アド・ラインハートが私たちに現代美術を見る方法を教えた

純粋主義者であるとはどういう意味でしょうか？それは心が狭いということでしょうか？それとも純粋さを追求することは、本質的に高潔であり、完璧を求めることのようなものなのでしょうか？アメリカの抽象画家Ad Reinhardtにとって、純粋さは美術にとって不可欠なものでした。彼は1953年のエッセイ「新しいアカデミーのための十二の規則」の中で、美術を「芸術以外の意味をすべて取り除き、純化した芸術」と定義しました。さらに彼は、「絵画に多くの用途や関係、“付加”があればあるほど、それは純粋ではない。内容が多ければ多いほど、作品は忙しくなり、質は落ちる。『多ければ少ない』のだ」と説明しました。これは、抽象表現主義者として知られる画家からは奇妙な言葉に聞こえるかもしれません。彼らは確かにキャンバスに多くのものを載せていましたから。しかし、Reinhardtはキャリアの初期には表現豊かで動的なキャンバスを描いていましたが、純粋さの追求によりその手法は大きく変わりました。彼は生涯を通じて絵画の内容を劇的に削減し、晩年には黒一色でのみ描くようになりました。1967年に亡くなる頃には、自身の努力の純粋さに自信を持ち、「これ以上必要な絵画は描かれない」と宣言しました。

洗練された芸術

純粋さの追求は、修道院の方が似合うように思えるかもしれません。しかしAd Reinhardtは芸術家であると同時に哲学者でもありました。彼の親友の一人は実際に修道士でした。Reinhardtは彼と定期的に手紙を交わし、人生や芸術の本質について気まぐれに意見を交換していました。大学院では美術史を学び、同世代の多くの芸術家よりも深い知識を持っていました。純粋な芸術の究極の形を探求することは、知的かつ精神的な好奇心と、自身の芸術史における位置づけを定義したいという願望の両方に関係していたのかもしれません。

1940年代にニューヨークで初めて作品を発表した頃、彼の絵画は当時台頭していた抽象表現主義の主流スタイルに沿ったものでした。筆致豊かでジェスチャー的、鮮やかな色彩に満ち、抽象的な印が生き生きと描かれていました。しかし10年も経たないうちに、彼はそれらすべてを熱烈に否定し、純粋で現代的な絵画を制作するための厳格で、時に矛盾するほど具体的なマニフェストを発表しました。その絵画は、彼の初期作品とはまったく異なるものでした。この逆説的な状況を理解するには、Reinhardt自身の有名な言葉を思い出すとよいでしょう。「芸術は真面目に受け止めるには真面目すぎる。」

Ad Reinhardt - 抽象画、1960年。キャンバスに油彩。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

前衛の解体

Reinhardtが活動した文化的背景を理解するには、モダニズムの歴史を振り返ることが役立ちます。第二次世界大戦前、ほとんどすべての前衛芸術運動はアメリカ国外で生まれました。戦後、アメリカは20世紀で最も影響力のあるモダニズム運動、抽象表現主義、ミニマリズム、ポスト表現主義などを生み出しました。この変化をもたらしたのは芸術よりも政治の影響が大きかったのです。

第一次世界大戦後のドイツ革命により、ワイマール共和国という代表制政府が成立しました。この民主的に選ばれた政府は広範な社会的、政治的、経済的改革を行い、ドイツ全土に大きな文化的変化をもたらしました。この変革の中でドイツのモダニズムは花開きました。バウハウスはワイマール共和国と同じ年、同じ都市で設立され、その後14年間でドイツは芸術の先進的な力となりました。

Ad Reinhardt - 新聞紙コラージュ、1940年。印刷紙と黒紙を切り貼りした作品。15 7/8 x 20インチ（40.6 x 50.8 cm）。MoMAコレクション。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

純粋主義の暗い側面

1929年の株式市場の暴落により、ドイツは他の多くの西側諸国と同様に経済が崩壊しました。続く世界的な不況は一般労働者の生活に多くの不満をもたらしました。1933年にナチス政権がドイツで権力を握ると、彼らはドイツを歴史的な偉大さに回復し、近年の流れを逆転させることを掲げました。ナチス党が最初に行ったことの一つは、ドイツ文化への影響力の行使でした。モダンアートはその主要な標的でした。

アドルフ・ヒトラー率いるナチスは純粋なドイツ芸術の概念を打ち立てました。それは彼らの人種的・国家的アイデンティティの定義に合致する伝統的で古典的な芸術のみを含み、それ以外の芸術は退廃芸術と呼ばれました。こうして前衛芸術家たちはドイツから逃亡を余儀なくされました。ナチスの影響がドイツを超えて広がると、ヨーロッパ中のモダンアーティストも同様の迫害を受けました。

Ad Reinhardt - 絵画のための習作、1938年。紙にグアッシュ。4 x 5インチ（10.2 x 12.8 cm）。MoMAコレクション。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

