18人の現代抽象アーティストが自らの系譜について語る

アートを教えることは危険で不可能です。しかし、それはまた不可欠でもあります。アートが存在するためには、アーティストは自分が何になるのか、そして自分が何を創造するのかを学ばなければなりません。ある者は学校で、他の欠陥のある人間から学びます。彼らもまた、何らかの理由で、他者と自分が学んだことを共有するという危険で不可能で不可欠な仕事を引き受けた人たちです。別のアーティストは教室の外で教師を見つけるかもしれません。彼らはオープニングやバーで他のアーティストと過ごすことで、アーティストであることの意味を学ぶかもしれません。彼らはオンラインのビデオを見たり、博物館や本で見るアートを解体したりすることで、アートを作ることの意味を学ぶかもしれません。中には、建築やデザインから受けるインスピレーションに従って自分を教えるアーティストもいるかもしれません。日常の建築環境やその無数の製品や空間と相互作用する中で感じる思考や感情に単純に反応することで、自分が何であるかを学ぶのです。さらに、他のアーティストは、創造する内なる衝動を受け入れ、育むことでアーティストになる方法を学ぶかもしれません。制作のプロセスは、私たちに作る方法を教えてくれます。存在するプロセスは、私たちが何になりたいのかを教えてくれます。最終的に、「私はアーティストです」と言える瞬間まで学びのプロセスを乗り越えたすべての人は、自分の教師についての物語を持っています。今日は、学びの系譜を共有する勇気のあるアーティストたちの物語を集めました。彼らは、自分の美的または概念的な遺産を公表することで、恐ろしい脅威にさらされるため、勇敢です。あなた、読者は、あるアーティストが別のアーティストの生徒であったり、これやあのことからインスパイアを受けたりしたことに気づき、それを近道と誤解するかもしれません。「ああ！今、彼らが誰を模倣しているのかがわかった」とか、「今、彼らのアートが理解できた！」と言うかもしれません。しかし、これらの18人のアーティストがどのようにして今の自分になったのかの逸話を読むとき、その情報があなたの認識を広げることを許してください。それぞれの糸をたどり、さらに深く掘り下げてください。アートを教え、学ぶことが本当に何を意味するのか、その危険で不可能で不可欠な美しさを垣間見るかもしれません。

Anya Spielman

Spielman はカリフォルニア大学デイビス校でウェイン・ティーバルドの学生でした。彼女の他の教師について、彼女は次のように言っています：

「私にとって大きな影響を与えたのは、ティーンエイジャーの頃にプラド美術館で見たヒエロニムス・ボスの三連祭壇画『快楽の園』でした。彼の作品のアイコノグラフィーや、豊かな色彩、複雑な構図に圧倒されました。ボスの作品における二重性に即座に反応しました。彼の鮮明で明るいパレット：インクブラック、アンバー、淡いピンク、骨、バーミリオン、アズライトの色合い；エデンの中の透き通った快楽のポッドの曲線は、幻覚的な地獄への鋭い心理的・肉体的な下降と対比されています。ボスのビジョナリーな天才は、人間の本性をそのすべての形で描き出し、私が今日でも非常に稀だと感じる直接的な親密さと力を持っています。」

Anya Spielman - ウルトラバイオレット, 2015年。パネルに油彩。15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlinは、ニューヨーク市立大学クイーンズカレッジの大学院生の時にルイ・フィンケルシュタインに学びました。同じ学校で、彼女は1950年代にシカゴ美術学院で抽象表現主義を学んだベニー・アンドリュース、マーク・ロスコのスタジオアシスタントを務めたクリントン・ヒル、彼女が「私の批評眼を助けてくれた」と言うアート批評家でアートフォーラムのアソシエイトエディターであるロバート・ピンカス＝ウィッテン、ハンス・ホフマンの学生であったチャールズ・カジョリに学びました。サーリンは言います:

"[Lineage] は確かに複雑な問題です。アーティストとのつながりも横の関係です。Anne・トゥルイットは、私が若いアーティストとしてヤドにいたときに重要な存在でした。Melissa Meyerもその夏、[1983] にそこにいました。エリン・ローラーはラトビアのロスコセンターで私のスタジオメイトでした。ホセ・ヒーキンズも私たちと同じ時期にロスコセンターにいました。[2016]。カラ・ウォーカーは、私がアトランタ美術大学で教えていたときの学生で、カラと私は1992年のアトランタビエンナーレで同じ展示をしました。それから他のアーティスト—作家や劇作家もいます。ヘイデン・ヘレラ [フリーダ・カーロとアーシュリル・ゴーキーの伝記作家] は、私のアートライターとしてのメンターでした。クリス・クラウス [アイ・ラブ・ディック] と私は一緒にヤドにいました...私は劇作家ロナルド・タヴェル [ザ・シアター・オブ・ザ・リディキュラス] の親しい友人でした。彼はウォーホルのための脚本家でした...この追加の回答で混乱させていなければいいのですが。"

