Un Art Autre - Astrazione nella Parigi del dopoguerra da Levy Gorvy

Nel 1952, il critico d'arte e curatore francese Michel Tapié coniò la frase “Un Art Autre”, che significa “arte di un altro tipo”, per riferirsi a una tendenza che percepiva nell'arte astratta, lontana dalla razionalità e verso la spontaneità. La tendenza non si manifestava solo in Francia, dove Tapié era basato, ma era in Francia che molti artisti provenienti da tutto il mondo viaggiavano negli anni '50 e '60 per condividere la loro esplorazione di questo fenomeno estetico. Alcuni erano veterani della Seconda Guerra Mondiale che rimasero in Europa dopo la guerra o vi tornarono per studiare e lavorare. Altri erano semplicemente attratti dall'emozione di una città e di una cultura che cercava di ricostruirsi. Sfruttando la particolare “cultura del caffè” di Parigi, questo collettivo internazionale di artisti e pensatori condivideva liberamente le proprie idee, creando una scena emozionante e primordiale. Quella cultura affascinante è attualmente oggetto di una mostra presso Levy Gorvy a Londra, che prende il nome dal movimento a cui Tapié diede un nome. Un Art Autre presenta 22 dipinti di cinque pittori— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell e Sam Francis—ognuno dei quali, in un certo momento degli anni '50 e '60, chiamò Parigi casa. Rappresentando rispettivamente Francia, Cina, Canada e Stati Uniti, questi artisti portarono con sé una visione del mondo individualistica e una storia personale. Ognuno aveva un rapporto completamente diverso con la pittura e con la vita. Eppure, condividevano tutti il desiderio di connettersi con qualcosa di intuitivo e libero. Questi cinque artisti non erano di certo le uniche voci dell'“arte di un altro tipo” che si sviluppò negli anni del dopoguerra in Europa, ma vedere le loro opere insieme in questa mostra offre un punto di accesso toccante al movimento di cui facevano parte. Offre anche agli spettatori contemporanei l'opportunità di esaminare le differenze tra questo movimento e tendenze simili che si manifestarono in altri luoghi durante questo periodo, come l'Espressionismo Astratto negli Stati Uniti.

Colore e Bianco e Nero

Oggi, Pierre Soulages è considerato da molti il più grande pittore vivente. È amato per i suoi eleganti e spesso emotivamente travolgenti dipinti neri. Anche quando Soulages stava sviluppando la sua voce unica a Parigi dopo la guerra, aveva una profonda comprensione di come il colore nero funzionasse nei suoi dipinti. Lo vedeva non come un modo per mostrare l'oscurità, ma come un modo per "creare luce". Accostando finiture lucide e opache e creando relazioni tra le aree nere e bianche della tela, ha creato opportunità per la luce di interagire con le texture e le tonalità. Le relazioni tra le diverse aree della tela sono parte di ciò che rende i suoi dipinti così luminosi. In questa esposizione, vediamo cinque delle sue tele. Nonostante la loro struttura compositiva rigorosa in dipinti come "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) e "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), i loro neri vibranti e le pennellate vigorose danno vita alle loro superfici. Non sono affatto un nero puro, ma l'interazione degli ocra, blu e bianchi in qualche modo fa brillare ancora di più il nero.

Joan Mitchell - Senza titolo, 1957. Olio su tela. 69 x 58 1/2 pollici (175,2 x 148,5 cm). Collezione privata, Santa Barbara. © Eredità di Joan Mitchell.

Le relazioni cromatiche erano anche di fondamentale importanza per Joan Mitchell, quattro delle cui opere sono in questa esposizione. Tutte e quattro—che probabilmente saranno nuove per la maggior parte dei visitatori, poiché sono state assemblate interamente da collezioni private—dimostrano l'abilità magistrale che Mitchell aveva nel trasmettere il tono emotivo attraverso la sua palette di colori. Ciò che vediamo nelle sue opere è chiaramente qualcosa "di natura", nonostante le immagini siano completamente astratte. Quel senso di naturalità è ulteriormente accentuato dallo stile gestuale quasi estatico che Mitchell sviluppò durante le sue frequenti visite e il suo eventuale trasferimento in Francia—uno stile che è splendidamente rappresentato dalle opere in questa mostra. Le sue composizioni sono le più sciolte e libere di tutte le opere in esposizione: una testimonianza del suo desiderio di scomparire dentro se stessa mentre dipingeva e di catturare un senso di qualcosa di personale basato sui suoi ricordi del mondo naturale.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olio su tela. 80 3/4 x 76 pollici (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Università di Washington a St. Louis. Dono di Mr. e Mrs. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, California / DACS 2019.

L'intera gamma di impulso

Le opere in mostra di Jean Paul Riopelle dimostrano il drammatico cambiamento che si è verificato nei suoi metodi durante i primi anni '50. La più riconoscibile nella mostra è “Astrazione (Arancione)” (1952). Una delle opere più grandi in mostra, la sua frenetica azione gestuale crea un immediato parallelo con i dipinti a spruzzo più spesso associati ai pittori dell'Espressionismo Astratto come Jackson Pollock. Nelle opere successive come “Orizzontale, Nero e Bianco” (1955), vediamo Riopelle costruire una tecnica molto più deliberata, con segni di pennello stretti, misurati e pieni di ansia, pur mantenendo l'energia impulsiva che vivacizza così tanto il suo lavoro. Quasi all'estremità opposta della scala dell'impulso vediamo tre sublimi dipinti di Zao Wou-Ki. Le loro palette smorzate e le armonie compositive bilanciate mostrano un pittore che colpisce un meraviglioso equilibrio inquietante tra espressione libera e calma misurata.

Jean Paul Riopelle - Orizzontale, Bianco e Nero, 1955. Olio su tela. 28 3/4 x 36 1/4 pollici (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Collezione Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Norvegia. © SODRAC, Montreal e DACS, Londra, 2019.

L'artista con cui ho meno familiarità in questa esposizione è Sam Francis. Dopo aver visto i cinque esempi del suo lavoro nella mostra, sento che c'è molto di più da imparare su di lui. L'eterea frivolezza di una composizione arancione, gialla e blu senza titolo ha evocato in me pensieri su Hellen Frankenthaler, mentre la sua “Blue Series No. 1” (1960) richiamava immediatamente Yves Klein. Altri due pezzi—“Composition” (c. 1957-58) e “Untitled” (1959)—offrivano qualcosa di più distintivo: un'eccitazione quasi elettrica, come se stessi letteralmente guardando immagini di fluttuazione e flusso. Quei concetti, infatti, sono al centro di ciò che questa esposizione ha da dire sull'“altro tipo di arte” emerso a Parigi negli anni '50 e '60. È difficile da definire esattamente, e difficile da nominare, ma era un'arte definita dalla sua capacità di cambiare e dalla sua volontà di lasciar andare. Un Art Autre è in mostra presso Levy Gorvy London fino al 5 luglio 2019.

Immagine in evidenza: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olio su tela. 31 7/8 x 51 3/16 pollici (81 x 130 cm). Collezione privata. © DACS 2019.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio