動的アートの最も重要な特性
動く 美術とは何でしょうか？最も簡単な定義は、「効果を生み出すために動きに依存する美術」です。しかし、それは本当に不十分な説明です。科学的に言えば、宇宙の最大の物体から最小の粒子に至るまで、すべてが常に動いているため、すべてのものは効果を生み出すために動きに依存しています。ですから、動く美術のより良い定義は、「完成とみなされるために、その一部または複数の部分の意図的に設計された外部の物理的な動きが、人間の感覚で知覚可能な範囲内で必要とされるあらゆる目的を持った美的創造物」といったものかもしれません。しかし、その定義でさえ不完全かもしれません。美術に関する多くのことと同様に、定義は私たちを満足させないのかもしれません。言葉で動く美術を定義する代わりに、例で定義すべきかもしれません。そう考えて、ここでは動く美術の歴史と最も有名な例を簡単に、そして正直に言えば不完全に検証します。
風に吹かれて
多くの美的傾向と同様に、動きの美学は純粋美術に現れるずっと前に、日常的な創作文化の中で現れました。おそらく動く美術の最も古い例は風鈴であり、少なくとも5000年前から東南アジア全域で使われていました。確かに風鈴は純粋美術ではないと主張するのは簡単ですが、逆に純粋美術であるとも主張できるでしょう。多くの純粋美術と同様に、風鈴は神聖さをほのめかし、人間と自然のつながりを探求し、超越的な存在状態を喚起します。そして確かに美的現象の定義に合致します。
もし風鈴を最初の動く美術と認めないなら、北欧文化に目を向けることもできます。北欧には豊かで古代からの動く美術表現の伝統があります。オランダのザーンス博物館にある捕鯨航海の動く吊り彫刻は産業時代よりずっと前のものです。また、北欧のヒンメリは現代のモビールの直接の子孫と考えられています。これらの古代の吊り下げられた手作りの彫刻はゲルマン地域に起源を持ち（himmelはゲルマン語で空を意味します）、その元の目的や使用期間は不明ですが、動的で美的であり、少なくともモダニズムより前のものです。
ザーンス博物館所蔵の何世紀も前の動く鯨の彫刻
最初のモダニスト動く美術家
ほとんどのモダニスト美術史家は、最初の現代の動く美術家はマルセル・デュシャンであり、彼の最初の動く美術作品は自転車の車輪だと言うでしょう。自転車の車輪を逆さにしてスツールの上部に差し込んだこの作品は、最初の「レディメイド」とも考えられています。しかし、時には、ある主題について学べば学ぶほど、それはより不明瞭になります。デュシャン自身はこの動く彫刻を純粋美術とは考えていませんでした。制作について尋ねられた際、彼は「暖炉の中で踊る炎を見るのが好きなように、ただ眺めるのが楽しかったから作っただけだ」と言いました。
もし物の制作者の意図がその物が純粋美術とみなされる中心であるなら、制作者自身の認めるところによって自転車の車輪はその資格を持ちません。古代の風鈴や北欧のヒンメリ、オランダの捕鯨航海の動く彫刻が動く美術とみなされない理由は何でしょうか？なぜそれらを工芸品や玩具、民俗品、単なる装飾品として無視すべきなのでしょうか？デュシャンが暖炉の炎を眺めることについて言ったことには、意図に関わらずすべての創造的現象の本質を結びつける何かがあるのかもしれません。それは原始的な人間の衝動の現れとしての性質です。
マルセル・デュシャン - 回転半球体、1924年。イェール大学美術館（イェール大学）、コネチカット州ニューヘイブン、米国。© マルセル・デュシャン
動きの運動
私たちが現代の動く美術運動と考えるものは、実際には1920年代に始まりました。美術運動が注目を集め、知的な信用を得るためには、誰かがそれに名前を付け、書面でその立場を擁護することが役立ちます。ロシアの構成主義美術家ナウム・ガボとアントワーヌ・ペヴスナーは1920年に動く美術のためにそれを行いました。兄弟でもあったガボとペヴスナーは彼らの「リアリスティック・マニフェスト」でこう述べています。「我々はエジプト美術から受け継いだ千年の誤りを否定する。静的なリズムだけが塑造の唯一の要素であると考えることを。新たな塑造芸術の要素、すなわち我々の現実の時間の知覚に不可欠な動的リズムを宣言する。」