Deanna Sirlin - ワンダー, 2015年。ミクストメディア、キャンバス。127 x 106.7 cm

ブレンダ・ザピテル

「私が最初に絵を描き始めたとき、私はピカソに最も強く影響を受けました。特に「鏡の前の少女」（1932年）における彼の色使いやマークメイキングに惹かれました。その後、抽象表現主義的なスタイルでより多くの絵を描くようになると、ジョーン・ミッチェルやウィレム・デ・クーニングにより惹かれるようになりました。しかし、私はこのように絵を描くようになってから、彼らの作品を本当に見るようになったのです。それ以前ではありません。」

ブレンダ・ザピテール - 今のところ、2017年。フラッシュとアクリル、コールドワックスを使用したパネル。127 x 127 cm

Daniel Göttin

2006年にMinus Space NYのインタビューで、画家クリス・アシュリーはGöttinに、アーティストとしてどこから始めるのか尋ねました。Göttinは次のように答えました:

「美術史は時に特定の芸術運動が完全な存在であるかのように振る舞います。「コンクリート」という用語を使用することは、社会や政治に関する考えに基づいていたKonkrete Kunstのイデオロギー的背景と必ずしも一致するわけではありません。私の関心は、矛盾を含むことができる存在、つまり「はい」と「いいえ」、さらには「多分」を含むことです。私の出発点は、同時に異なる見解や立場の統合であり、私にとってそれは空間的な視点です。それは明白であったり微妙であったり、対称的であったり非対称的であったり、あるいはその両方であり、矛盾があってもなくても構いません。それは規則と逸脱が共存することもあります。私が以前制作した作品のいくつかは、クルト・シュヴィッタースの作品（メルツ）に関連するコラージュであり、見つけた素材を段ボールの上に大まかに貼り付けたもので、物理的で直接的で即興的で偶然的でカラフルで、さらにはダダ的でもありました。その後、私はミニマルアートに興味を持つようになり、そこでのアートワークはしばしば正確に計画され、材料の使用と細部への注意が明確に構築されています。両方の運動は私にとって重要であり、時には私の作品がその両方の要素を持ち、これら二つの美術史的立場の間に対応しているのを見ることがあります。」

Daniel Göttin - 無題 2 (ピンク), 1992年。アクリル、パヴァテックス。97 x 58.5 x 3 cm

ゲイリー・パレット

「自分の影響を理解するのはかなり難しい、少なくとも私にとっては、直感から主に作業を行い、意識からはあまり作業をしないからだ。私がUCLAでアート学生として過ごした formative years（1974年に学士号、1977年に修士号を取得）は、私のアイデンティティの大部分を形成したと思う。その頃、UCLAはヨーロッパ的/モダニスト的な傾向を持つ画家の学校だった。私の最初の絵画クラスでは、リチャード・ディーベンコーンとの入門絵画クラスに登録されていた（彼が誰か全く知らなかった）が、彼と教員のリーダーシップの間にいくつかの問題があり、クラスが始まる前に彼の地位は解雇された。だから、私は新しいリアリストのリチャード・ジョセフと学び、しっかりとした基盤を築いた。6ヶ月後、チャールズ・ガラベディアンとのより高度な絵画クラスで働くまで、抽象表現を試みることはなかった。年月が経つにつれて、私に最も影響を与えた教授はウィリアム・ブライスだった。ビルは非常に雄弁で、品位があり、寛大で、思慮深く、面白い教師であり友人だった。勤勉で多作なアーティストとして、彼はスタジオで時間をかけて物事を叩き出す必要性についてよく話しており、他のすべてはそれほど重要ではないと言っていた。私は彼のことをよく思い出し、長い間彼を知っていたことをとても幸運に思っている。学生であるという考えから自分を切り離し、絵を描くたびに古い教授たちの声が頭の中で聞こえるのをやめるのには数年かかったが、時間が経つにつれて、自分が誰であるか、そして自分のビジョンを満たす作品を作る責任があることを明確に理解するようになった。私は自分の作品の中に他のアーティストの側面をしばしば見ることがあり、時には同じアイデアを通じて本当に繋がりがあると感じることもあれば、他の時にはその類似性は単に表面的なものに過ぎないように思えることもある。結局のところ、アートライターたちに影響について語らせておけばいい。」

