シャーロット・パーク、知っておくべき抽象画家

シャーロット・パークの作品には、私が馴染みのあるものを見出します。彼女の絵画には、ほとんど限りない不安と探求が見られ、特定の瞬間には静けさや静寂に置き換えられますが、常に自信に満ちています。パークは今日、特に有名なアーティストではありませんが、彼女の最も親しい仲間たちは過去1世紀の最も有名なアーティストの中にいます。彼女は、テート、MoMA、スミソニアンなど、他の多くの機関コレクションに作品が収蔵されているジェームズ・ブルックスと結婚していました。パークとブルックスはニューヨーク市でジャクソン・ポロックとLee・クラズナーの隣に住んでいました。ポロックとクラズナーがハンプトンズに引っ越したとき、パークとブルックスは彼らのアパートを引き継ぎ、その後、ロングアイランドに追随しました。才能ある他の多くの画家に囲まれながらも、パークは私にとって瞬時に共感できる独自の視覚的声を発展させました。彼女が同時代のアーティストたちと比べて比較的知られていないのは、彼らが皆、抽象表現主義と楽しく関連付けられていたからかもしれません。多くの現代アートの作家やディーラーがパークを「再発見」し、彼女の作品を同じ歴史的文脈に押し込もうと明示的に試みてきましたが、私はその運動や傾向、現象、あるいはそれが何であれ、パークについて書く気はありません。パークは、独自の進化を遂げた個人的な芸術的旅をしていたように思えます。多くの仲間たちが批評的成功を収めてから硬直してしまったのとは対照的に、パークはキャリアの後半にピークに達しました。まるで賢者がついに山の頂上に到達し、すべてを見渡し、最終的には最も小さなものの中にすべてを見出すかのようです。抽象表現主義が常に「私」という感覚に関するものであるように思えるのに対し、パークは「すべて」に関する作品を創造しました。彼女の絵画は、彼女の個性だけでなく、人間性—探求者から内なる平和への進化をも描いています。

孤立した人物

1918年にマサチューセッツ州コンコードで生まれたパークは、1939年にイェール大学で美術の学位を取得しました。彼女は第二次世界大戦中、後にCIAとなる戦略情報局（OSS）で働き、その後戦後にブルックスと共にニューヨークに移りました。戦後のマンハッタンで、彼女とブルックスは世界で最も活気に満ちた芸術的アバンギャルドの真っ只中にいました。しかし、その時期のパークの作品に浸透しているように見えるのは、抽象に対する焦点だけです。彼女の絵画は、無意識、オートマティズム、超越主義、神話創造など、同時代の人々の主要な関心事にはほとんど興味を示していません。パークは、ポロックのように自分自身を自然の具現化と見なしていたわけではないようです。彼女はむしろ、絵画とは何か、そしてそれが人間の経験の全体性を表現するのに本当に適しているのかという根本的な問いを投げかけることに興味を持つアーティストのように描いていました。

シャーロット・パーク - 太陽、1950年。キャンバスに貼られた紙に油彩。18 x 24 インチ (45.7 x 61 cm)。© ベリー・キャンベル・ギャラリー

「マスク」（1950年）、「太陽」（1950年）、そして「出発」（1955年）などの初期の絵画は、群衆を描こうとしているように見える誰かを示唆しています。押し合いへし合いのゲームに捕らえられた、寄り添ったバイオモルフィックな形です。これらの絵画における形そのものは、実際には主題ではありません。むしろ、それらとその環境との関係が重要であると感じられます。1950年代に彼女が制作し始めた主に黒い絵画の拡張シリーズでは、パークはプラスチックの現実を引き裂いて、表面の背後にある何かを発見しようとしているように見えました。怒りとフラストレーションは、これらの粗雑な視覚的爆発の中に埋め込まれているように感じられます。感情、寓話、そしてメタファーは自己表現を試みていますが、絵画はそのメッセージを伝えるにはほとんど不十分なようです。これらの絵画が繰り返し成功している唯一の宣言は、これらを描いた誰かが孤独であるということです。

シャーロット・パーク - 無題、1985年。アクリル画、紙。28.6 x 28.6 cm。© ジェームズ・ブルックスとシャーロット・パーク財団。提供：ベリー・キャンベル・ギャラリー

グリッドを見つける

一部の作家は、物語を語るという呼びかけに抵抗します。それは奇妙に聞こえるかもしれませんが、彼らは単に構造や期待なしに書きたいのです。物語は、作家から多くの創造的自由を奪う檻になり得ます。一部の画家もグリッドについて同じように感じています。既存の視覚フォーマットに従ったいわゆる構成を作成しなければならないことは、ただ絵を描きたいアーティストにとって本当のフラストレーションの源です。彼女のキャリアのほとんどにわたって彼女の作品に見られる不安は、パークがこの闘争に非常に親しんでいたことを示唆しています。1950年代と60年代、そして70年代初頭にかけて、彼女の作品はフレームの境界に対して激しく反発し、グリッドの影響を排除し、伝統的な調和とバランスの概念を拒絶し、彼女の同時代の多くが受け入れた「オールオーバー」構成戦略の概念を無視しています。彼女がキャリアの前半に制作した多くの絵画は、私には本当に絵画のようには感じられません—それらは戦いのように感じます：空間との戦い；光との戦い；物質性との戦い；ポリネシア人がマナと呼ぶものとの戦い：すべての物に集まるエネルギーです。

シャーロット・パーク - ペレシア、1976年。アクリル画。18 x 18 インチ (45.7 x 45.7 cm)。© ベリー・キャンベル・ギャラリー

パークは彼女の絵画にエネルギーを注ぎました。彼女は自分自身から、または自分自身の何かを無生物である絵に移しました。しかし、その闘いは1970年代中頃に突然終わりを迎えました。パークは予期しない美的な横道に足を踏み入れたのです。それはピエト・モンドリアンとネオ・プラスティシズムの遺産の道です。「ジェラルディア」（1975年）、「ヘレボレ」（1975-77年）、そして「ペレシア」（1976-78年）といった絵画は、モンドリアンのシンプルなネオ・プラスティックのカラーパレットとグリッド構造が終わったところから始まります。ただし、パークはすべてをフリーハンドで、自由な心で行います。彼女のネオ・プラスティック・グリッド絵画の時期は短命でしたが、グリッドのアイデアは彼女のキャリアの残りの部分においても彼女の作品に存在し続けました。まるで、フレームの制限や構成の反リベラリズムに苦しむのではなく、パークはそのようなパラメーターを受け入れることで、予期しない秘密の自由を見出したかのようです。彼女の絵画は常に自信に満ちていましたが、グリッドの遅い出現はそれらを静かで穏やかにしました。個人的には、彼女の作品の中でこれらの平和な絵画には最も共感できませんが、私の意見はパークにとって何の意味も持たないだろうと賭けます。なぜなら、彼女は主に自分自身のために絵を描いた稀有なアーティストだったからです。

特集画像: シャーロット・パーク - 無題, 1960年。油彩、キャンバス。34 x 34 インチ (86.4 x 86.4 cm)。© ベリー・キャンベル・ギャラリー
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フィリップ Barcio による