新しい本がアメリカ抽象画の先駆者アリス・トランブル・メイソンを称賛する
アリス・トランブル・メイソンは芸術の分野で稀有な存在でした。学びたいという純粋な欲求に動かされる頑固な実践者だったのです。メイソンは1971年、67歳で亡くなりましたが、彼女の残した数百点の絵画や版画は、彼女をその時代の最も先見の明があり才能豊かな芸術家の一人として位置づけています。流行に左右されず、絶え間なく実験に打ち込み、時代を超越する作品群を生み出しました。彼女の150点以上の絵画を収め、現代美術の評論家であるハイパーアレルギックのエリサ・ウォーク・アルミノなどによる洞察に満ちたエッセイを掲載した大規模なモノグラフが、ニューヨークのリッツォーリ・エレクタ出版社からまもなく刊行されます（現在予約注文可能です）。これまでで最も完全な彼女のキャリアの評価であり、多くの作品の美しい全ページ再現が評価されるでしょう。しかし、この本がすでに受けている評価は少し奇妙です。その奇妙さは、ニューヨーク・タイムズのロベルタ・スミスによる最近のレビューの見出しに表れており、メイソンを「忘れられたモダニスト」と呼んでいます。メイソンが当時評価されなかった、あるいは死後無視されてきたという主張は、事実というよりも、いわゆる「見過ごされた」作品や芸術家への市場の欲求を満たすための誇張表現です。私はこの場合、その理論を否定します。なぜなら、私は実際の芸術界に存在する多くの芸術家を知っているからです。ほとんどの芸術家はアリス・トランブル・メイソンが築いたようなキャリアを望んでいます。40年以上にわたり、彼女はニューヨーク市で6回の個展を開催し、アメリカ抽象芸術家協会を共同設立し、当時最も高く評価された芸術家たちと親交を結び学び、ヒラ・リーベイやペギー・グッゲンハイムなど芸術界の影響力ある人物に作品を売りました。大多数の芸術家が一度もニューヨークで個展を開けず、作品を一枚も売れない現実の中で、メイソンは大成功を収めたのです。芸術市場が彼女の遺産を歪めて腐敗した物語に合わせるのではなく、メイソンが実際に成し遂げたことに敬意を払うべきです。
個人的な美術史
アリス・トランブル・メイソンがどのような芸術家であったかを示す証拠の一つは、彼女の個人資料が寄贈されたスミソニアン米国美術アーカイブにあります。そのコレクションには「美術史」と彼女自身が表紙に手書きしたノートが含まれています。そのページ（オンラインで閲覧可能）には、数十人の古典的な巨匠たちの人生や作品についての個人的な考察が記されています。メイソンは単に美術史を読み返すのではなく、ヨーロッパに赴き、影響力のある作品を直接訪ね、作品を作った人々についても学びました。彼女の個人的な美術史の書物には、造形的な観察と芸術家の内面生活に関する洞察の両方が含まれており、どちらも同じくらい示唆に富んでいます。例えば、ミケランジェロはシスティーナ礼拝堂の壁画を描きたくなかったこと、多くのパトロンに不満を抱いていたことを彼女は記しています。彼が最も有名な芸術家の一人になった事実はメイソンにとって重要ではなく、彼が自由に描きたいものを描けなかったために不幸であったという事実に彼女はより関心を持っていました。
アリス・トランブル・メイソン - #1 パラドックスに向かって、1969年。キャンバスに油彩。19 x 22インチ（48.3 x 55.9 cm）。ニューヨーク、ウォッシュバーン・ギャラリー所蔵。
芸術の造形性について、メイソンはルネサンスの彫刻家ドナテッロの言葉「影のために実体を失う」に注目しています。彼の場合、ドナテッロは明暗の大胆な変化、すなわちキアロスクーロの効果について語っていました。彫刻された布のひだや筋肉の隆起に光が当たると、細部は失われるかもしれませんが、影が生み出す深さの感覚からドラマとリアリズムが現れます。メイソンは彼の言葉にさらに深い意味を読み取りました。この言葉は抽象の可能性を示す比喩だと見なしたのです。影は未知の象徴となりました。ドナテッロにとって未知が彫刻をリアルに見せたように、メイソンにとって未知こそが最も現実的なものでした。彼女は抽象芸術を最も代表的な芸術形態と考え、既知ではなく未知を表現しようと努めました。
アリス・トランブル・メイソン - 無題、約1939年。キャンバスに油彩。30 x 40インチ（76.2 x 101.6 cm）。ニューヨーク、ウォッシュバーン・ギャラリー所蔵。
完全な先駆者
まもなく刊行されるメイソンのモノグラフのタイトル「アリス・トランブル・メイソン：アメリカ抽象芸術の先駆者」はこれ以上ないほど適切です。私にとっては、西部開拓時代の古いアメリカの格言「開拓者は殺される、入植者は富を得る」を思い起こさせます。芸術はメイソンに富をもたらさなかったかもしれませんが、このモノグラフのページの中には、決して妥協しなかった芸術家の証拠が見られます。1929年、25歳の時点で、メイソンは抽象芸術に内在する世俗的な精神性の可能性に熱心に取り組んでいました。彼女は喜んで相反する理論を学び、ワシリー・カンディンスキー、ジョアン・ミロ、そして彼女の個人的な師の一人であるアルシール・ゴーキーのような生物的形態の詩的な芸術と、ピート・モンドリアンのような幾何学的で造形的な純粋さの芸術の間を揺れ動きました。彼女は生涯を通じてこの二つの立場の間を行き来しました。1945年、ヒラ・リーベイが227点の絵画を展示したカンディンスキー追悼展を開催した際、メイソンはリーベイに個人的な手紙を書き、彼の作品を直接「これほど深く学ぶ機会を与えてくれたこと」に感謝しました。しかし、わずか1年後には、メイソンはすでに長方形や彼女が「建築的」と呼んだ構造を作品に加え、モンドリアンの新造形主義の精神を取り入れていました。
アリス・トランブル・メイソン - 「色彩構造的抽象」のためのドローイング、1947年。メイソナイトに油彩。26 1/2 x 23インチ（67.3 x 58.4 cm）。ニューヨーク、ウォッシュバーン・ギャラリー所蔵。
最終的に、メイソンは作品において表面的な内容の問題を超える二つの指針を堅持しました。第一は、絵画であれ版画であれ、生物的形態の構成であれ幾何学的なものであれ、何をどのように創るかに関して個人の自由が重要であるという信念です。第二は、抽象芸術において最も重要で表現力豊かな要素は媒体そのものであるという認識です。すべての偉大な芸術家と同様に、彼女の作品の魔法は展覧会の履歴書やオークション価格、現代の収集家が彼女の名を知っているかどうかではなく、絵具そのものの表現力豊かな造形性にあります。
表紙画像：アリス・トランブル・メイソン - スタッフ、ディスタフ、ロッド、1952年。キャンバスに油彩。34 3/8 x 42インチ（87.3 x 106.7 cm）。ニューヨーク、ウォッシュバーン・ギャラリー所蔵。
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio著
