Giovani artisti astratti da tenere d'occhio

Come introduzione a questi profili di dieci artisti astratti emergenti che riteniamo meritino la vostra attenzione, il mio editore mi ha chiesto di commentare un po' sullo stato dell'arte astratta contemporanea. Questa richiesta apparentemente semplice ha tenuto la mia mente in fermento per diversi giorni. Scrivo di arte contemporanea da nove anni e mi concentro specificamente sull'arte astratta da più di un anno e mezzo. Eppure, quando mi viene chiesto di valutare il suo stato, non sono sicuro di cosa dire esattamente. Viviamo in un periodo di estrema ansia per chiunque stia prestando attenzione agli eventi mondiali. E gli artisti vivono nello stesso mondo di tutti gli altri, quindi non è una sorpresa che siano colpiti da questa ansia come chiunque altro. Una moltitudine di forze è al lavoro cercando di scrivere il futuro di questo pianeta, e spesso sembra che pochi di coloro che hanno il potere di influenzare le cose concordino sulla direzione in cui dovrebbe andare la civiltà. Ma è mia opinione che gli artisti astratti siano unici nel loro posizionamento per influenzare il nostro cammino. Sono i nostri poeti visivi. La loro opera può trascendere le barriere di lingua, cultura, nazionalità, genere, razza ed economia. Concordo con artisti come Marcel Duchamp, che credono che gli spettatori completino le opere d'arte attraverso l'esperienza. Gli artisti sono responsabili della creazione di proposizioni estetiche, ma noi siamo quelli responsabili di determinare cosa succede dopo. Possiamo scegliere di essere aperti a nuovi modi di vedere. Possiamo scegliere ciò che ha significato e quale sarà quel significato. Per guidarci lungo quel cammino, gli artisti astratti contemporanei hanno a disposizione gli stessi strumenti dei scienziati contemporanei, soldati, magnati e politici. Cosa faranno con quegli strumenti è la domanda che affrontano ogni giorno. È la mia continua speranza che mi sorprenderanno. I dieci artisti astratti su cui abbiamo scelto di concentrarci oggi lavorano in una gamma di mezzi e formati e creano opere per molte ragioni diverse. La loro diversità riflette i numerosi percorsi diversi che ciascuno di noi in questo mondo contemporaneo è libero di intraprendere. A mio modesto parere, sono la prova che lo stato dell'arte astratta oggi è vivo come non lo è mai stato e capace come non lo è mai stato di produrre opere che siano significative, importanti, influenti e inaspettate.

Iva Gueorguieva

Nata a Sofia, Bulgaria, nel 1974, Iva Gueorguieva ha conseguito il suo MFA presso la Tyler School of Art di Philadelphia e attualmente vive e lavora a Los Angeles, CA. La sua visione estetica è particolarmente adatta all'ambiente urbano. Essa coinvolge pezzi disparati che si uniscono per partecipare alla creazione di un nuovo tutto. Gueorguieva lavora attraverso una gamma di diversi media, ma si concentra principalmente sulla pittura e sulla scultura. I suoi dipinti combinano elementi di collage con un intervento pittorico diretto per creare immagini che trasmettono complessità, movimento e una buona dose di caos. Sebbene essenzialmente piatti, sembrano dimensionali e incoraggiano lo spettatore a essere avvolto dallo spazio pittorico. Come i suoi dipinti, anche le sue sculture sono assemblate da una serie di diversi materiali. Per crearle, Gueorguieva riunisce pezzi del suo ambiente fisico, come cemento, metallo, carta, plastica e vernice, in modo che l'opera possieda un senso del luogo della sua origine. Le forme astratte che vengono poi assemblate risuonano potentemente con chiunque sia familiare con il lessico visivo di un luogo urbano contemporaneo.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Olio su tela, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Sinistra) e Vanished Animal 5, 2015, Litografia, sapone, morbido, duro, punta secca, aquatinta a spitbite, aquatinta a waterbite, open bite su tessuto con pittura a mano, spray e olio su telaio in acciaio saldato con pannelli in acciaio, barre di rinforzo, cemento e argilla epossidica, foto per gentile concessione di ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Destra)

Vogatore Holton

Le opere di Holton Rower, nato a New York, prendono vita attraverso un processo di accumulo graduale. Come strati di roccia sedimentaria che si depositano nel tempo, Rower versa metodicamente strati monocromatici di vernice su una superficie, permettendo a ciascun strato di coalescere prima di versarne un altro sopra. Alla fine, come per le montagne, gli strati si accumulano in masse sostanziali. Poi, con una lama, Rower svolge il compito degli elementi naturali, scolpendo una forma finale. Che siano presentati sulla parete o sul pavimento, questi oggetti sono intrinsecamente scultorei e indiscutibilmente dipinti. Sono sia industriali per natura che il risultato di un duro lavoro fisico. Sono oggetti formali di colore, forma, forma e texture, e anche dichiarazioni poetiche sull'umanità e il suo continuo intervento con la natura. (Oh, e non che sia rilevante per il potere e la presenza della sua straordinaria arte, ma Rower è anche il nipote di Alexander Calder.)

