アレクサンダー・カルダー モバイルアートとその多様な形

私たちが意識しているかどうかにかかわらず、あらゆるものは常に動いています。地球は自転しながら太陽の周りを公転しています。私たちの体内にあるすべての分子は振動し、回転し、形を変えています。動きは、生命の繊細で美しい混沌をつかさどります。 Alexander Calderは、この生命の本質的な事実を理解していました。彼はキャリアの大半を、動きの美しさを表現することに捧げました。空間の中で自由に動くように設計された抽象的な動的彫刻である Calder’s mobiles,は、形態、質量、時間、空間とともに、動きが物理的宇宙を定義する不可欠な要素であることを、それ以前のどの芸術作品よりも鮮やかに伝えました。カルダーが生涯を通じて制作した膨大な作品群には、素描、絵画、リトグラフ、宝飾品、舞台装飾、衣装、彫刻などが含まれ、気まぐれさ、美しさ、驚異の遺産を残しました。絶えず革新し続ける能力と勤勉さへの愛情によって、彼はモダニズムを代表する最も影響力のある芸術家の一人となっただけでなく、世界中で最も広く愛される芸術家の一人にもなりました。

彼はサンディと呼ばれた

Alexander Calderは、1898年、両親ともに芸術家だったペンシルベニア州の小さな町に生まれました。カルダーが初めて芸術作品を制作したのは父親のアトリエで、4歳のときに手で彫った粘土の象でした。カルダーの両親は、息子が生まれながらに持つ芸術的な気質を認め、彼が8歳のとき、カリフォルニア州パサデナのユーク​​リッド・アベニューにある自宅の地下室に、若い「サンディ」専用のアトリエを用意しました。その頃を振り返り、カルダーはかつてこう語っています。「私の工房は一種の注目の中心になり、誰もが入ってきました。」幼少期に地下室のアトリエで制作したものの多くは、拾い集めた素材、特に電気工事作業員が置き去りにした銅線を、姉妹とともに道で拾って作った動物の形でした。

カルダーは後に、針金を使って素晴らしい作品を生み出すことになります。そして、それだけが後の作品に影響を与えた幼少期の経験ではありません。動きは、彼の成長において非常に大きな要素でした。パサデナのその家は、カルダーが8歳になるまでに住んだ3軒目の家でした。そして大学に入学するまでに、家族はさらに8回引っ越しました。根を下ろさない生活を送りながらも、カルダーは集中力とユーモアを失わず、家族がたどり着いた場所にはどこでも小さな制作スペースを設けました。1931年にカルダーと結婚したLouisa Jamesは、婚約後、母親にこう書き送りました。

「私にとってサンディは本物の人間です。そんな人は珍しいように思えます。彼は、ほとんどの人が気づく感覚を持ち合わせていない人生の物事を評価し、楽しんでいます。彼には途方もない独創性、想像力、ユーモアがあり、それらは私の心を大いに惹きつけ、人生を色鮮やかで価値あるものにしています。彼は仕事を楽しみ、一生懸命働きます。これで彼の人柄についての要約は終わりです。」

Alexander Calder - 無題、動的ワイヤー彫刻、1931年、デュシャンに感銘を与えたモビール。© 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

カルダーのサーカス

21歳で、カルダーは機械工学の学位を取得して大学を卒業しました。彼は優れた製図家で、すぐにアメリカ各地を移動しながら、さまざまな企業から仕事を請け負うようになりました。働きながら、常に美術の授業も受けていました。26歳のとき、クリエイティブ・アーティストとして初めて正式な仕事に就き、National Police Gazetteという新聞のために挿絵を描きました。その仕事でRingling Brothers and Barnum and Bailey Circusを取材したことが、カルダーの人生を変えました。彼はサーカスに夢中になり、こう語っています。

「私は空間的な関係にとても惹かれていました。サーカスの空間が大好きです。テントだけを描いたスケッチも何枚か作りました。全体の、その広大な空間というものを、私はずっと愛してきました。」

カルダーは動物を描き始め、市販のおもちゃを改造してサーカスの演目の動きをまねさせました。また、針金で人や動物の彫刻を作ることにも戻りました。そして28歳のとき、パリに暮らしていた彼のこうした影響がすべて結びつき、後に最も象徴的な作品の一つとなる作品、Calder Circusを制作しました。針金、布、木、プラスチックを使い、実際に運営できるサーカスのミニチュア模型を作ったのです。それは小さな空間で動かすことができ、終わればスーツケースの中にしまえました。カルダー自身がサーカスの 動的な形態を操作し、ワイヤー彫刻、動き、パフォーマンス・アートを一つの美的な出来事に融合した、独自の作品となりました。

Alexander Calder - Lobster Trap and Fish Tail、1939年。© 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

