アド・ラインハートが私たちに現代美術を見る方法を教えた
純粋主義者であることは何を意味するのか？それは閉鎖的であることと同じなのか？それとも、純粋さの追求は本質的に高貴なものであり、完璧さの追求のようなものなのか？アメリカの抽象画家アド・ラインハートにとって、純粋さは美術にとって不可欠なものであった。彼の1953年のエッセイ「新アカデミーのための12のルール」の中で、ラインハートは美術を「美術以外の意味をすべて排除し、浄化された芸術」と定義した。彼はさらに、「絵画が持つ用途、関係、そして「追加」が多ければ多いほど、それは純粋ではなくなる。中に物が多ければ多いほど、作品は忙しくなり、悪化する。『多いは少ない』。」と言った。この発言は、確かにキャンバスに多くのものを載せることを好む抽象表現主義者たちと関連付けられる画家からの奇妙な声明のように聞こえるかもしれない。しかし、ラインハートは表現的でダイナミックなキャンバスを描くキャリアをスタートさせたにもかかわらず、彼の純粋さへの追求は時間とともに彼のアプローチを劇的に変えた。彼はキャリアの過程で絵画の内容を劇的に減少させ、晩年には黒だけで描くようになった。1967年に亡くなる頃には、彼は自らの努力の純粋さに自信を持ち、必要とされる最後の絵を描いたと宣言した。
芸術は素晴らしい
純粋さの探求は、アートスタジオよりも修道院により適しているように思えるかもしれません。しかし、アド・ラインハートはアーティストであると同時に哲学者でもありました。そして、彼の親友の一人は実際に修道院の僧侶でした。ラインハートは定期的に彼と手紙を交換し、人生と芸術の本質についての見解を気まぐれに交換していました。大学院では、ラインハートは美術史を学びました。このテーマについては、彼の世代の他のアーティストよりも多くのことを知っていたかもしれません。おそらく、芸術における純粋さの究極の表現を発見しようとする彼の興味は、彼自身の芸術史の連続体に対する関連性を定義しようとする欲求と同じくらい、知的および精神的な好奇心に関係していたのです。
彼が1940年代にニューヨークで最初に絵画を展示し始めたとき、それらは当時の支配的な新興スタイルである抽象表現主義に沿ったものでした。それらは絵画的で、ジェスチャーに富み、生き生きとした色彩に満ち、抽象的なマークで活気にあふれていました。10年も経たないうちに、彼はそれらすべてを情熱的に否定し、純粋で現代的な絵画を作るための正確な方法を説明する教条的で、ほとんど滑稽に具体的で、しばしば矛盾するマニフェストを発表しました：偶然にも、彼自身の初期の作品とはまったく異なる絵画です。それが逆説的に思えるなら、ラインハルト自身の有名な言葉を思い出すと助けになります：「アートは真剣に受け止めるにはあまりにも真剣です。"
アド・ラインハート - 抽象画、1960年。キャンバスに油彩。© 2018 アド・ラインハート財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
アバンギャルドの解体
ラインハルトが活動していた文化的気候を理解するためには、モダニズムの歴史を振り返ることが役立ちます。第二次世界大戦前、ほとんどすべての前衛芸術運動はアメリカの外で生まれました。第二次世界大戦後、アメリカは世紀の中で最も影響力のあるモダニスト運動のいくつかを生み出しました。抽象表現主義、ミニマリズム、そしてポスト表現主義です。このアメリカの芸術の影響の変化を引き起こしたのは何だったのでしょうか？それは芸術よりも政治に関係していました。
第一次世界大戦後のドイツ革命に続いて、ワイマール共和国と呼ばれる代表政府がドイツに樹立された。この民主的に選ばれた政府は、ドイツ全体で広範な社会的、政治的、経済的改革を実施し、広大な文化的変化をもたらした。この変革の環境の中で、ドイツのモダニズムは栄えた。バウハウスはワイマール共和国と同じ年、同じ都市に設立され、次の14年間でドイツは芸術における先進的な力へと進化した。
アド・ラインハート - ニュースプリント・コラージュ、1940年。切り抜きと貼り付けた印刷紙と黒い紙をボードに。15 7/8 x 20 インチ (40.6 x 50.8 cm)。MoMAコレクション。© 2018 アド・ラインハート遺族 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
ピュリズムの暗い側面
1929年に株式市場が崩壊したとき、ドイツは他の多くの西洋諸国と同様に、その経済が崩壊しました。その後の世界的な不況は、一般の労働者の生活に多くのフラストレーションを引き起こしました。1933年にナチス政権がドイツで権力を握ったとき、それはドイツを歴史的な偉大さに復帰させ、最近の過去の傾向を逆転させるという名目の下にありました。ナチス党が最初に行ったことの一つは、ドイツ文化に対する影響力を行使することでした。現代アートは主要な標的でした。
アドルフ・ヒトラーの指導の下、ナチスは純粋なドイツの芸術の概念を発展させました。それは、彼らの人種的および国家的アイデンティティの定義に従った伝統的で古典的な芸術のみを含んでいました。その定義の外にある芸術は退廃的と呼ばれました。こうして、ドイツからアバンギャルドの芸術家たちの脱出が始まりました。そして、ナチスの影響がドイツを超えて広がるにつれて、ヨーロッパ中の現代芸術家たちも同じ迫害を受けることになりました。
アド・ラインハート - 絵画のためのスタディ、1938年。紙にグワッシュ。4 x 5 インチ (10.2 x 12.8 cm)。MoMAコレクション。© 2018 アド・ラインハート遺族 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
アヴァンギャルドの再構築