ゲイリー・パラー - 9 (2015), 2015年。インク、紙。37.8 x 29 cm

Tracey Adams

「マイケル・マズール（1935-2009）は、25年前に私の版画の先生でした。私たちは、マイケルが版画の1週間のワークショップを提供していたプロビンスタウンのファインアーツワークセンターに滞在していたときに初めて出会いました。私たちの最初のつながりについては、たくさんのことが印象に残っています。マイケルは、選んだテーマ（精神病院の苦しむ患者や動物園の檻の中の動物のドローイングや版画）だけでなく、人生についての1対1の会話においても、非常に共感的で社会的意識の高い人でした。彼は、スタジオの自己中心的な部分をバランスさせる方法として、例を通じて寛大さを教えてくれました。マイケルが共有しない技術やアートキャリアの追求については何もありませんでした。マイケルは80年代後半に中国で過ごし、彼のアジアの風景への愛を通じて、私は自分のジェスチャーを簡素化し、表現の経済性を持って描くことを学びました。これは私の心に非常に近いものです。彼が「トレイシー、これは ungepatchke だ！」と言ったときの彼のユーモアを決して忘れません。ungepatchkeは、あまりにも忙しく装飾されたという意味のイディッシュ語です。」

Tracey Adams - バランシング・アクト 2, 2016年。グワッシュ、グラファイト、インク、リーヴス。66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee は、11歳のときに見たポール・セザンヌの水彩画を最初のインスピレーションとして挙げ、それは「忘れられない印象」を残したと語っています。彼女は続けて言います:

「私の教授、クラウス・シュテュンペルは、自然に非常に近い存在で、ほぼ「農夫」とあだ名を付けられるほどでした。彼は私にフランティシェク・クプカを勉強することを勧めました。私は彼の抽象化のプロセスと、彼の宇宙的で神秘的な視点を学びました。何よりも、私は彼の生命への愛と、自分の思考を保ち続ける意志について多くを学びました。韓国に帰ったとき、私は再びカンディンスキーのことを考えました。私は、彼の芸術における客観的で普遍的な真実を見つけようとする欲望は不可能な挑戦だと思います。私は、芸術は他の何よりも主観的で個人的なものであると考えています。私が自分の最も深い内面を探求するとき、私は他者の内面とコミュニケーションを取ることができます。私は、芸術が微小宇宙（人間）と大宇宙（世界）をつなぐ媒介になり得ると思います。特に、色は私の研究の主題です。私は形容詞としての色を探しています。リヒターの仕事に対する態度、絵画への情熱、実験精神が好きです。もしかしたら、オン・カワラ？彼の作品が生きていることを証明したいと思っていたのが好きで、私は毎日働くことで自分がまだ生きていることを感情的にも感覚的にも証明したいと思っています。ワシリー・カンディンスキーや他の多くのミニマリストに対する私の考えは、一般的な視点とは非常に異なります。私は彼らの芸術的視点には同意しません。」

Kyong Lee - ホワイトとの絵, 2008年。アクリル、キャンバス、150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freemanは、アーティスト（エルスワース・ケリー、カーラ・アッカルディ、アンリ・マティス、ポール・フィーリー、モリス・ルイス、バーネット・ニューマン、アンディ・ウォーホル）、デザイナー（ソール・バスとロイ・クールマン）、建築家（ル・コルビュジエ）を含む影響を挙げています。しかし、彼女はまた、文化が彼女のアートに影響を与えた個人的な方法についても語っています。以下の逸話のように:

「私の父のビジネスは看板でした。アメリカのほとんどの都市の子供たちと同様に、私は車の後部座席で育ち、ビルボードやネオンに敏感でした。注意を引く直接的な視覚刺激は私の精神の一部でした。最近、ニューヨークのMoMAを訪れた際、バーネット・ニューマンの絵画「ヴァン・ヒーロイカス・サブリミス」（1950-51）に再び衝撃を受けました。その力、即時性、シンプルさに対する私の本能的な反応は圧倒的で、私自身の視覚的な過去とアイデンティティを再確認させるものでした。」

Joanne Freeman - カバーズ 13-パープル, 2014年。手作りのカディ紙にガッシュ。33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