空間に描く

長年にわたり、カルダーは人々の家や美術館、博物館で、世界中の人々に向けてサーカスを上演しました。20世紀を代表する多くの芸術家やコレクターが、Cirque Calderの公演を目にしました。しかし、こうした気まぐれなパフォーマンスに取り組む一方で、彼は自分の制作している作品、とりわけ針金で作る 彫刻の重要性について、深く考えていました。10年間にわたって素描を学んだ後、細い針金を彫刻の素材として使うことで、彫刻に線という概念を加えていることに気づきました。それは革命的な行為であり、彼はそれを「空間に描く」と呼びました。

また、針金の彫刻の大部分が透明であることの重要性にも気づいていました。そのため、作品の周囲や背後にある物体や環境も、見えるままに保たれます。この現象について、カルダーはこう語っています。

「特に一つ、私の針金彫刻と歴史を結びつけるものがあります。未来派の画家たちが掲げた原則の一つに、モディリアーニが提唱した、ある物体の背後にある物体を視界から失わせず、後者を透明にすることで、前者を通して見せるべきだという考えがあります。針金彫刻は、まさに決定的な方法でこれを実現します。」

Alexander Calder、アトリエで制作中、1941年。© 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Alexander Calderのモビール

1929年、カルダーは抽象画家 Piet Mondrian.のアトリエを訪れました。モンドリアンの鮮やかな色彩による 幾何学的な抽象形態に感銘を受けたカルダーは、モンドリアンにこう提案したそうです。

「この長方形を揺れ動かしてみたら、楽しいかもしれません。」

しかし、自分の作品について少しも気まぐれではなかったモンドリアンは、いたって真剣にこう答えました。

「いや、その必要はない。私の絵はもう十分に速い。」

しかし、カルダーは刺激を受けました。抽象こそが自分の意識を集中させたい領域であり、動きこそが彫刻が次に踏み出すべき重要な一歩だと確信したのです。自然形態と幾何学的形態を組み合わせた抽象的な針金彫刻を作り始め、抽象彫刻にモーターを組み込んで動かしました。ある日、芸術家Marcel Duchampがカルダーのアトリエを訪れ、カルダーは自分の新しい動的彫刻を何と呼ぶべきか尋ねました。デュシャンは「mobiles」という名前を提案しました。フランス語では、動きと動機の両方を意味する二重の意味を持つ言葉です。その後、芸術家Jean Arpはデュシャンの命名に感心せず、カルダーに皮肉を込めてこう言いました。

「では、去年作ったあれは何だったんだ-スタビル？」

いつもの気さくな調子で、カルダーは同意し、実際に静的な彫刻を「スタビル」と呼び始めました。

Alexander Calder - 記念碑的彫刻Man（別名Three Discs）、ステンレススチール、1967年、モントリオール万国博覧会のために制作。© 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

何も固定されていない

やがてカルダーはモーターを放棄し、宇宙の自然の力に敬意を表して、風や重力、あるいは触れることによって動く、不安定なバランスのモビールを作り始めました。彼はこう書いています。

「ここには何一つ固定されたものはありません。それぞれの要素は動き、揺れ、振動し、宇宙にある他の要素との関係の中で行き来することができます。それは単なる束の間の瞬間ではなく、人生における変化する出来事の間にある物理的な結びつきでなければなりません。抽出ではなく、抽象です。人生にあるどのようなものとも似ていない、ただその反応の仕方だけが似ている抽象です。」

おもちゃを作り、人生の具象的な要素をまねることから始めたカルダーは、宇宙に存在するより深い調和に気づくようになっていました。彼は、単純な抽象形態と、安定と動きという相補的な力を通じてこそ、自分のヴィジョンを最も効果的に伝えられると信じていました。彼の美学は普遍的な広がりを持っていました。彼のモビールは幼い子どもをも興奮させる一方で、美術館を訪れる人々や批評家をも驚嘆させました。そして晩年、自らのヴィジョンを今日世界中に存在する記念碑的な公共彫刻へと翻訳する機会を得ると、彼は何百万人もの人々にインスピレーションを与えました。

カルダーの作品が何を意味するのかを正確に言葉にすることは、おそらく不可能であり、少なくとも望ましいことではありません。むしろ、直感的で原始的なレベルで作品に影響を受けるほうが楽しいのです。そして、それこそがカルダーが自分の作品全体に向き合った精神でした。開かれた自由な状態を保つには、すべてを説明し尽くそうとしないほうがよいのです。かつて彼は、モビールの一つを動かしながら、その動きを記者たちに実演し、こう語りました。

「これは実用性も意味もありません。ただ美しいのです。理解すれば、大きな感情的効果があります。もちろん、何かを意味していれば理解しやすくなるでしょう。しかし、それでは価値がなくなります。」

IdeelArt編集部