Giovani artisti astratti da tenere d'occhio

Come introduzione a questi profili di dieci artisti astratti emergenti che riteniamo meritino la vostra attenzione, il mio redattore mi ha chiesto di commentare un po' lo stato dell'arte astratta contemporanea. Questa richiesta apparentemente semplice ha tenuto la mia mente in fermento per diversi giorni. Scrivo di arte contemporanea da nove anni, e mi sono concentrato specificamente sull'arte astratta da più di un anno e mezzo. Eppure, quando mi è stato chiesto di valutare il suo stato, non sono sicuro esattamente di cosa dire. Viviamo in un'epoca di estrema ansia per chiunque presti attenzione agli eventi mondiali. E gli artisti vivono nello stesso mondo di tutti gli altri, quindi non sorprende che siano influenzati da questa ansia quanto chiunque altro. Una moltitudine di forze lavora duramente cercando di scrivere il futuro di questo pianeta, e spesso sembra che pochi di coloro che hanno il potere di influenzare realmente le cose siano d'accordo su quale direzione debba prendere la civiltà. Ma è mia opinione che gli artisti astratti siano in una posizione unica per influenzare il nostro cammino. Sono i nostri poeti visivi. La loro opera può trascendere barriere di lingua, cultura, nazionalità, genere, razza ed economia. Concordo con artisti come Marcel Duchamp, che credono che gli spettatori completino le opere d'arte sperimentandole. Gli artisti sono responsabili della creazione di proposte estetiche, ma siamo noi a decidere cosa accade dopo. Possiamo scegliere di essere aperti a nuovi modi di vedere. Possiamo scegliere cosa ha significato e quale sarà quel significato. Per guidarci lungo questo percorso, gli artisti astratti contemporanei hanno a disposizione gli stessi strumenti di scienziati, soldati, magnati e politici contemporanei. Ciò che faranno con quegli strumenti è la domanda che affrontano ogni giorno. Spero continuamente che mi sorprendano. I dieci artisti astratti su cui abbiamo scelto di concentrarci oggi lavorano in una gamma di mezzi e formati diversi, e creano opere per molte ragioni differenti. La loro diversità riflette gli innumerevoli percorsi diversi che ciascuno di noi in questo mondo contemporaneo è libero di intraprendere. A mio modesto parere, sono la prova che lo stato dell'arte astratta oggi è vivo come non mai, e capace come sempre di produrre opere significative, importanti, influenti e inaspettate.

Iva Gueorguieva

Nata a Sofia, Bulgaria, nel 1974, Iva Gueorguieva ha conseguito il suo MFA presso la Tyler School of Art di Philadelphia e attualmente vive e lavora a Los Angeles, CA. La sua visione estetica è particolarmente adatta all'ambiente urbano. Coinvolge pezzi disparati che si uniscono per partecipare alla creazione di un nuovo insieme. Gueorguieva lavora su una gamma di media diversi, ma si concentra principalmente sulla pittura e sulla scultura. I suoi dipinti combinano elementi di collage con un intervento pittorico diretto per creare immagini che trasmettono complessità, movimento e un bel po' di caos. Pur essendo essenzialmente piatti, sembrano dimensionali e incoraggiano lo spettatore a essere avvolto dallo spazio pittorico. Come i suoi dipinti, anche le sue sculture sono assemblate da una moltitudine di materiali diversi. Per crearle, Gueorguieva riunisce pezzi del suo ambiente fisico, come cemento, metallo, carta, plastica e pittura, così che l'opera possieda un senso del luogo della sua origine. Le forme astratte che vengono poi assemblate risuonano potentemente con chiunque conosca il lessico visivo di un luogo urbano contemporaneo.

Iva Gueorguieva - Strata, 2015, Pastello a olio su tela, © Sofia Contemporary e Iva Gueorguieva (Sinistra) e Vanished Animal 5, 2015, Litografia, soapground, softground, hardground, drypoint, spitbite acquatinta, waterbite acquatinta, open bite su tessuto con pittura a mano, vernice spray e pastello a olio su struttura in acciaio saldato con pannelli in acciaio, tondini, cemento e argilla epossidica, foto per gentile concessione ACME Los Angeles, © Iva Gueorguieva (Destra)

Holton Rower

Le opere di Holton Rower, nato a New York, prendono forma attraverso un processo di accumulo graduale. Come strati di roccia sedimentaria depositati dal tempo, Rower versa metodicamente strati monocromatici di pittura su una superficie, permettendo a ogni strato di consolidarsi prima di versarne un altro sopra. Alla fine, come con le montagne, gli strati si accumulano in masse sostanziali. Poi, con una lama, Rower compie il lavoro degli elementi naturali, scolpendo una forma finale. Sia presentati sulla parete che sul pavimento, questi oggetti sono intrinsecamente scultorei e indiscutibilmente dipinti. Sono sia di natura industriale sia il risultato di duro lavoro fisico. Sono oggetti formali di colore, forma, figura e tessitura, e anche dichiarazioni poetiche sull'umanità e la sua continua interazione con la natura. (Oh, e non che sia rilevante per la potenza e la presenza della sua straordinaria arte, ma Rower è anche nipote di Alexander Calder.)

