抽象彫刻 - 満と空の言語

モダニズムの初期から、二次元と三次元の抽象美術の性質や違いについて疑問が提起されてきました。20世紀の最初の10年間に、コンスタンティン・ブランクーシは、抽象的な 彫刻が伝えようとするものは何か、すなわち対象の姿か本質かという基本的な問いを投げかけました。次の10年には、パブロ・ピカソが彫刻は彫る、型を取る、鋳造する必要はなく、組み立てることもできると証明しました。その次の10年には、アレクサンダー・カルダーが彫刻は動くことができると示しました。そしてさらに数十年後、ドナルド・ジャッドは彼の学際的な作品に言及し、「特定の物体」という言葉を絵画や彫刻の代わりに提案しました。このテーマは何冊もの本を埋め尽くすほどですが、今日は抽象彫刻の歴史のいくつかのハイライトを簡潔に、かなり削ぎ落とした形でご紹介します。

抽象彫刻の父

コンスタンティン・ブランクーシは1876年にルーマニアで生まれました。当時のヨーロッパの美術界は基本的に絵画と彫刻で構成されており、どちらもほぼ完全に具象的でした。抽象への漸進的な進化は始まっていましたが、純粋な抽象を試みたり、それが正確に何を意味するのかを定義しようとする専門の芸術家はほとんどいませんでした。ブランクーシの彫刻の最初の経験は非常に実用的で、子供の労働者として農具を彫ることでした。彼が最終的に美術学校に進んだときも、古典的な訓練を受けていました。しかし、1903年にルーマニアを離れ、最終的にパリに到着すると、モダニズムの議論に関わるようになりました。彼は抽象に関する流布していた考えに熱心に賛同し、彫刻の現代的な目的は「外形ではなく、物事の考えや本質を示すことだ」と結論づけました。

1913年、ブランクーシの初期の抽象彫刻のいくつかがニューヨーク市で開催されたその年のアーモリー・ショーで展示されました。この展覧会は主にモダニズム美術をアメリカに紹介したものです。批評家たちは彼の彫刻「マドモアゼル・ポガニーの肖像」を、卵のように見えるなどの理由で公然と嘲笑しました。13年後、ブランクーシはアメリカ人を最後に笑わせることになります。彼の彫刻の一つがアメリカ連邦法の改正を引き起こしたのです。ある収集家がブランクーシの鳥の彫刻を購入し、アメリカに輸入しようとしましたが、その彫刻は鳥の形をしておらず、飛翔を表現していました。税関は抽象彫刻を芸術として免除せず、輸入税を課しました。収集家は訴訟を起こし勝訴し、アメリカの裁判所は芸術とみなされるために必ずしも具象的である必要はないという公式の宣言を出しました。

Constantin Brancusi - キス、1907年（左）とマドモアゼル・ポガニーの肖像、1912年（右）、フィラデルフィア美術館、フィラデルフィア、© 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

パブロ・ピカソと組み立て芸術

パブロ・ピカソは抽象彫刻の領域で重要な初期の先駆者の一人でしたが、意図していたかどうかは別としてです。1912年頃、ピカソはキュビスムの考えを三次元の領域に拡大し始めました。彼はまずコラージュを作り始めました。コラージュは層状の表面と絵の代わりに見つけた素材や物体を使うことで、すでに一種の三次元的な性質を持っていました。次に彼はコラージュの考えを実際の三次元空間に翻訳し、段ボール、木材、金属、針金などの素材でギターなどの実物の物体を組み立てました。

伝統的に彫刻は型取り、粘土のような塊の形成、または彫刻のような削り出しの過程から生まれました。ピカソは偶然にも、見つけた異なる素材の断片を組み立てて形にするという行為によってその伝統に挑戦しました。さらに彼はこの組み立て作品を台座に置くのではなく壁に掛けることで人々の心を驚かせました。鑑賞者はピカソのギターに困惑し、激怒し、絵画か彫刻かを問いただしました。ピカソはそれらはどちらでもなく、「何でもない、ギターだ！」と主張しました。しかし意図していたかどうかにかかわらず、彼は彫刻の根本的な定義に挑戦し、抽象美術に関する最も長く続く議論の一つを始めたのです。

Pablo Picasso - 段ボール製ギター構造、1913年、MoMA

レディメイド

ピカソやブランクーシのような芸術家が当時の鑑賞者にとって革命的に見えたとしても、1913年はダダイズムの芸術家マルセル・デュシャンが「レディメイド」という言葉を、見つけた物体を芸術作品として署名し展示する作品を指すために用いた年でもあります。デュシャンによれば、普通の物体は「芸術家の単なる選択によって芸術作品の尊厳に高められる」のです。1917年、デュシャンはおそらく最も有名なレディメイド作品である「泉」を展示しました。これは横に置かれ「R. Mutt」と署名された小便器でした。

デュシャンはこの「泉」をニューヨークの独立芸術家協会の最初の展覧会に出品するために制作しました。この展覧会は審査員も賞もない完全に開かれた現代美術の展覧会として称賛されていました。しかしこの作品は奇妙にも展覧会から拒否され、美術界に騒動を巻き起こしました。展覧会の趣旨は作品を評価しないことだったからです。協会の理事会は「これはいかなる定義においても芸術作品ではない」と声明を出しました。それにもかかわらず、この作品は後の世代の創造者たちに大きな影響を与えました。

