ロバート・モリス - 他に類を見ないアーティスト兼彫刻家

ロバート・モリスは、ほとんど定義をしないことでアートを定義しました。彼は「アートは主に状況である」と言いました。それを人間の言葉で言い換えると、もしあなたがパーティーでモリスに出会い、彼が「ロバート・モリス、アーティスト」と紹介されたとしたら、その紹介に対するあなたの反応は、彼が「ロバート・モリス、科学者」や「ロバート・モリス、配管工」と紹介された場合とは大きく異なるでしょう。それぞれのラベルには独自の含意があります。あなたがそれぞれにどのように反応するかは、パーティーの種類、他のゲストが誰であるか、そしてアーティスト、科学者、配管工についてのあなた自身の個人的な仮定など、多くの要因に依存します。では、その考え方をアートに適用してみましょう。例えば、アイコニックなモリスの作品無題（ピンクフェルト）(1970)を考えてみてください。この作品は基本的に、床の上に投げられた一束のピンクのフェルトストリップで構成されています。もしあなたがそれに初めて出会ったとしたら、もちろんすぐに知的にそれと関わり始めるでしょう。しかし、もしそのフェルトの束がアートであると言われた場合と、建設プロジェクトからの残り物であると言われた場合では、あなたの知性が向かう方向は大きく異なるでしょう。人生の他のすべてのものと同様に、アートはその物理的な説明、形式的な特性、あるいは概念的な基盤によって定義されるものではありません。状況がすべてです。何かはアートであるかもしれないし、アートでないかもしれません—それはすべて状況に依存します。

アート作品の本質

ロバート・モリスは大学生活を工学部の学生として始めたため、物事がどのように機能するかという根本的なプロセスへの意識を示しながら、彼のアートキャリアを展開したことは驚くべきことではないかもしれません。彼は常に芸術作品の創造に至るプロセスに興味を示していただけでなく、芸術作品が実用的な意味で何であるか、つまりその目的、意味、そして人類にとっての利用価値という根本的な問いに対しても継続的な魅力を示していました。これらの問いの答えを見つけるための探求の一環として、彼はさまざまな形の芸術表現を探求しました。絵画、ドローイング、彫刻に加えて、彼はダンス、振付、演劇、音楽の分野でも活動しました。アートキャリアの初期に、彼は舞台芸術における動きの役割に興味を持ち、動きがプラスティックアートにどのように関連しているかにも関心を持つようになりました。彼は美的対象をパフォーマティブなジェスチャーの遺物として見るだけでなく、それらの最終的な形は無関係であると見なすようになりました。なぜなら、それらの創造の根本的なプロセスこそが創造的な火花の真の表現であったからです。

Robert Morris - Untitled, 1974, Dark gray felt, metal grommets, 107 × 220 × 43 in, 271.8 × 558.8 × 109.2 cm, Castelli Gallery, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

1969年にモリスが制作した2つの初期作品は、創造的プロセスに対する彼の感情を明確に伝えていました。一つは無題（スキャッターピース）と呼ばれ、もう一つは毎日変わる継続的プロジェクトと呼ばれました。両方ともニューヨーク市の西108丁目にあるレオ・カステリ・ギャラリー・ウェアハウスで展示されました。スキャッターピースは、その名の通り、空間に散らばった一群の物体でした。物体の半分は柔らかいフェルトでできており、残りの半分は金属でできていました。物体の寸法と外観は、ランダムさと恣意的な選択の混合によって決定されました。一方、継続的プロジェクトは、街中で集められた土やゴミの集合体でした。毎日、モリスは来て継続的プロジェクトに変更を加え、追加したり、削除したり、要素を移動させたりしました。物体の外観や配置は重要ではありませんでした。両方の作品のポイントは、人々が来てさまざまな要素を動かし、物の存在を感じ、自分自身がその状況の一部になることでした。

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, felt, steel, lead, zinc, copper, aluminum, brass, dimensions variable, installation view at Leo Castelli Gallery, New York. Photo Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

空間における物体の認識

モリスは、形式的な考慮が無関係であるという概念を探求し続け、最も単純な幾何学的形状を使用した作品をギャラリーや博物館のために制作しました。彼は大きな立方体、「L」型、四角いアーチ、箱を作りました。各オブジェクトは、空間内で人々と相互作用することを意図していました。また、ギャラリーや博物館のための作品を制作するだけでなく、モリスはランドアート運動の先駆者でもありました。ランドアートは、外部に存在し、自然環境を利用するアートです。それは本質的に空気のようで、非アーカイブ的です。モリスはランドアートを使用して、人々といわゆるアートのために指定された空間との間の障壁を取り除きました。彼の最も記念碑的なランドアート作品の一つは、天文台です。オランダのフレヴォラントに位置し、草が生えている二つの同心円の土の円から成り立っています。外側の円には四つの入り口があり、春分の日と秋分の日の出に合わせて配置されており、この作品は現代のストーンヘンジのようなものとなっています。

Robert Morris - Observatory, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

モリスが最近制作した最も印象的な彫刻の一つは、ミズーリ州カンザスシティにあるネルソン・アトキンス美術館の敷地に恒久的に設置された「ガラスの迷路」です（彼が生まれた街です）。上から見ると、迷路は幾何学的な迷路に交差する三角形です。人々は迷路に入り、出口を見つけるまで通路を進んでいきます。壁は高さ7フィートで、厚さ1インチのガラスでできています。これは地球上で最も透明なガラスであるため、人々が迷路を歩いている間、彼らと外の世界の間に何枚のガラスがあるのかを把握することができません。この作品は、モリスが追求している多くのことを要約しています。シンプルな幾何学的形状で構成されているにもかかわらず、深い身体的体験を提供します。その存在は周囲の状況によって決まります。自然と密接に結びついています。儚く、常に変化し続ける世界がその中に見えるため、常に変化しています。そして最も重要なことは、アートとしてのその地位はその状況に依存しているということです—その状況は、私たちの一人がそれと対話し、完全にするまで決して完了しません。

Robert Morris - Glass Labyrinth, 2013, Glass, steel, bronze and stone, 50 x 50 x 50 feet, 15.24 x 15.24 x 15.24 meters, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

特集画像: ロバート・モリス - 無題（ピンクのフェルト）、1970年、さまざまなサイズのフェルト片、全体の寸法は可変、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ニューヨーク パンザコレクション、1991年、© 2018 ロバート・モリス / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク
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フィリップ Barcio による