前衛の再結集

1930年代後半から1940年代初頭にかけて、ヨーロッパのモダンアーティストは可能な限り国外へ逃れました。ファシスト勢力に包囲されていなかった数少ない世界の首都の一つ、ニューヨーク市は世界中の前衛芸術家の灯台となりました。新たに到着した芸術家たちは、ジャクソン・ポロックのようなアメリカ生まれの芸術家や、第一次世界大戦後に移住したウィレム・デ・クーニングやアーシャイル・ゴーキーらと交流し、活気あるニューヨークの抽象芸術シーンに溶け込みました。ここから最初のアメリカのモダニズム芸術運動が生まれました。

Ad Reinhardtは戦後のこの世代の前衛ニューヨーク芸術家の一員として芸術的に成熟しました。彼は多様で国際的なコミュニティで行われていた政治的、哲学的、社会的、文化的な議論に積極的に参加しました。抗議活動にも参加し、あらゆる形でシーンに関わりました。しかし彼は同時代の芸術家たちと根本的に異なる考えを持っていました。彼らが人生と芸術を一体の経験と考えたのに対し、Reinhardtはそれが誤った道だと信じていました。彼の言葉を借りれば、「芸術は芸術。人生は人生。」

Ad Reinhardt - 絵画のための習作、1939年。紙にグアッシュ。3 7/8 x 4 7/8インチ（10 x 12.5 cm）。MoMAコレクション。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

不変の探求

同時代の芸術家たちから自身の作品を進化させる方法として、Reinhardtは「啓発された対象」という考えを打ち立てました。それは外部の何ものも参照せず、外部の概念も持たず、ただ純粋な自己の例として存在する芸術作品のことです。啓発された対象は、霊的な人が「不変のもの」と呼ぶものの一形態であり、変化の中にあっても変わらない究極の本質を指します。要するに彼は芸術における神のようなものを探していたのです。

Reinhardtは否定を通じて不変のものを追求しました。つまり純粋な芸術とは何かを定義するのではなく、純粋な芸術ではないものを定義したのです。1953年に発表した新しいアカデミーのための十二の規則には、純粋な芸術に至るための否定のリストが規則として記されていました。そこには、リアリズム禁止、印象派禁止、表現主義禁止、彫刻禁止、プラスチシズム禁止、コラージュ禁止、建築禁止、装飾禁止、質感禁止、筆致禁止、事前のスケッチ禁止、形態禁止、デザイン禁止、色彩禁止、光禁止、空間禁止、時間禁止、サイズ禁止、動き禁止、主題禁止、象徴禁止、イメージ禁止、快楽禁止が含まれていました。さらに「外面的にはすべての関係から離れ、内面的には心に欲望を持たないこと」と付け加えています。

Ad Reinhardt - 紙のコラージュ、1939年。ワシントンDC、ハーシュホーン美術館彫刻庭園所蔵。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

変化に伴う変化

新しいアカデミーのための十二の規則を読む際に重要なのは、Reinhardtが大学時代にコメディ作家として働いていたこと、そして精神的かつ哲学的な人物であったことを念頭に置くことです。彼は鋭い機知に富み、しばしば意図的に逆説的な言葉を使いました。すべての規則を個別に守ることは可能だと信じていたとしても、同時にすべてを守ることは不可能であることも理解していたはずです。

例えば、晩年12年間描き続けた黒い絵画について、彼は「自由で操作されず、操作不可能で、無用で、市場価値がなく、還元不可能で、写真に撮れず、複製不可能で、説明不能な聖像」と呼びました。しかしそれらは自由ではなく、イデオロギー的で教条的な体系の産物でした。写真に撮れず市場価値がないという点も、実際にはすぐに売れ、今日でもオークションに出品され、カタログには高品質の写真が掲載されています。ではReinhardtは冗談を言っていたのでしょうか？それとも抽象芸術の制作と語りについての複雑さを示す深い言葉だったのでしょうか？

Ad Reinhardt - 無題、1947年。キャンバスに油彩。ワシントンDC、ナショナルギャラリー所蔵。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

変わらぬ状態

Reinhardtを理解するには彼の文化を理解することが必要です。彼は情熱的で感情的、個人的で筆致豊かな作品が支配的な芸術シーンの一員でした。彼の応答はその正反対を主張することでした。芸術家たちが芸術を日常生活に再統合しようと熱心に訴えたとき、Reinhardtは芸術と生活は別物だと主張しました。彼は最後の絵画を描いたと称しましたが、美術史家として、絵画の終わりは、絵を描く意志のある芸術家がいる限り決して来ないことを知っていました。

Ad Reinhardtの理解の一端はブルース・Leeの言葉にあります。「変化に伴い変わることが変わらぬ状態である」。当時の主流の流れに対する代替案を示すことで、Reinhardtは美術史の継続を保証しました。カジミール・マレーヴィチの黒の正方形のように、Ad Reinhardtの黒い絵画は絵画を終わらせるのではなく、連続性を前進させました。彼が教条的であったのは唯一の方法を主張するためではなく、次の世代に敵を与えたのです。抵抗すべき純粋主義者と反抗すべきイデオロギーを。

掲載画像：Ad Reinhardt - ナンバー6、1946年。メイソナイトに油彩。© 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
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フィリップ・Barcio著