Holton Rower - Vista dell'installazione presso VENUS LA: L'idea è più erotica dell'atto, 2016, pittura su pannello di particelle (sinistra), Riferimento alla Crimine Senza Vittime, 2016, pittura su pannello di particelle (centro), Prego che ti dia speranza, 2016, pittura su pannello di particelle (destra), © Holton Rower

attrice

Come i Cubisti dei primi del XX secolo, la fotografa Hannah Whitaker, nata a Washington, D.C., ha scoperto entusiasmanti percorsi estetici verso la quarta dimensione. Sembra incredibile, ma le sue fotografie sono realizzate nel modo tradizionale: con nient'altro che una macchina fotografica. Controllando strategicamente quale parte del negativo viene esposta, costruisce immagini un pezzo alla volta, a volte impiegando diversi giorni per esporre completamente un singolo negativo. Le immagini risultanti catturano la realtà così come si è sviluppata nel tempo mentre si muove nello spazio. Combinando questo dinamismo quadridimensionale con immagini astratte formali, Whitaker è arrivata a una proposta estetica unica, che fa progredire la fotografia dichiarando al contempo il valore senza tempo dei suoi fondamenti.

Hannah Whitaker - Rami Barcroft, 2014, stampa a pigmento archivistica (sinistra), e Broadside 1, 2014, stampa a pigmento archivistica (destra), © Hannah Whitaker

Ben Parker

L'artista di origami astratti Ben Parker è concentrato sugli atti di scoperta e sperimentazione. Per alcuni, l'emozione dell'antica arte dell'origami è poter assistere alla figura di un animale, di una pianta o di un edificio che emerge dai complessi piegamenti di un singolo foglio di carta. Per altri, l'emozione dell'origami risiede nel suo potenziale per la scoperta scientifica, poiché sembra esprimere le stesse fondamenta dell'universo fisico. Ma per Parker, l'emozione sta nel scoprire come utilizzare le tecniche di piegatura geometrica dell'origami per provocare forme astratte. Le sue complesse composizioni creano spazio mentre lo occupano. Sono sia sostanziali che eteree. Sorgono apparentemente dal nulla e il loro significato è incerto. Che siano belle è innegabile; e per molti spettatori sono anche innegabilmente profonde.

Ben Parker - Contenimento Violato, 2016, foglio singolo di carta, © Ben Parker

di Ashleigh Bartlett

Il lavoro dell'artista Ashleigh Bartlett, nata a Calgary, si basa sugli atti di distacco e costruzione. I suoi dipinti collage esplorano composizioni astratte di colore e forma costruite a strati di tela, carta e vernice. Le sue opere ritagliate raggiungono presenze scultoree, assemblate con gli stessi materiali dei suoi dipinti collage ma prive del supporto superficiale. Come presentato dalla Bartlett in queste opere, smontare e rimontare le cose può essere interpretato sia come azioni che rivelano, sia come azioni che nascondono.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, tela, carta e acrilico su tela (Sinistra) e Snaggle, Olio su pannello, 2011 (Destra), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

L'artista multidisciplinare Pello Artist è nato nel 1963 nel territorio basco di Andoain, Gipuzkoa. Il suo lavoro è all'avanguardia nell'indagine estetica contemporanea su come gli oggetti negoziano con lo spazio. Le sue installazioni includono frequentemente murales dipinti direttamente sulle pareti dello spazio espositivo. Questi murales parlano in una conversazione formale con i suoi oggetti costruiti, dimostrando i modi in cui colori, linee e forme si trasformano in forme. Di particolare interesse per Irazu è il dibattito in corso su come gli spettatori interagiscono con gli oggetti estetici e come percepiscono la loro relazione con gli spazi che tali oggetti abitano.

