Due importanti mostre di Mary Heilmann danno all'artista un'attenzione da tempo dovuta.

Mary Heilmann sta ricevendo molta attenzione in questo momento, il che probabilmente sarebbe la prima cosa che ammetterebbe di aver sempre voluto. Questo non è una critica. Sto solo parafrasando ciò che Heilmann ha detto al Guardian in un'intervista nel 2016. Quando era giovane, voleva essere un'atleta perché attirava l'attenzione. Così è diventata una tuffatrice, ma poi, quando il surf era di moda, è diventata una surfista per poter essere al centro della scena. Al college ha studiato poesia. È stato solo quando ha iniziato a ricevere attenzione per la sua abilità nel modellare la ceramica che si è avvicinata all'arte. Ma cosa c'è di sbagliato in questo? Cosa c'è di sbagliato nel fare qualcosa perché ti porta attenzione? Cosa c'è di sbagliato nel non avere qualche motivo altruistico per fare arte? Alcuni artisti affermano di fare arte per una compulsione a creare. Altri affermano motivi filosofici o poetici più arroganti. Poi ci sono artisti che semplicemente rifiutano di spiegare perché fanno ciò che fanno, come se fosse incomprensibile o inesplicabile con semplici parole. Heilmann, che ha compiuto 77 anni all'inizio di quest'anno, è abbastanza a suo agio nella propria pelle da dire la verità: semplicemente le piace creare cose, e poiché è interessante, divertente, attira attenzione e paga le bollette, ha continuato a farlo. Ma rispetto ai suoi amici, che nel corso degli anni hanno incluso Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman e dozzine di altri artisti famosi, Heilmann ha vissuto una vita di relativa oscurità. Tutto è cambiato nel 2007, quando una grande retrospettiva del suo lavoro ha viaggiato per gli Stati Uniti per due anni. Da allora, ha gradualmente iniziato a rivendicare il suo giusto posto come forza influente nell'arte astratta contemporanea che è veramente. Se non hai mai sentito parlare di Mary Heilmann, diversi elementi della sua vasta opera sono attualmente in mostra in due esposizioni personali simultanee vicine tra loro a New York, rendendo questo il momento perfetto per scoprire il suo lavoro.

L'arte dell'onestà

Mary Heilmann ha generosamente rilasciato dozzine di interviste nel corso della sua carriera. Questo da solo non la distinguerebbe necessariamente da qualsiasi altro artista. Ma ciò che la distingue è che nelle sue interviste è così disposta a essere brutalmente onesta. Nel suo modo rilassato e informale, dice esattamente ciò che sta realmente pensando, rendendo difficile, se non impossibile, per chiunque criticarla veramente—anche se molte persone nel corso degli anni ci hanno provato. Ad esempio, ci sono quelli che hanno definito il lavoro di Heilmann derivativo, suggerendo che stia semplicemente ripetendo i tropi stanchi del passato, e persino copiando apertamente i successi di alcuni altri artisti famosi. Ma in un'intervista con Ross Bleckner per BOMB Magazine, Heilmann ha parlato con orgoglio del fatto che spesso trae ispirazione da artisti del passato il cui lavoro ammira. A un certo punto di quell'intervista, indica un nuovo lavoro a Bleckner e dice che è un Calder. E non sono solo artisti famosi quelli che Heilmann imita. In molte interviste ha detto, con un sorriso sul volto, che ama le combinazioni di colori dello show televisivo I Simpson. Copia i colori sulle sue tele, sperando solo di raggiungere la stessa vivacità e purezza che avevano quando li ha visti per la prima volta nel cartone animato. Alcuni critici chiamano Heilmann pigra. Ma nella sua intervista con ART21, ha tolto il vento dalle vele dei suoi detrattori, ridendo di quanto sia pigra, osservando che non potrebbe mai aver lottato come hanno fatto gli Espressionisti Astratti. Ammette di cercare attivamente i modi più rapidi e facili per realizzare le sue opere. Parla apertamente di utilizzare Photoshop per sviluppare le sue idee, e scherza sul fatto che alcuni dei suoi dipinti le richiedono solo pochi minuti per essere prodotti. E poi c'è la critica più famosa che ha ricevuto, quando il critico d'arte David Hickey accusò Heilmann di non sapere nulla dell'arte della pittura. Quando le viene chiesto di quel saggio oggi, Heilmann concorda, riconoscendo che quando Hickey scrisse quel saggio aveva ragione.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Folli e le loro follie

