ジム・ホッジスがニューヨークのグランドセントラルを抽象的なインスタレーションに変える

ジム・ホッジズは、現代の精神の最も困難な側面を表現しつつ、その美しさも同時に表現することができる稀有な抽象芸術家の一人です。ホッジズによる新しいインスタレーション作品「I dreamed a world and called it Love（私は世界を夢見て、それを愛と呼んだ）」が、最近ニューヨークのグランドセントラル駅で公開されました。この作品は、2016年にニューヨークのグラッドストーン・ギャラリー21丁目の会場で開催された同名の展覧会に由来し、その素材感も受け継いでいます。インスタレーションは700平方フィート以上にわたる複数の面を覆い、5,000点以上の切り出されたガラス片で構成されています。この作品はステンドグラスと素材の伝統を共有しています。しかし、ステンドグラスの窓が光を通すのに対し、このインスタレーションは不透明な面に取り付けられており、色ガラスの反射特性を際立たせています。この作品はどのようにして現代の精神の最も困難な側面を表現しているのでしょうか？それは断片的で、時に混沌としており、少し終末的な印象を与えます。この瞬間の美しさをどのように表現しているのでしょうか？それは動きや活力、輝きを受け入れ、虹の色彩を動員しています。多くの虹の視覚表現とは異なり、黒や茶色も含まれています。その色調は自然を叫んでいます。海や大気の青、森の緑、土の赤や茶色。しかし、この作品の人工的な外観は、人間の介入の結果であることを明確に示しています。最後に、このインスタレーションには明らかに楽観的な何かがあります。それは事実やデータの重荷に対するコメントではなく、創造の行為に内包される原初的な可能性に対するものです。情報の終わりゆく時代に属するのではなく、率直に言って疲弊し搾取されていると感じるその時代ではなく、あらゆることが可能であると約束する想像力の新たな時代に属しています。

拡張された領域のさらなる拡大

どの分野にも、やらなければならない汚れ仕事や困難な仕事があります。そうした仕事の一つから始めて後に頂点に立つ人々は、私のお気に入りの人たちです。なぜなら、彼らは自分の職業が何であるかを基本的かつ具体的に理解しているからです。視覚芸術の分野では、その一つがアートハンドラーです。彼らはギャラリーや美術館の壁に展示される作品を梱包し、発送し、掛ける仕事をします。アートハンドラーとして働く芸術家は、技術の重要性を学び、人々が芸術と物理的な関係を持つことの重要性を文字通り理解します。ブルックリンのプラット・インスティテュートで絵画の修士号を取得した後、ジム・ホッジズはアートハンドラーとしてのキャリアを始めました。彼は無料のスタジオスペースと引き換えにその仕事をしました。ニューヨークで作品を箱詰めし、運び、掛けるうちに、彼は伝統的な画家から、絵画の拡張された領域で活動する芸術家へと変貌を遂げました。そこでは色彩、表面、構成がキャンバスや壁から解放され、あらゆる面、あらゆる素材、あらゆる空間に宿ります。

展示風景、ジム・ホッジズ、「I Dreamed a World and Called it Love」、グラッドストーン・ギャラリー、ニューヨーク、2016年

2014年にボストン現代美術館で開催された中期回顧展「Give More Than You Take（受け取る以上に与えよ）」は、ホッジズがアートハンドラーとしての初期の時代から30年にわたり、拡張された領域をさらに広げてきた様子を示す好例でした。花の繊細なイメージが描かれた使用済みのナプキンの壁は、絵画されたイメージがある意味で墓室に似ていることを不気味で美しく示していました。そこにはかつてあったかもしれない、あるいは決してなかったかもしれない何かを収める美しい容器としての役割があります。天井に吊るされた吹きガラスの鈴は、それぞれ内側に繊細なパステル色が塗られ、単なる場所特有のインスタレーションを超えた存在となりました。隣接する窓からの変化する光を捉え放ち、魅力的な音の約束で心をくすぐり、もし観客が大胆にも床に寝転んで見上げれば、それは平面上の色と形の構成、すなわち拡張された領域の絵画へと変わります。

ニューヨークのグランドセントラル駅にあるジム・ホッジズの常設インスタレーション作品「I dreamed a world and called it Love」のそばを通り過ぎる通勤者たち。画像提供：グラッドストーン・ギャラリー。

反射する可能性

1980年代にキャリアを始めた頃、エイズ危機はホッジズにとって重要な関心事でした。彼は時折、私たちの社会における人間性の欠如について語っており、それがエイズパンデミックの最悪の年を必要以上に致命的にした中心的な課題でした。今日のパンデミックにおいても、当時と同様に、私たちは他者の中に自分自身を見ることを拒み、しばしば自分自身が何者であるかさえ認めようとしません。ホッジズの多くの作品は、人間性とその常に伴う死の概念を表現しています。彼が頻繁に用いるイメージの一つにクモの巣があります。これは、互いに依存し合う私たちと、苦しみの罠に無力に絡め取られている私たちの抽象的な寓意です。

ジム・ホッジズの常設インスタレーション作品「I dreamed a world and called it Love」、ニューヨークのグランドセントラル駅。画像提供：グラッドストーン・ギャラリー。

そのとろけるように流れる生物的形態を持つ「I dreamed a world and called it Love」は、クモの巣が自然に根ざしているのと同じくらい自然に根ざしています。多くの人はそれに出会うと、罠にかかることを恐れてハエのように急いで通り過ぎるでしょう。しかし、立ち止まって作品をじっくり考える人は、まずその表面的なもの、すなわちプラスチックのような質感や光、動きを見出すでしょう。彼らは地と火から生まれた素材であるガラスの重みを感じるかもしれません。時間が経つにつれて、彼らは形而上的な反応を覚えるかもしれません。原初の力が根本的な変化をもたらす不安な感覚です。そうして立ち止まり内省的になるか、ただ急いで通り過ぎるかにかかわらず、この作品を見るすべての人は少なくとも直感的にその反射する可能性を理解するでしょう。彼らはその中に自分自身を見、他者を見ます。このようにして共感的な芸術作品であり、人間であることの意味を理解しようと長年努力してきた芸術家の証です。

表紙画像：ジム・ホッジズの常設インスタレーション作品「I dreamed a world and called it Love」、ニューヨークのグランドセントラル駅。画像提供：グラッドストーン・ギャラリー。
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フィリップ・Barcio