Un Art Autre - Astrazione nella Parigi del dopoguerra da Levy Gorvy

Nel 1952, il critico d'arte e curatore francese Michel Tapié coniò l'espressione “Un Art Autre,” che significa “arte di un altro tipo,” per riferirsi a una tendenza che percepiva nell'arte astratta, lontana dalla razionalità e orientata verso la spontaneità. La tendenza non si manifestava solo in Francia, dove Tapié risiedeva, ma fu proprio in Francia che molti artisti da tutto il mondo si recarono negli anni '50 e '60 per condividere la loro esplorazione di questo fenomeno estetico. Alcuni erano veterani della Seconda Guerra Mondiale che rimasero in Europa dopo la guerra o vi tornarono per studiare e lavorare. Altri erano semplicemente attratti dall'entusiasmo di una città e di una cultura che cercavano di ricostruirsi. Sfruttando la singolare “cultura del caffè” di Parigi, questo collettivo internazionale di artisti e pensatori condivideva liberamente le proprie idee, creando una scena entusiasmante e primordiale. Questa affascinante cultura è attualmente oggetto di una mostra presso Levy Gorvy a Londra, che prende il nome dal movimento a cui Tapié diede un nome. Un Art Autre presenta 22 dipinti di cinque pittori— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell e Sam Francis—ognuno dei quali, in qualche momento degli anni '50 e '60, chiamò Parigi casa. Rappresentando rispettivamente Francia, Cina, Canada e Stati Uniti, questi artisti portarono con sé una visione del mondo individualistica e una storia personale. Ognuno aveva un rapporto completamente diverso con la pittura e con la vita. Eppure, tutti condividevano il desiderio di connettersi con qualcosa di intuitivo e libero. Questi cinque artisti non furono certo le uniche voci dell’“arte di un altro tipo” che si sviluppò negli anni del dopoguerra in Europa, ma vedere le loro opere insieme in questa mostra offre un punto d’ingresso significativo nel movimento di cui facevano parte. Offre inoltre agli spettatori contemporanei l’opportunità di esaminare le differenze tra questo movimento e tendenze simili che si manifestarono in altri luoghi nello stesso periodo, come l’Espressionismo Astratto negli Stati Uniti.

Colore e Bianco e Nero

Oggi, Pierre Soulages è considerato da molti il più grande pittore vivente. È amato per i suoi eleganti e spesso emotivamente travolgenti dipinti neri. Anche quando Soulages stava sviluppando la sua voce unica a Parigi dopo la guerra, aveva una profonda comprensione di come il colore nero funzionasse nei suoi dipinti. Non lo vedeva come un modo per mostrare l’oscurità, ma come un modo per “creare luce.” Giocando con finiture lucide e opache e creando relazioni tra le aree nere e bianche della tela, creava opportunità per la luce di interagire con le texture e le sfumature. Le relazioni tra le diverse aree della tela sono parte di ciò che rende i suoi dipinti così luminosi. In questa mostra vediamo cinque delle sue tele. Nonostante la loro struttura compositiva rigorosa in dipinti come “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) e “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), i loro neri vibranti e le pennellate decise danno vita alle superfici. Non sono affatto un nero puro, ma l’interazione di ocra, blu e bianco fa brillare il nero ancora di più.

Joan Mitchell - Senza titolo, 1957. Olio su tela. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 pollici). Collezione privata, Santa Barbara. © Patrimonio di Joan Mitchell.

Le relazioni cromatiche erano altrettanto fondamentali per Joan Mitchell, quattro delle cui opere sono presenti in questa mostra. Tutte e quattro—che saranno probabilmente nuove per la maggior parte dei visitatori, essendo state raccolte interamente da collezioni private—dimostrano la maestria con cui Mitchell riusciva a trasmettere il tono emotivo attraverso la sua tavolozza di colori. Ciò che vediamo nelle sue opere è chiaramente qualcosa “di natura,” nonostante i dipinti siano completamente astratti. Questa sensazione di naturalità è accentuata dallo stile gestuale quasi estatico che Mitchell sviluppò durante le sue frequenti visite e il successivo trasferimento in Francia—uno stile splendidamente rappresentato dalle opere in questa mostra. Le sue composizioni sono le più libere e sciolte di tutte le opere esposte: una testimonianza del suo desiderio di scomparire dentro se stessa mentre dipingeva e di catturare un senso di qualcosa di personale basato sui suoi ricordi del mondo naturale.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olio su tela. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 pollici). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University in St. Louis. Dono di Mr. e Mrs. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, California / DACS 2019.

L’intera gamma dell’impulso

Le opere in mostra di Jean Paul Riopelle mostrano il cambiamento drammatico avvenuto nei suoi metodi all’inizio degli anni ’50. La più riconoscibile della mostra è “Abstraction (Orange)” (1952). Una delle opere più grandi, la sua azione gestuale frenetica richiama immediatamente un parallelo con i dipinti a spruzzo più spesso associati ai pittori espressionisti astratti come Jackson Pollock. In opere successive come “Horizontal, Black and White” (1955), vediamo Riopelle costruire una tecnica molto più deliberata, con segni di pennello stretti, misurati e carichi di ansia, pur mantenendo l’energia impulsiva che anima così tanto il suo lavoro. All’estremo quasi opposto della scala dell’impulso vediamo tre dipinti sublimi di Zao Wou-Ki. Le loro tavolozze smorzate e le armonie compositive equilibrate mostrano un pittore che trova un equilibrio meravigliosamente inquietante tra espressione libera e calma misurata.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Black and White, 1955. Olio su tela. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 pollici). Foto: Øystein Thorvaldsen. Collezione Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Norvegia. © SODRAC, Montreal e DACS, Londra, 2019.

Il pittore che conosco meno di questa mostra è Sam Francis. Dopo aver visto i cinque esempi delle sue opere in mostra, sento che c’è ancora molto da scoprire su di lui. L’effimera frivolezza di una composizione senza titolo, arancione, gialla e blu, mi ha evocato pensieri su Hellen Frankenthaler, mentre la sua “Blue Series No. 1” (1960) richiamava immediatamente Yves Klein. Altri due pezzi—“Composition” (c. 1957-58) e “Untitled” (1959)—offrivano qualcosa di più distinto: un’eccitazione quasi elettrica, come se stessi letteralmente guardando immagini di fluttuazione e flusso. Questi concetti, infatti, sono al centro di ciò che questa mostra vuole dire sull’“altro tipo di arte” emerso a Parigi negli anni ’50 e ’60. È difficile definirlo esattamente e difficile nominarlo, ma era un’arte definita dalla sua capacità di cambiare e dalla sua volontà di lasciar andare. Un Art Autre è in mostra presso Levy Gorvy London fino al 5 luglio 2019.

Immagine in evidenza: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olio su tela. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 pollici). Collezione privata. © DACS 2019.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio