シャーロット・パーク、知っておくべき抽象画家

シャーロット・パークの作品にはどこか見覚えのあるものを感じます。彼女の絵画にはほとんど限りない不安と探求が見られ、時折静けさや静止に置き換わるものの、常に自信に満ちています。パークは今日では特に有名な画家ではありませんが、彼女の最も親しい仲間たちは20世紀の最も著名な芸術家の中に名を連ねています。彼女はジェームズ・ブルックスと結婚しており、彼の作品はテート、モマ、スミソニアンなどの機関コレクションに収蔵されています。パークとブルックスはニューヨーク市でジャクソン・ポロックとリー・クラスナーの隣に住んでいました。ポロックとクラスナーがハンプトンズに移った際、パークとブルックスは彼らのアパートを引き継ぎ、その後ロングアイランドにも彼らに続きました。多くの才能ある画家たちに社会的に囲まれていたにもかかわらず、パークは私にとってすぐに共感できる独特の視覚的声を育みました。おそらく彼女が今日比較的知られていないのは、同時代の画家たちが皆、抽象表現主義と喜んで結びつけられていたのに対し、彼女はそうではなかったからでしょう。多くの現代美術の作家やディーラーがパークを「再発見」し、彼女の作品を同じ歴史的文脈に押し込もうと試みていますが、私はパークをその運動や傾向、現象の一部として書く気にはなれません。パークは私には個人的な芸術の旅をしていたように思え、その旅は独自の進化をたどりました。多くの同時代人が批評的成功を収めた後に硬直化したのとは異なり、パークは晩年に頂点に達しました。まるで賢者がついに山頂に登りつめ、すべてを最も小さなものの中に見出すかのように。抽象表現主義が常に「私らしさ」のようなものを表しているように思えるのに対し、パークは「すべてらしさ」を感じさせる作品群を生み出しました。彼女の絵画は彼女の個性だけでなく、人間性—探求者から内なる平和への進化—をも映し出しています。

孤立した人物像

1918年にマサチューセッツ州コンコードで生まれたパークは、1939年にイェール大学で美術の学位を取得しました。第二次世界大戦中は戦略情報局（OSS、後のCIA）で働き、戦後はブルックスと共にニューヨークに移りました。戦後のマンハッタンで、彼女とブルックスは世界で最も活気ある芸術の前衛の中心に身を置きました。しかし、その時期のパークの作品に浸透している唯一の側面は抽象への注目だけのようです。彼女の絵画は、同時代の画家たちが関心を寄せた無意識、自動描画、超越主義や神話創造といった主題にはほとんど興味を示していません。パークはポロックのように自分を自然の化身と見なしていたようには思えません。むしろ、絵画とは何か、そしてそれが人間の経験の全体を表現するのに本当に適しているのかという根本的な問いを投げかける芸術家のように描いていました。

シャーロット・パーク - 『太陽』、1950年。紙に油彩、キャンバスに貼付。18 x 24インチ（45.7 x 61 cm）。© ベリー・キャンベル・ギャラリー

「仮面」（1950年）、「太陽」（1950年）、「出発」（1955年）といった初期の絵画は、群衆を描こうとしているかのように見えます—寄り集まった生物的形態が押し引きのゲームに巻き込まれているような。これらの絵画の形態自体は主題ではなく、それらと環境との関係が重要に感じられます。1950年代に始めた主に黒を基調とした連作では、パークは表面の向こうに何かを見つけ出そうとプラスチックの現実を引き裂こうとしているように見えます。怒りと苛立ちがこれらの荒々しい視覚的爆発に埋め込まれているようです。感情、寓意、隠喩が自己表現を試みていますが、絵画はそのメッセージを伝えるにはほとんど不十分に思えます。これらの絵画が繰り返し伝えている唯一の宣言は、描いた者が孤独を感じているということです。

シャーロット・パーク - 無題、1985年。紙にアクリル。28.6 x 28.6 cm。© ジェームズ・ブルックス＆シャーロット・パーク財団。ベリー・キャンベル・ギャラリー提供

グリッドの発見

物語を語ることに抵抗を感じる作家もいます。奇妙に聞こえるかもしれませんが、彼らはただ構造も期待もなく書きたいだけなのです。物語は作家の多くの創造的自由を奪う檻になり得ます。画家の中にもグリッドに同じような感情を抱く人がいます。既存の視覚的形式に従ういわゆる構図を作らなければならないことは、ただ絵を描きたいだけの画家にとって大きな苛立ちの源です。彼女のキャリアのほとんどにわたって作品に見られる不安は、パークがこの葛藤を深く理解していたことを示唆しています。1950年代から60年代、そして70年代初頭にかけて、彼女の作品は額縁の境界に抗い、グリッドの影響を打ち破り、伝統的な調和や均衡の概念を拒み、多くの同時代人が採用した「全体的」な構図戦略を無視しました。彼女のキャリア前半に制作された多くの絵画は、私には絵画というよりも戦いのように感じられます。空間との戦い、光との戦い、物質性との戦い、そしてポリネシア人が「マナ」と呼ぶ、すべてのものに集まるエネルギーとの戦いのように。

シャーロット・パーク - 『ペレシア』、1976年。キャンバスにアクリル。18 x 18インチ（45.7 x 45.7 cm）。© ベリー・キャンベル・ギャラリー

パークは自分の絵画にエネルギーを注ぎ込みました。自分自身の何か、生きているものを無生物である絵画に移し替えたのです。しかしその戦いは1970年代半ば頃に突然終わりを迎えました。パークは予期せぬ美学の脇道、すなわちピート・モンドリアンと新造形主義の遺産に足を踏み入れました。『ゲラルディア』（1975年）、『ヘレボル』（1975-77年）、『ペレシア』（1976-78年）といった絵画は、モンドリアンの単純化された新造形主義の色彩パレットとグリッド構造のすぐ後を受け継いでいます。ただしパークはすべて自由手描きで、自由な心で行いました。彼女の新造形主義グリッド絵画の時期は短命でしたが、グリッドの概念は彼女の作品に生涯にわたって存在し続けました。額縁の制限や構図の非自由主義と闘う代わりに、パークはそのような枠組みを受け入れることで思いがけない自由を見出したかのようです。彼女の絵画は常に自信に満ちていましたが、晩年にグリッドが現れることで静かで落ち着いたものになりました。私はこれらの平穏な絵画には彼女の作品群の中で最も共感しませんが、彼女が主に自分のために描いた稀有な画家であったことを考えれば、私の意見はパークにとって何の意味も持たないでしょう。

表紙画像：シャーロット・パーク - 無題、1960年。キャンバスに油彩。34 x 34インチ（86.4 x 86.4 cm）。© ベリー・キャンベル・ギャラリー
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フィリップ・Barcio 作