senza titolo 2013 (ombra indicale n.1), 2013-2017. Base in acciaio inox (3 pannelli), plastica stampata in 3D (Bonsai), cubo in acciaio inox (plinto). 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija e Galleria Pilar Corrias, Londra
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio