Due importanti mostre di Mary Heilmann danno all'artista un'attenzione da tempo dovuta.

Mary Heilmann sta attirando molta attenzione in questo momento, cosa che probabilmente sarebbe la prima a riconoscere come tutto ciò che ha sempre veramente desiderato. Non è una critica. Sto solo parafrasando ciò che Heilmann ha detto al Guardian in un’intervista del 2016. Quando era giovane, voleva diventare un’atleta perché questo le dava attenzione. Così divenne tuffatrice, ma poi, quando il surf divenne di moda, divenne surfista per poter far parte della scena. All’università studiò poesia. Fu solo quando iniziò a ricevere attenzione per la sua abilità nel modellare la ceramica che si avvicinò all’arte. Ma cosa c’è di sbagliato in questo? Cosa c’è di sbagliato nel fare qualcosa perché ti porta attenzione? Cosa c’è di sbagliato nel non avere qualche motivo altruistico per creare arte? Alcuni artisti affermano di fare arte per una compulsione a creare. Altri sostengono ragioni filosofiche o poetiche più altezzose. Poi ci sono artisti che semplicemente rifiutano di spiegare perché fanno ciò che fanno, come se fosse insondabile o inesprimibile con semplici parole. Heilmann, che ha compiuto 77 anni all’inizio di quest’anno, si sente abbastanza a suo agio nella propria pelle da dire la verità: semplicemente le piace creare cose, e poiché è interessante, divertente, attira attenzione e paga le bollette, ha continuato a farlo. Ma rispetto ai suoi amici, che nel corso degli anni hanno incluso Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman e dozzine di altri artisti famosi, Heilmann ha vissuto una vita di relativa oscurità. Tutto questo cambiò nel 2007, quando una grande retrospettiva della sua opera viaggiò per gli Stati Uniti per due anni. Da allora, ha gradualmente iniziato a rivendicare il suo legittimo ruolo come forza influente nell’arte astratta contemporanea che realmente è. Se non avete mai sentito parlare di Mary Heilmann, diversi elementi della sua vasta opera sono attualmente esposti in due mostre personali simultanee vicine tra loro a New York, rendendo questo il momento perfetto per scoprire il suo lavoro.

L’arte dell’onestà

Mary Heilmann ha concesso generosamente dozzine di interviste durante la sua carriera. Questo da solo non la distinguerebbe necessariamente da qualsiasi altro artista. Ma ciò che la distingue è che nelle sue interviste è così disposta a essere brutalmente onesta. Nel suo modo rilassato e informale, dice esattamente ciò che pensa davvero, rendendo difficile, se non impossibile, per chiunque criticarla davvero—anche se molte persone nel corso degli anni ci hanno provato. Per esempio, ci sono quelli che hanno definito il lavoro di Heilmann derivativo, suggerendo che stia solo ripetendo i tropi stanchi del passato, e addirittura copiando apertamente i risultati di altri artisti famosi. Ma in un’intervista con Ross Bleckner per BOMB Magazine, Heilmann ha parlato con orgoglio del fatto che spesso trae ispirazione da artisti del passato il cui lavoro ammira. A un certo punto di quell’intervista, indica a Bleckner un’opera nuova e dice che è un Calder. E non sono solo artisti famosi quelli che Heilmann imita. In molte interviste ha detto, con un sorriso sul volto, che ama le combinazioni di colori del cartone animato I Simpson. Copia i colori sulle sue tele, sperando solo di raggiungere la stessa vivacità e purezza che avevano quando li ha visti per la prima volta nel cartone. Alcuni critici definiscono Heilmann pigra. Ma nella sua intervista con ART21, ha tolto il vento alle vele dei suoi detrattori, ridendo di quanto sia pigra, osservando che non avrebbe mai potuto lottare come hanno fatto gli Espressionisti Astratti. Ammette di cercare attivamente i modi più rapidi e semplici per realizzare le sue opere. Parla apertamente dell’uso di Photoshop per sviluppare le sue idee, e scherza sul fatto che alcune sue pitture le realizza in pochi minuti. E poi c’è la critica più famosa che ha ricevuto, quando il critico d’arte David Hickey accusò Heilmann di non sapere nulla dell’arte della pittura. Oggi, quando le si chiede di quell’articolo, Heilmann concorda, riconoscendo che quando Hickey scrisse quell’articolo aveva ragione.