1964年に制作されたデュシャンの1917年のオリジナル「泉」の複製

ファクトゥラとテクトニカ

1921年、ロシアで「構成主義者第一作業集団」と呼ばれる芸術家グループが現れました。彼らの運動は構成主義と呼ばれ、形式的で幾何学的な抽象の原理に基づく純粋な芸術を創造し、鑑賞者を積極的に関与させることを目指しました。構成主義の彫刻の原理は二つの要素に分けられました。ファクトゥラは彫刻の素材の性質を指し、テクトニカは彫刻の三次元空間における存在感を指しました。

構成主義者たちは彫刻に主題は全く必要なく、完全に抽象的な性質を持つことができると信じていました。彼らにとって重要だったのは素材性と空間の探求でした。彼らは物体が展示空間を占める方法や、物体と鑑賞者の間の空間との相互作用に特に注意を払っていました。構成主義の彫刻は、彫刻が単に空間を占めるだけでなく空間を含み定義することができ、空間自体が作品の重要な要素になりうるという概念を定義するのに役立ちました。

最初の構成主義展覧会、1921年

空間に描く

1920年代後半までに、モダニズムの抽象彫刻の言語は、浮き彫り、見つけた物体、幾何学的および具象的抽象、そして物理的空間の充満と空虚の概念を含むようになりました。イタリアの未来派は、ウンベルト・ボッチョーニの「空間における連続性の独特な形態」のような作品で動き、すなわちダイナミズムを彫刻で示そうと試みました（詳細はこちら）。しかし、実際に動きを彫刻に取り入れ、新しい分野「動く彫刻」を創出したのはアレクサンダー・カルダーです。

カルダーは機械工学を学び、その後美術学校に通いました。卒業後、彼は機械仕掛けの玩具を作り始め、最終的には機械仕掛けのサーカス全体を設計しました。1929年頃から、彼は繊細で遊び心のある針金の彫刻を作り始め、これを「空間に描く」と表現しました。1930年に動く部分を加えたとき、マルセル・デュシャンはこれらの作品を「モビール」と呼びました。カルダーの動くモビールは彼の作品群の中で最も即座に認識される部分となり、メタメカニクスの創始者ジャン・ティンゲリーのような芸術家に影響を与えました。また、1960年代にこの概念を極限まで発展させたベネズエラの芸術家ゲゴにも影響を与えました。

ゲゴ、空間的な針金構造、部分的な設置風景

コンバインとアキュムレーション

1950年代、概念芸術家たちはピカソやデュシャンが開拓した考えを引き継ぎました。見つけた物体の概念は、都市が廃棄物であふれ、工業製品の大量生産と消費が新たな高みに達したことで広く浸透しました。多分野にわたる芸術家ロバート・ラウシェンバーグは、ピカソのコラージュや組み立ての基本と、デュシャンの見つけた物体と芸術家の選択に関する概念を組み合わせ、抽象彫刻における彼の代表的な貢献を生み出しました。彼はそれらを「コンバイン」と呼び、様々なゴミ、残骸、工業製品を芸術家が思慮深く一つの塊に組み合わせた彫刻的な組み立て作品でした。

Robert Rauschenberg - モノグラム、独立型コンバイン、1955年、© 2018 Robert Rauschenberg Foundation

ほぼ同時期に、概念芸術家でヌーヴォー・レアリストの創設メンバーの一人であるアルマンは、デュシャンのレディメイドの考えを出発点として「アキュムレーション」と呼ばれる一連の彫刻作品を制作しました。これらの作品では、アルマンは同じレディメイドの物体を複数集めて溶接し、一つの彫刻的な塊にしました。このように製品を利用することで、彼はレディメイド製品の概念を再文脈化し、元の意味を取り除き、象徴的で主観的なものに変えました。

Arman - アキュムレーション ルノー No.106、1967年、© Arman

素材と制作過程

1960年代までに、彫刻家たちは作品の純粋な形式的側面にますます注目するようになりました。先人たちの感情や劇的表現への一種の拒絶として、エヴァ・ヘッセやドナルド・ジャッドのような彫刻家は、作品に用いる素材や制作過程に焦点を当てました。エヴァ・ヘッセはラテックスやガラス繊維のようなしばしば有害な工業素材を使う先駆者でした。

Eva Hesse - リピテーション・ナインティーン III、1968年。ガラス繊維とポリエステル樹脂、19ユニット、各ユニットの直径は48～51cm x 27.8～32.2cm。MoMAコレクション。チャールズ＆アニタ・ブラット寄贈。© 2018 エヴァ・ヘッセ遺産。ギャラリー・ハウザー＆ヴィルト、チューリッヒ

ヘッセとは異なり、技法と個性が彼女の彫刻形態に顕著に表れていたのに対し、ドナルド・ジャッドは芸術家の手の痕跡を完全に排除しようと努めました。彼は「特定の物体」と呼ぶものを作り、二次元と三次元の芸術の定義を超越し、工業的な過程と素材を用い、通常は芸術家以外の機械や労働者によって製作されました。

Donald Judd - 無題、1973年、真鍮と青いプレキシガラス、© Donald Judd

現代の全方位的芸術

過去100年以上にわたるモダニズム彫刻家の進歩のおかげで、今日の抽象美術は驚くほどの開放性を持っています。多くの現代の実践は全方位的で、多様で変化に富んだ美的現象を生み出しています。多くの現代抽象芸術家の作品は「絵画」「彫刻」「インスタレーション」といった単純なラベルでは表現しきれない独特の存在感を持っています。抽象彫刻のモダニズムの先駆者たちは、現代の芸術家が享受する多くの自由と開放性、そして私たちが彼らの世界の美的解釈を楽しむ多様な方法の大部分に責任があります。

掲載画像：Alexander Calder - ブルー・フェザー、1948年、動く針金の彫刻、© カルダー財団
すべての画像は説明のために使用されています
フィリップ・Barcio著