Holton Rower - Vista dell'installazione a VENUS LA: The Idea is More Erotic Than the Act, 2016, pittura su truciolato (sinistra), Victimless Crime Wave Reference, 2016, pittura su truciolato (centro), I Pray It Gives You Hope, 2016, pittura su truciolato (destra), © Holton Rower

Hannah Whitaker

Come i cubisti dei primi del Novecento, la fotografa nata a Washington, D.C. Hannah Whitaker ha scoperto vie estetiche entusiasmanti verso la quarta dimensione. Sembra incredibile, ma le sue fotografie sono realizzate alla vecchia maniera: con nient'altro che una macchina fotografica. Controllando strategicamente quale parte del negativo viene esposta, costruisce immagini un pezzo alla volta, a volte impiegando più giorni per esporre completamente un singolo negativo. Le immagini risultanti catturano la realtà così come si è svolta nel tempo mentre si muove nello spazio. Combinando questo dinamismo quadridimensionale con immagini astratte formali, Whitaker è arrivata a una proposta estetica unica, che fa progredire la fotografia pur dichiarando il valore senza tempo dei suoi fondamenti.

Hannah Whitaker - Barcroft Branches, 2014, stampa pigmentata d'archivio (sinistra), e Broadside 1, 2014, stampa pigmentata d'archivio (destra), © Hannah Whitaker

Ben Parker

L'artista di origami astratto Ben Parker si concentra sugli atti di scoperta e sperimentazione. Per alcuni, il brivido dell'antica arte dell'origami è poter vedere la figura di un animale, una pianta o un edificio emergere dalle pieghe intricate di un singolo foglio di carta. Per altri, il fascino dell'origami risiede nel suo potenziale per la scoperta scientifica, poiché sembra esprimere le fondamenta stesse dell'universo fisico. Ma per Parker, il brivido sta nel scoprire come usare le tecniche geometriche di piegatura dell'origami per provocare forme astratte. Le sue composizioni complesse creano spazio mentre lo occupano. Sono sia sostanziali che eteree. Sorgono apparentemente dal nulla, e il loro significato è incerto. Che siano belle è indiscutibile; e per molti spettatori sono anche indiscutibilmente profonde.

Ben Parker - Breached Containment, 2016, singolo foglio di carta, © Ben Parker

Ashleigh Bartlett

L'opera dell'artista nata a Calgary Ashleigh Bartlett si fonda sugli atti di distacco e costruzione. I suoi dipinti a collage esplorano composizioni astratte di colore e forma costruite su strati di tela, carta e pittura. Le sue opere ritagliate raggiungono presenze scultoree, assemblate con gli stessi materiali dei suoi dipinti a collage ma prive del supporto superficiale. Come presentato da Bartlett in queste opere, smontare e riassemblare le cose può essere letto sia come azioni che rivelano, sia come azioni che nascondono.

Ashleigh Bartlett - Surprise Wink, 2017, tela, carta e acrilico su tela (Sinistra) e Snaggle, Olio su pannello, 2011 (Destra), © Ashleigh Bartlett

Pello Irazu

L'artista poliedrico Pello Irazu è nato nel 1963 nel territorio basco di Andoain, Gipuzkoa. Il suo lavoro è all'avanguardia nell'indagine estetica contemporanea su come gli oggetti negoziano con lo spazio. Le sue installazioni includono frequentemente murales dipinti direttamente sulle pareti dello spazio espositivo. Questi murales dialogano formalmente con i suoi oggetti costruiti, dimostrando i modi in cui colori, linee e forme si trasformano in figure. Di particolare interesse per Irazu è la discussione continua su come gli spettatori interagiscono con gli oggetti estetici e come percepiscono la loro relazione con gli spazi che tali oggetti abitano.