Ma c'è qualcosa di esattamente sbagliato nel pensiero di tutti quei critici, che scambiano erroneamente Mary Heilmann per una sciocca. Prima di tutto, dimenticano la saggezza del poeta William Blake, che ha sottolineato che il folle che persiste nella sua follia diventa saggio. Infatti, sebbene Heilmann possa non aver saputo nulla dell'arte della pittura quando ha iniziato a dipingere all'inizio degli anni '70, si è insegnata da sola. Ha studiato il lavoro dei suoi idoli. Ha conversato con gli altri artisti con cui socializzava e lavorava. Ha fatto affidamento sul suo spirito competitivo, sul suo genio e sulla sua perseveranza per imparare così tanto sull'arte della pittura da arrivare a insegnarla professionalmente. E per un'artista suppostamente pigra, Heilmann ha certamente prodotto un corpo di lavoro straordinariamente massiccio, uno che, incidentalmente, si trova rappresentato in molte delle collezioni più prestigiose del mondo. E per un'artista che è suppostamente derivativa, è notevole quanto quel corpo di lavoro sia diventato conciso e immediatamente riconoscibile. Forse ciò che i critici non riescono a capire è che non spetta a loro decidere quali siano i requisiti per essere un artista. L'autore americano Kurt Vonnegut ha una volta sottolineato in una lettera a suo fratello, un aspirante pittore, che ciò che rende un'opera d'arte buona è che le persone vogliono starle intorno. Nel caso di Mary Heilmann, il suo lavoro si adatta sicuramente a questo criterio. Si adatta così bene, infatti, che una delle cose per cui Heilmann è diventata più conosciuta è la sua tendenza a includere sedie nelle sue esposizioni, in modo che le persone che partecipano agli spettacoli possano sedersi. Progetta e crea a mano le sedie. Sono iconiche della sua tavolozza e del mondo delle forme che ha sviluppato nel suo altro lavoro. Il fatto che siano necessarie—che i visitatori che partecipano alle sue esposizioni abbiano bisogno di sedersi per un po' perché sono interessati a rimanere per un periodo così lungo in presenza del suo lavoro—è tutta la convalida di cui Heilmann ha bisogno.

Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Painted plywood, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery

Dimostrazioni di forza

Quando Mary Heilmann arrivò per la prima volta a New York City, dopo aver conseguito il suo MFA presso l'Università della California, Berkeley, nel 1968, si definiva una "hippie aggressiva". Credeva di essere brava quanto Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse o qualsiasi altro artista che dominava la scena in quel periodo. Si presentava al bar dove si trovavano artisti così famosi e iniziava discussioni solo per provocare la concorrenza. Ricevette un po' di attenzione all'epoca, ma le fu negata la fama che desiderava ardentemente e che pensava di meritare. Oggi è contemplativa riguardo a quelle esperienze. Riflessiona sul fatto che forse è una cosa buona che l'attenzione che sta ricevendo oggi non sia arrivata prima nella sua vita. Sente che il suo lavoro precedente non sarebbe stato compreso allora nello stesso modo in cui può essere compreso ora. Questa idea tocca un tema comune per Heilmann: il concetto giapponese di Wabi-sabi. Essenzialmente, Wabi-sabi è l'idea che la bellezza si trova nell'impermanenza. Una tazza da tè in ceramica gettata che possiede imperfezioni è più bella di qualcosa di fatto in macchina perché accetta le imperfezioni dei materiali, così come quelle della persona che l'ha realizzata. Man mano che le cose invecchiano, il tempo lascia il suo segno su di esse e diventano più belle: questo è Wabi-sabi. Nel 1976, se avessimo avuto la possibilità di vedere i dipinti rossi, gialli e blu che Mary Heilmann stava creando, chi può dire come avremmo reagito a loro. Ma ora, quarant'anni dopo, sono fisicamente più vecchi, così come noi. Vediamo le loro imperfezioni, così come le imperfezioni dell'artista che li ha creati, che non ha mai cercato di nascondere. In qualche modo, attraverso quell'esperienza, potremmo anche notare le imperfezioni in noi stessi e riconoscerne la grazia.

RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, installation view at Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann Attualmente in Mostra

Se desideri scoprire l'arte di Mary Heilmann, cinque tele, un pezzo ceramico appeso e cinque tazze e piattini in ceramica sono attualmente in mostra presso il Dan Flavin Art Institute della Dia Art Foundation a Bridgehamton, New York fino al 27 maggio 2018. Contemporaneamente, fino al 28 ottobre 2017, la mostra RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 alla Craig F. Starr Gallery di New York presenta un'installazione di tre ciotole in ceramica su un camino, oltre a 12 tele che Heilmann ha creato durante il suo periodo di svolta della fine degli anni '70, quando utilizzava solo colori primari e forme geometriche semplici come sfida per reimmaginare cosa potesse diventare la pittura. Meta Description: Due mostre attuali a New York del lavoro di Mary Heilmann presentano esempi delle sue pitture, sculture e ceramiche, mostrando l'opera variegata di un'artista influente.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Immagine in evidenza: Mary Heilmann - vista dell'installazione, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Di Phillip Park