Mary Heilmann - vista dell’installazione, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Gli sciocchi e le loro follie

Ma c’è qualcosa di esattamente sbagliato nel modo di pensare di tutti quei critici, che scambiano erroneamente Mary Heilmann per una sciocca. Prima di tutto, dimenticano la saggezza del poeta William Blake, che osservò che lo sciocco che persiste nella sua follia diventa saggio. Infatti, anche se Heilmann poteva non sapere nulla dell’arte della pittura quando iniziò a dipingere nei primi anni ’70, si è istruita da sola. Ha studiato il lavoro dei suoi idoli. Ha conversato con gli altri artisti con cui socializzava e lavorava. Ha fatto affidamento sul suo spirito competitivo, sul suo genio e sulla sua perseveranza per imparare così tanto sull’arte della pittura da arrivare a insegnarla professionalmente. E per un’artista che si dice pigra, Heilmann ha certamente prodotto un corpus di opere straordinariamente vasto, che, tra l’altro, si trova rappresentato in molte delle collezioni più prestigiose del mondo. E per un’artista che si dice derivativa, è notevole quanto quel corpus di opere sia diventato conciso e immediatamente riconoscibile. Forse ciò che i critici non riescono a capire è che non spetta a loro decidere quali siano i requisiti per essere un artista. Lo scrittore americano Kurt Vonnegut una volta osservò in una lettera al fratello, un pittore aspirante, che ciò che rende un’opera d’arte buona è che le persone vogliono starle vicino. Nel caso di Mary Heilmann, il suo lavoro risponde sicuramente a questo criterio. Lo fa così bene, infatti, che una delle cose per cui Heilmann è diventata più nota è la sua tendenza a includere sedie nelle sue mostre, così che le persone che vi assistono possano sedersi. Progetta e realizza a mano le sedie. Sono iconiche della sua tavolozza e del mondo di forme che ha sviluppato nelle sue altre opere. Il fatto che siano necessarie—che i visitatori delle sue mostre sentano il bisogno di sedersi per un po’ perché sono interessati a restare a lungo in presenza delle sue opere—è tutta la conferma di cui Heilmann ha bisogno.

Mary Heilmann - Sunny Chair per Whitechapel (2016) (Mint), 2016, compensato dipinto, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 pollici, © Whitechapel Gallery

Dimostrazioni di forza

Quando Mary Heilmann arrivò per la prima volta a New York, dopo aver conseguito il suo MFA all’Università della California, Berkeley, nel 1968, si definiva una “hippie aggressiva”. Credeva di essere brava quanto Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse o qualsiasi altro artista che dominava la scena in quel periodo. Aveva l’abitudine di presentarsi al bar dove si ritrovavano quegli artisti famosi e iniziare discussioni solo per provocare la concorrenza. All’epoca otteneva un po’ di attenzione, ma le venne negata la fama che desiderava ardentemente e che pensava di meritare. Oggi riflette su quelle esperienze con più calma. Ritiene che forse sia una cosa buona che l’attenzione che sta ricevendo oggi non le sia arrivata prima nella vita. Sente che il suo lavoro precedente non sarebbe stato compreso allora allo stesso modo in cui può esserlo ora. Questa idea tocca un tema comune per Heilmann: il concetto giapponese di Wabi-sabi. Essenzialmente, Wabi-sabi è l’idea che la bellezza si trovi nell’impermanenza. Una tazza di ceramica modellata a mano che presenta imperfezioni è più bella di qualcosa fatto a macchina perché accetta le imperfezioni dei materiali, così come quelle della persona che l’ha fatta. Con il passare del tempo, le cose invecchiano, il tempo lascia il suo segno su di esse e diventano più belle—questo è Wabi-sabi. Nel 1976, se avessimo avuto la possibilità di vedere i dipinti rossi, gialli e blu che Mary Heilmann stava realizzando, chi può dire come avremmo reagito. Ma ora, quaranta anni dopo, sono fisicamente più vecchi, come lo siamo noi. Vediamo le loro imperfezioni, così come le imperfezioni dell’artista che li ha creati, che lei non ha mai cercato di nascondere. In qualche modo, attraverso quell’esperienza, potremmo anche notare le imperfezioni in noi stessi e riconoscerne la grazia.

RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, vista dell’installazione alla Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann attualmente in mostra

Se desiderate scoprire l’arte di Mary Heilmann, cinque tele, un’opera ceramica sospesa e cinque tazze con piattini sono attualmente in mostra al Dan Flavin Art Institute presso la Dia Art Foundation a Bridgehampton, New York, fino al 27 maggio 2018. Contemporaneamente, fino al 28 ottobre 2017, la mostra RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 alla Craig F. Starr Gallery di New York presenta un’installazione di tre ciotole di ceramica su un camino, oltre a 12 tele che Heilmann creò durante il suo periodo di svolta alla fine degli anni ’70, quando usava solo colori primari e forme geometriche semplici come sfida per reimmaginare cosa potesse diventare la pittura. Meta Description: Due mostre attuali a New York del lavoro di Mary Heilmann presentano esempi delle sue pitture, sculture e ceramiche, mostrando la variegata opera di un’artista influente.

Mary Heilmann - vista dell’installazione, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Immagine in evidenza: Mary Heilmann - Mary Heilmann, Ray, 2017. © Mary Heilmann. Foto: Thomas Müller. Cortesia dell’artista

Di Phillip Barcio