「私にとって、それはモンドリアンでした。その時代の抽象芸術家たちは、抽象に対してより概念的に取り組んでおり、彼らはそのアイデアを好んでいましたが、モンドリアンはメカニズムを逆にたどり、絵画の平面を再発明する結果になりました。それ以降、そうしたことをした人はあまりいません。私は、モンドリアンが非常に明確に把握していたこの奇妙な空間に入る方法がもっとあるに違いないと考え始めました。[Ellsworth]・ケリーと[Robert]・マンゴールドは、この「他の」空間を表現する他の方法を示しました。これらのアーティストの経験は、私が仲間の努力を本当に評価し、次の封筒を通り抜けることを目指す余地を与えてくれました。」

Brent Hallard - クラウズ、2013年。アクリル・オン・ペーパー。25.4 x 35.6 cm

オードリー・ストーン

「私はVija Celminsの作品を愛し、頻繁に考えてきました。彼女の強い観察力と落ち着いた実行は私にとって非常に刺激的です。Louise Bourgeoisは、彼女のアイデアに最適な媒体で自己表現をするという決意で、常に私にインスピレーションを与えてきました。より明白なインスピレーションはAgnes Martinで、彼女の自信に満ちた控えめさが大好きです。そして、Mark Rothkoは彼の作品が持つ感情的なインパクトのために私を引きつけます。」

オードリー・ストーン -Nb. 61, 2011。スレッド、インク、グラファイトを用いた紙の作品。43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auvilleは、フランスの大西洋沿岸に並ぶ第二次世界大戦時代のドイツのブロックハウスについて言及しています。彼は「ほとんどの人はそれらを醜い傷跡と見なしています。私の目には、それらの存在は風景の一部であり、時間がそれらを砂、砂丘、海、またはストリートアーティストが描いた絵と融合させました」と言います。さらに、Auvilleは、若い頃のこの経験に影響を受けました。

「6歳か7歳の時、フランス南西部のラスコー洞窟を訪れる特権を得ました。それは私にとって衝撃的な体験でした。両親はお土産としていくつかの複製を購入し、私は家の地下室でそれらを何時間も見つめ、絵と本物のアート作品の違いは何かを考えていました。その違いは明らかでしたが、その本質を理解するのに苦労していました。私はライトをオンオフし、ラスコーの絵画の本質を再現しようと絵に砂を貼り付けましたが、私が思っていた彼らの魂には決して到達できませんでした。」

Pierre Auville - 4 カレ, 2014年。顔料セメントを使用したフォームパネル。背面に構造的および吊り下げ用のフレーム。120 x 120 x 6 cm

ルーク・デ・ハーン

De Haanは、アーティスト（ピート・モンドリアン、カジミール・マレーヴィチ、エル・リシツキー、アンディ・ウォーホル、エルスワース・ケリー）からアルバムデザイナー（ヒプノシス、Peter・サヴィル）、音楽家（スティーヴ・ライヒ、テリー・ライリー、モートン・フェルドマン、ブライアン・イーノ）に至る影響を挙げています。彼は言います：

「思春期の前の数年間、ピエト・モンドリアンの視覚言語はオランダで多くの注目を集めていました。私はアートについて考えるには若すぎましたが、モンドリアンはそこにいて、興味深かったのです。そして今でもそうです！少し後に、私も幾何学的な形を出発点とするシュプレマティストたちを知りました。私の姉たちは私より約5歳年上なので、彼女たちのボーイフレンドを通じて、思春期の初めに「プログレッシブ」な音楽とそれに伴うカバーアートを早くに発見しました。驚くことではありませんが、私はカバーアートデザイナーになりたいと思いました。もし私の物の見方を変えた視覚芸術家を一人選ばなければならないとしたら、それはエルスワース・ケリーです。80年代中頃、アムステルダムのステデリック美術館が「ブルー・カーブ VI」（1982）を購入しました。私は定期的にそれを見に行き、その視覚言語を研究しました。しかし今、もしかしたらもっと重要なのは、私は自分自身のアートに対する反応にも導かれているということです...私はアートについて考え始めました...目的、意味、ああ、なんてことだ。」