Pello Irazu - Noli me tangere (sfiducia) [Noli me tangere (la desconfianza)], 2009, pezzi di alluminio fuso e saldato e viti (sinistra), e Room Under, 1995, compensato, vernice vinilica, nastro adesivo e serigrafia su specchio (destra) entrambi dalla collezione dell'artista, © VEGAP, Bilbao, 2017

Ramin Shirdel

L'artista iraniano Ramin Shirdel attinge al suo background in architettura per creare opere d'arte architettoniche e otticamente abbaglianti. I suoi dipinti scultorei reagiscono alle condizioni di luce mutevoli, proiettando ombre che alterano la percezione delle loro forme illusorie. Nelle opere sono nascosti poetici termini in farsi con significati come amore, verità, abbraccio, onda e capolavoro. Le qualità concrete e formali dei pezzi offrono qualcosa di esteticamente oggettivo, mentre lo stato effimero dell'immagine sottolinea i significati soggettivi trasmessi dalle parole.

Ramin Shirdel - Aroos (Sposa), 2013, tecnica mista su tavola di legno, © Ramin Shirdel

Afruz Amighi

A tutti gli effetti, il mezzo dell'artista di Brooklyn Afruz Amighi è il metallo. Crea strutture elaborate e delicate che somigliano alle guglie delle cattedrali, ai pinnacoli dei minareti o alle punte di una corona. Ma il suo mezzo nascosto è la luce. Quando le sue creazioni sono colpite dalla luce, prendono vita, attirando lo sguardo sugli effimeri bagliori sulle loro superfici mentre contemporaneamente proiettano reti drammatiche e complesse di ombre sulle superfici circostanti. L'opera parla poeticamente di ciò che diventa visibile e di ciò che rimane nascosto quando tutto è illuminato.

Afruz Amighi - Mangata, 2016, vista dell'installazione, metallo, catena, luce, © Afruz Amighi

Artie Vierkant

L'artista newyorkese Artie Vierkant dà voce estetica alle idee di paternità e controllo. La sua serie in corso chiamata Image Objects coinvolge l'artista che preleva immagini da Internet, le altera in Photoshop e poi le usa come elementi superficiali per oggetti astratti che costruisce. È difficile, tuttavia, trovare fotografie online dei suoi oggetti immagine finiti, perché Vierkant altera anche le foto delle sue esposizioni in Photoshop, definendo quelle immagini nuove opere a sé stanti. Chi possiede le immagini originali di partenza, e quindi potrebbe rivendicare la proprietà dei suoi oggetti immagine alterati o delle immagini espositive, dipende da come si guarda alla proprietà intellettuale. Un punto che Vierkant sembra voler sottolineare è che l'unica verità dell'opera risiede nella sua presenza fisica: guardare immagini d'arte online non è lo stesso che vedere l'arte di persona. Oltre ai suoi Image Objects, Vierkant ha anche iniziato a lavorare con semi Monsanto macinati come mezzo artistico. Ma una domanda che questo, e in realtà tutto il suo lavoro, solleva è quanta importanza gli spettatori dovrebbero dare alla storia dietro i materiali di partenza usati in un'opera d'arte. Conta davvero? O è la presenza estetica dell'oggetto d'arte stessa l'unica cosa importante? Le conversazioni quasi filosofiche hanno qualcosa a che fare con l'arte? Ne fanno parte? Vierkant fa del suo meglio per porre queste domande in modo esteticamente interessante.

Artie Vierkant - Vista dell'installazione ritoccata in Photoshop (sinistra), e Plant expression constructs 2, Soia MON89788, TO, Exploit (destra), © Artie Vierkant

MadC

L'ex artista di graffiti adolescente Claudia Walde, nota anche come MadC, sta trasformando il modo in cui il mondo dell'arte raffinata interagisce con gli artisti di strada. MadC ha due lauree in grafica e ha scritto numerosi libri. È anche rinomata a livello mondiale come muralista, campo in cui ha sviluppato una posizione estetica distinta e visivamente stupefacente. Recentemente ha iniziato a evolvere il suo linguaggio visivo in una forma che si traduce in spazi espositivi formali e interni. Ha creato installazioni sorprendenti e ha anche tenuto mostre delle sue tele, realizzate con strati trasparenti di vernice spray che lasciano trasparire gli strati sottostanti. Ha persino trasposto il suo lavoro su oggetti di moda, come scarpe.

MadC - Home Sweet Home, 2016, installazione, © MadC

Immagine in evidenza: Iva Gueorguieva - Desert Willow, 2016, acrilico, olio e collage su carta montata su tela, foto per gentile concessione Ameringer McEnery Yohe, New York
Di Phillip Barcio