ロサンゼルスのアートシーンの伝説、エド・モーゼスが91歳で死去
Ed Mosesは、カリフォルニア・アバンギャルドの先駆者であり、2018年1月17日、家族に見守られながら、ベニスビーチの自宅で安らかに息を引き取りました。今日、多くの人はMosesが何者だったのかを知りません。名前を知っていたとしても、彼の作品を思い浮かべることはできないでしょう。それはおそらく、同世代で最も多作かつ影響力のある画家の一人でありながら、最もつかみどころのない人物の一人でもあったからです。Mosesは、自分をプロのアーティストと呼ぶことは決してありませんでした。その呼び名は、市場の需要に応じて特定の美学的立場を育んだ人々に委ねていました。彼は、自分をただ絵を描くことが好きな人間だと考えていました。自由と実験を重んじ、制作中は完全に開かれた姿勢でいました。発見へと至る旅こそが、アートをつくるうえで最も興味深い部分だと考えていたのです。買い手から人気を得るスタイルにたどり着いたときでさえ、Mosesは次の旅を探して制作を変えました。その結果、彼の作品群はあまりにも多様で、彼を知る人々でさえ、それが彼の作品かどうかを見分けるのが難しいことがしばしばあります。Ed Mosesという名前が美術史の本からしばしば抜け落ちている理由の一つはそこにあります。美術史は、主にアート市場の視点から語られます。多くのお金は、ひと目でそれとわかる作品や、語りやすい人生の物語を持つ人物に流れます。Mosesはそのどちらにも当てはまりませんでした。彼の人生は、彼のアートと同じくらい、しばしば混沌として予測不能でした。しかし、生前に正当な評価を得ることはなかったものの、彼はまだ開花し始めたばかりの豊かな遺産を築きました。市場での可能性以上のものを発見しようとするアーティストたちにとって、彼は一つの模範です。彼は、アートの世界の内側にはもう一つのアート・ワールドがあり、想像力と自由に身を捧げる反逆者たちの活気ある共同体を支えていることの証明なのです。
ワイルド・アット・ハート
Ed Mosesが亡くなったとき、妻のAvilda Petersは彼のそばにいました。彼女はMosesと二度結婚しています。最初は1959年でした。17年後、二人は離婚しましたが、2015年に再婚しました。Mosesはかつて『ロサンゼルス・タイムズ』紙に、離婚の原因は自分自身の「狂気」だったと語っています。アーティストになるまでの道のりを振り返ると、彼が何を意味していたのかが見えてきます。Mosesは幼い頃、人生が予測不能で容赦のないものだと知りました。3人きょうだいのうち、彼だけが生き残りました。両親はハワイに住んでいました。長男はEdが生まれる前に亡くなりました。Edを身ごもっていた母親は、父親のもとを離れ、カリフォルニアで新しい人生を始めるために船で旅立ちました。Mosesはその船上で生まれました。10年後、もう一人の兄弟が14歳で亡くなりました。
Mosesは17歳で高校を中退し、海軍に入りました。第二次世界大戦末期に衛生兵として従軍し、除隊後は一時、医師になることも考えました。しかし、彼の知性は医学部の構造よりも創造性に向いていました。実際、美術学校でさえ彼には少し厳格すぎました。Mosesが美術学修士号を取得するまでには、さまざまな学校への編入と退学を繰り返しながら10年かかりました。ようやくMFAを修了したとき、彼は自分自身のやり方で教育を終えました。多くの学生がそうするようにキャンパスで最終論文展を開くのではなく、当時ウェストハリウッドにあった新進気鋭の小さなギャラリー、Ferus Galleryで開催したのです。
Ed Moses - Cuba #2, 2014-2015, キャンバスにアクリル, 52 × 43 × 1 1/2 in, 132.1 × 109.2 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses
Ferus Galleryは、カリフォルニアで最も影響力のある二つの美学的潮流、ライト・アンド・スペース・ムーブメントとフィニッシュ・フェティッシュに結びつくアーティストたちを世に送り出しました。ギャラリーがオープンした当初は、他の誰も展示しようとしないアートを見せることに専念していました。アーティストたちは、その空間で何をしても許されました。そして性別による区別もありませんでした。最初の展覧会には男性と女性のアーティストが参加し、ギャラリー初の個展は、女性の抽象表現主義画家Sonia Gechtoffによるものでした。しかしFerusのオープンからほどなくして、それが持続可能なビジネスモデルではないことが明らかになりました。アーティストの名簿は削減されました。残ったのはMoses、Craig Kauffman、Robert Irwin、John Altoon、Billy Al Bengston、Larry Bell、Ed Ruschaらで、そのほとんどが男性でした。彼らは自分たちをThe Studsと呼ぶようになりました。
Ferus Galleryが閉鎖した1966年までには、The Studsの多くが名声を高めていたため、お金はもはや問題ではありませんでした。実験的な作品を制作していたMosesは、幸せそうに周縁にとどまりました。彼の最初の大きな売上が生まれたのは、1970年代になってからでした。それでも、レジン・ペインティングなど特定の作品群がコレクターや美術館の間で人気を得ると、彼は想像力を刺激し続けられる新鮮なものを探して、制作を変えました。彼はかつて『ロサンゼルス・タイムズ』紙にこう語っています。「自分にできる絵は描きたくない。」偶然の発見が起こりうる、反復的なプロセスにより関心を持っていたのです。
Ed Moses - S Wall #X3, 2016, キャンバスにアクリル, 60 × 138 × 1 1/2 in, 152.4 × 350.5 × 3.8 cm, William Turner Gallery, Santa Monica, © Ed Moses
実験的なアプローチによって名声を得るのが遅れたかもしれませんが、Mosesは他のアーティストたちや、アバンギャルド・アーティストの作品を受け入れる機関からはよく知られていました。1980年にはグッゲンハイム・フェローシップを受賞し、ロサンゼルス現代美術館では回顧展も開催されました。今日、彼の絵画は、MoMA、ホイットニー美術館、ウォーカー・アート・センター、メニル・コレクションなど、40館を超えるアメリカの美術館の永久コレクションに収蔵されています。また、カリフォルニアのより広い文化にも足跡を残しており、クール・スクールの創始者として知られています。
Mosesは、ニューヨークのアート・シーンに結びつく深刻さやセレブリティ性を避けるカリフォルニアの伝統を築きました。彼の同時代人のうち、どれほど多くがクール・スクールのラベルに値するかは議論の余地がありますが、Mosesがその名に値することに疑いはありません。彼は生涯の終わりまで、実験的で多作であり続けました。ペースメーカーを装着した後、ニューヨークでの回顧展の準備をしていた2016年、彼はArtnetにこう語っています。「ずっと車椅子に乗っているけれど……それでも描き続けている。毎日、自分が持っている素材と道具と空間で描く方法を考え出し、楽しみながらやっている」。彼が残した卓越した抽象芸術の作品群に加えて、Mosesが最も記憶されることになるのは、発明性、創造性、そして楽しさという遺産でしょう。
Ed Moses - Fruit Bar 3, 2016, キャンバスにアクリル, 24 × 30 in, 61 × 76.2 cm, Telluride Gallery of Fine Art, © Ed Moses
注目画像：Ed Moses - First, look at the paintings. Then we’ll shoot the shit, Installation View, 2016, 作家およびBlain|Southern提供, 写真：Peter Mallet
すべての画像は説明目的のみで使用されています
Phillip Barcio著 2018
IdeelArt編集（2026年）