1930年代後半から1940年代初頭にかけて、手段を持つヨーロッパの現代アーティストは、海外に行く方法を見つけました。ファシスト勢力に包囲されていない数少ない世界的な首都の一つとして、ニューヨーク市は世界中のアバンギャルドアーティストの灯台となりました。新たに到着したアーティストたちは、ジャクソン・ポロックのようなアメリカ生まれのアーティストや、第一次世界大戦後に移民としてそこに来たウィレム・デ・クーニングやアルシル・ゴーキーのようなアーティストを含む、すでに活気に満ちたニューヨークの抽象芸術シーンと交流しました。この文化から、最初のアメリカのモダニスト芸術運動が生まれました。
アド・ラインハートは、第二次世界大戦後のアヴァンギャルドなニューヨークのアーティストたちのこの世代の一員として、芸術的成熟を迎えました。彼は、この多様で国際的なコミュニティで行われていた政治的、哲学的、社会的、文化的な会話の活気ある混合に完全に関与していました。彼は抗議活動に参加し、あらゆる考えうる方法でシーンに関わりました。しかし、彼は同時代のアーティストたちと根本的に一つの点で意見が異なりました。彼らが自分たちの生活と芸術を一つの全体的な経験として結びつけて考えていたのに対し、ラインハートはそれが間違った道だと信じていました。彼が言ったように：「アートはアート。人生は人生。」
アド・ラインハート - 絵画のためのスタディ、1939年。ガッシュ、紙。3 7/8 x 4 7/8 インチ (10 x 12.5 cm)。MoMAコレクション。© 2018 アド・ラインハート遺族 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
不変量を探す
彼の作品を同時代のアーティストたちから進化させる方法として、ラインハルトは「啓蒙された対象」というアイデアを考案しました。それは、外部の物事やアイデアを参照することなく、単にその純粋な自己の一例として存在する芸術作品です。啓蒙された対象は、精神主義者が「不変」と呼ぶものの一形態であり、壮大な究極、不変の本質であり、変化の真っ只中にあっても変わらないものです。本質的に彼は、神の芸術版を探していました。
ラインハルトは否定を通じて不変のものを求めました。つまり、純粋な芸術が何であるかを定義するのではなく、純粋な芸術が何でないかを定義しました。彼の新しいアカデミーのための12のルールは1953年に発表され、純粋な芸術に到達するためのルールとして表現された否定のリストが含まれていました。これらのルールには次のものが含まれていました：リアリズムなし、印象派なし、表現主義なし、彫刻なし、プラスティシズムなし、コラージュなし、建築なし、装飾なし、テクスチャーなし、ブラシワークなし、事前にアイデアをスケッチすることなし、形なし、デザインなし、色なし、光なし、空間なし、時間なし、サイズなし、動きなし、主題なし、シンボルなし、画像なし、そして快楽なし。彼は付け加えました。「外部的には、すべての関係から自分を遠ざけ、内部的には、心の中に欲望を持たないようにしなさい。
アド・ラインハート - ペーパーコラージュ、1939年。ハーシュホーン美術館と彫刻庭園、ワシントンDC。© 2018 アド・ラインハート遺族 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
変化に伴う変化
新しいアカデミーのための12のルールを読む際に心に留めておくべき重要なことは、ラインハルトが大学でコメディ作家として働いていたこと、そして彼が精神的かつ哲学的な人物であったことです。彼は鋭い機知を持ち、しばしば意図的に逆説的な表現を使って話しました。彼が自分のルールのすべてを個別に守ることが可能だと信じていたとしても、同時にそれらすべてを守ることが意味するのは、いくつかが破られることになると彼も確かに理解していたに違いありません。
例えば、彼が人生の最後の12年間を費やして描いたブラック・ペインティングについて、彼はそれを「自由で、操作されておらず、操作不可能で、無用で、市場に出せず、還元不可能で、写真に収められず、再現不可能で、説明不可能なアイコン」と呼びました。しかし、それらは自由ではありませんでした。それらはイデオロギー的で教条的なシステムの産物でした。そして、写真に収められず、市場に出せないという点については、実際にはすぐに売れ、今日でもオークションで定期的に販売されており、カタログには素晴らしい写真が含まれています。では、ラインハルトは冗談を言っていたのでしょうか？それとも、抽象芸術を作り、語ることの複雑さについて、より深い声明を出していたのでしょうか？
アド・ラインハート - 無題, 1947年。キャンバスに油彩。ワシントンDCのナショナル・ギャラリー・オブ・アート。© 2018 アド・ラインハート財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
不変の状態
ラインハルトを理解することは、彼の文化を理解することを意味します。ラインハルトは、情熱的で感情的、個人的で絵画的な作品が支配するアートシーンの一部でした。彼の反応は、その反対を主張することでした。アーティストたちがアートを日常生活に再統合することを情熱的に主張する中、ラインハルトはアートと生活は別であると主張しました。彼は最後の絵を描いたと主張しましたが、アート史家として彼は、絵画の終わりは決して来ないことを知っていました。なぜなら、描く意欲のあるアーティストがいる限り、絵画は続くからです。
アド・ラインハートについての理解は、ブルース・リーのこの引用に見られます： “変化に合わせて変わることが、変わらない状態である。” 現在の支配的なトレンドに対する代替案を提供することで、ラインハートは美術史が続くことを保証しました。カジミール・マレーヴィチの黒い四角のように、アド・ラインハートの黒い絵画は絵画を終わらせるのではなく、むしろ連続性を前進させました。彼が教条的であったことで、彼は唯一の方法があると主張していたのではなく、次の世代への贈り物を与えていました：対抗すべき敵、抵抗すべき純粋主義者、そして挑戦すべきイデオロギー。
特集画像: アド・ラインハート - ナンバー6, 1946年。油彩、メイソニット。© 2018 アド・ラインハート財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