Pello Irazu - Noli me tangere (mistrust) [Noli me tangere (la disconfidenza)], 2009, pezzi di alluminio fusi e saldati e viti (sinistra), e Room Under, 1995, compensato, vernice vinilica, nastro adesivo e serigrafia su specchio (destra) entrambi dalla collezione dell'artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

L'artista iraniano Ramin Shirdel attinge al suo background in architettura per creare opere d'arte architettoniche e otticamente abbaglianti. I suoi dipinti scultorei reagiscono alle condizioni di luce mutevoli, proiettando ombre che alterano la percezione delle loro forme illusorie. Nelle opere sono nascoste parole poetiche in farsi con significati come amore, verità, abbraccio, onda e capolavoro. Le qualità concrete e formali dei pezzi offrono qualcosa di esteticamente oggettivo, mentre lo stato effimero dell'immagine sottolinea i significati soggettivi trasmessi dalle parole.

Ramin Shirdel - Aroos (Sposa), 2013, Tecnica mista su tavola di legno, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

Per tutti gli scopi pratici, il medium dell'artista di Brooklyn Afruz Amighi è il metallo. Crea strutture elaborate e delicate che somigliano alle guglie delle cattedrali, ai pinnacoli dei minareti o ai punti sulla punta di una corona. Ma il suo medium nascosto è la luce. Quando le sue creazioni vengono colpite dalla luce, prendono vita, attirando l'occhio sugli scintillii effimeri delle loro superfici mentre contemporaneamente proiettano reti drammatiche e complesse di ombre sulle superfici circostanti. L'opera parla poeticamente di ciò che diventa visibile e di ciò che rimane nascosto quando tutto è illuminato.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista dell'installazione, metallo, catena, luce, © Afruz Amighi

Piazza Artie

L'artista di New York Artie Vierkant dà una voce estetica alle idee di autorialità e controllo. La sua serie in corso chiamata Image Objects coinvolge l'artista che estrae immagini da Internet, le altera in Photoshop e poi le utilizza come elementi superficiali per oggetti astratti che costruisce. È difficile, tuttavia, trovare fotografie online dei suoi oggetti immagine finiti, perché Vierkant altera anche le sue foto di esposizione in Photoshop, definendo quelle immagini nuove opere a sé stanti. Chi possiede le immagini sorgente originali, e quindi potrebbe rivendicare la proprietà dei suoi oggetti immagine alterati o delle immagini di esposizione, dipende da come si guarda alla proprietà intellettuale. Un punto che sembra fare Vierkant è che l'unica verità dell'opera risiede nella sua presenza fisica: guardare le immagini dell'arte online non è la stessa cosa che vedere l'arte di persona. Oltre ai suoi Image Objects, Vierkant ha anche iniziato a lavorare con semi Monsanto macinati come medium artistico. Ma una domanda che questo, e in realtà tutto il suo lavoro, solleva è quanto importanza dovrebbero dare gli spettatori alla storia di fondo dei materiali sorgente utilizzati in un'opera d'arte. Ha importanza? O è la presenza estetica dell'oggetto d'arte stesso l'unica cosa importante? Le conversazioni quasi filosofiche hanno qualcosa a che fare con l'arte? Fanno parte dell'arte? Vierkant sta facendo del suo meglio per porre queste domande in un modo esteticamente interessante.

Artie Vierkant - Vista dell'installazione modificata con Photoshop (sinistra), e Costrutti di espressione vegetale 2, Soia MON89788, TO, Sfrutta (destra), © Artie Vierkant

MadC

L'ex artista di graffiti adolescente Claudia Walde, altrimenti conosciuta come MadC, sta trasformando il modo in cui il mondo dell'arte fine interagisce con gli artisti di strada. MadC possiede due lauree in design grafico e ha scritto numerosi libri. È anche rinomata a livello mondiale come muralista, un campo in cui ha sviluppato una posizione estetica distintiva e visivamente sorprendente. Recentemente ha iniziato a evolvere il suo linguaggio visivo in una forma che si traduce in spazi espositivi formali e interni. Ha creato installazioni straordinarie e ha anche tenuto mostre delle sue tele, realizzate con strati di vernice spray trasparente che lasciano intravedere gli strati sottostanti. Ha persino tradotto il suo lavoro su oggetti di moda, come le scarpe.

MadC - Casa Dolce Casa, 2016, installazione, © MadC

Immagine in evidenza: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, Acrilico, olio e collage su carta montata su tela, crediti foto Ameringer McEnery Yohe, New York
Di Phillip Park