そのマニフェストを書く1年前、訓練を受けた技術者でもあったガボは、おそらく最初の意図的な動く彫刻とみなされるべき作品を制作しました。彼はその作品を動的構造と呼びました。木箱から突き出た一本の金属棒で構成されており、スイッチを入れると機械モーターが棒を振動させました。この作品は作動時に波の形を模倣するため「立ち波」というあだ名が付きました。動く彫刻に加え、ガボは動きの美学を捉えた静的彫刻も制作し、生涯にわたりその関心を追求しました。
ナウム・ガボ - 動的構造（立ち波）、1919年。金属、木材、電動モーター。616 x 241 x 190 mm。テート・コレクション。© ニナ＆グラハム・ウィリアムズ／テート、ロンドン 2018
上昇する動き
ガボとペヴスナーが現代美術の議論に「動的」という言葉を導入した頃、アメリカのダダ美術家マン・レイは独自の動的美学を創造していました。マルセル・デュシャンの友人であり同僚であったマン・レイは、自転車の車輪を当然知っており、動的構造も知っていた可能性が高いです。彼の試みが両者と異なるのは、車輪やモーターのような機械を使うのではなく、有機的な動きを美術に捉えようとした点です。
マン・レイは1920年に障害と名付けた有機的な動く彫刻の解決策にたどり着きました。36本のハンガーがそれぞれ別のハンガーの腕の先端に穴を通して差し込まれ、すべてが天井のフックに掛けられた一つのハンガーから吊り下げられています。動的要素は風や振動、観察者や物体の直接的な接触によってハンガーが揺れることで生まれます。マン・レイは障害を制作しただけでなく、その複製方法を示す図も作成し、複製を試みる者に彼の作品を超えて「無限に」続けるよう促しました。この図は後の概念美術家ソル・ルウィットの壁画複製指示に似ています。
マン・レイ - 障害、1920年。36本の相互に連結されたハンガーが天井から吊り下げられている。© マン・レイ
機械の台頭
当時としては画期的だった障害や動的構造のような動く彫刻は、すぐに続くものと比べるとほとんど古風に見えます。1920年代を通じて、ハンガリー生まれの美術家ラースロー・モホリ＝ナジは、完成した際に電気舞台のための光の小道具または光空間変調器と呼ばれる機械彫刻に取り組みました。
この幻想的な作品は電動モーター、動くパネル、様々な色の電球で構成されていました。作動すると、色、光、動き、音の動的な相互作用を示しました。光空間変調器は動く美術運動の画期的な作品であるだけでなく、光動的美術運動の始まりでもあり、彫刻の要素として電気光を用いる概念を導入しました。
ラースロー・モホリ＝ナジ - 電気舞台のための光の小道具、1930年。© ラースロー・モホリ＝ナジ
大衆の動き
今日、多くの人が動く美術を思い浮かべるとき、アメリカの美術家アレクサンダー・カルダーの気まぐれなモビールを想像します。多くの人はカルダーを動く美術の父と考えています。しかしカルダーがモビールを作り始めたのは1931年になってからです。ご覧の通り、彼の前にも静的な塑造の枠を超えようとした多くの人がいました。実際、カルダーと彼のモビールについて語る際には、再びマルセル・デュシャンの名前を挙げずにはいられません。デュシャンはカルダーのアトリエを訪れた際、これらの吊り下げられた動く作品に「モビール」という名前を与えました。この言葉はフランス語で「動き」または「動機」を意味します。
しかしカルダーは動く美術を広く普及させました。カルダー以降、この傾向は動きの力に触発された世代の美術家たちによって探求され続けています。ブルーノ・ムナーリは役に立たない機械で動的美学に新たな地平を切り開きました。アメリカ生まれの彫刻家ジョージ・リッキーは、わずかな風や振動に反応する公共の動く彫刻を制作しました。現代美術家エミリー・ケナーキは、声で動く振動する食卓のようなプロジェクトで動きを探求しています。これは概念美術家ジャン・ティンゲリーのニューヨークへのオマージュのように、動的な力を使って自己破壊する作品です。動く美術が正確に何であるかを定義できなくても、これらの動く美術家たちの作品を指し示し、検証することはできます。彼らの努力の中に、動く美術が私たちの想像力を捉える理由が見え始めます。たとえそれを言葉で説明できなくても、デュシャンが言ったように「暖炉の中で踊る炎を見るのを楽しむように」眺めて楽しむことができるのです。
掲載画像：ナウム・ガボ - 線形構造第1番、1942年 - 1943年。349 x 349 x 89 mm。© ニナ＆グラハム・ウィリアムズ／テート、ロンドン 2018
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio著