Luuk De Haan - 透けるダンス 9, 2013年。ウルトラクロームHDインクをハンネムühle紙に印刷。29.7 x 21 cm

ブレンダ・ブロンド

"ジョセフ・アルバースの教えは、色を異なる文脈で配置することについての私の考え方に影響を与えています。また、ジェームス・タレルのスカイスペースは、雰囲気のある色を異なる文脈で配置することについての私の考え方に影響を与えました。一般的に、私の「ペーパー・スカイズ」と「ムービング・ピクチャーズ」シリーズの全体的な美学は、ジョージア・オキーフ、マーク・ロスコ、バーネット・ニューマン、エルスワース・ケリー、フランク・ステラなどの現代アメリカの画家たちに大きく影響されています。"

ブレンダ・ビオンド - ペーパー・スカイ No. 21 (ラージ)、2015年。アルミニウムに染料昇華印刷（マット/ラスターフィニッシュ）。83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

「20年以上前に、建築家シャルル・エドゥアール・ジャンヌレ（レ・コルビュジエ）による晩年の作品であるロンシャンの礼拝堂を発見しました。それ以前も以後も、質量と高まりの可能性の正しさを感じたことはありませんでした。それから私にとって、この長い探求が始まり、今日でも私を養い続けています。満ちていることと空いていることの最も適切な関係に近づくことを目指しています。」

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017年。カーボランダムとドライポイントを銅に施した作品。Bfkリーヴ紙250Gに印刷。56 x 56 cm

Jessica Snow

「私が数十年にわたって、他のどのアーティストよりもインスパイアされてきたアーティストについて話したいと思います。それはマティスです。彼は一生をかけて学ぶことができるアーティストです。彼の作品は、実験や新しい絵画の可能性への探求によって、さまざまなルートをたどりました。それらは美しく、心を高揚させ、複雑で、時には愛らしく穏やかであり、時には困難で挑戦的です—それは人生がどのようなものであるかを反映しています。」

Jessica Snow - フリング 1, 2015年。水彩画、紙に。31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

影響を列挙するのではなく、Cantrickは、彼女の作品に直接的な関連があるかどうかにかかわらず、最も興味を持っているアーティストの作品を挙げています。彼女の現代およびコンテンポラリーの短いリストは次の通りです:

「シャーリー・ジャフェ、トーマス・ノスコウスキー、エイミー・シルマン、シャーレン・フォン・ハイル、リチャード・ディーベンコーン、フアン・ウスレ、そしてペール・キルケビー。これは多様であり、網羅的ではないリストですが、彼らに共通するのは、明快さ、複雑さ、そして活力です。これらは私自身の関心事であり、強い色彩と構造、独特の形、そして浅い絵画空間を通じて表現されています。前近代の画家としては、フェルメール、ドガ、マネが私のリストのトップにあり、再びその三つの属性、明快さ、複雑さ、活力が挙げられます。さらに言えば、フェルメールの堅実な描写における緊張感は、信じられないほどの静けさを伝え、時間の停止を感じさせます。ドガの特有の方法は、彼の空間を「静かな」無表情の領域や強い垂直要素で区切ることで、長時間のリズミカルな鑑賞を促進します。そして、マネには即時性と新鮮さがあり、他のすべての技術を超えて、最高の状態では心を奪うものです。」

Susan Cantrick -sbc 141, 2012年。アクリル、リネン。100 x 100 cm

Anne Russinof

「私の場合、特定のアーティストに影響を受けたわけではなく、むしろシカゴで育ったアートコミュニティに影響を受けました。私の近所にはリンカーンパーク地区やオールドタウンと呼ばれる場所にアーティストがたくさんいて、私が思春期の頃に絵を描くことに興味を示したとき、素晴らしいシカゴ美術館に関連する学校で人物画を学ぶように勧められました。そこで、学校に入るために有名な印象派のコレクションがある博物館を直接通り抜けることができました。これが基本的に私の線、ジェスチャー、色に対する興味を形成したと思います。」

Anne Russinof - ルック・シー, 2014年。キャンバスに油彩。76 x 76 cm

Macyn Bolt

「私の芸術的系譜は、画像やオブジェクトの制作において「還元的」アプローチを取り、表面や微細なディテールに注意を払うアーティストたちに見出されます。ブライス・マーデン、イミ・クノーベル、デイヴィッド・ノブロス、そしてソル・ルウィットが思い浮かびます。さらに、リチャード・セラ、カール・アンドレ、フレッド・サンドバックの彫刻作品は、三次元空間の特有の使い方で、私の絵画へのアプローチに影響を与え続けています。」

Macyn Bolt- シャドウボクサー (B.2), 2015年。アクリル、キャンバス。122 x 96.9 cm