ジョン・バルデッサリの作品における抽象とは何か

カリフォルニア大学サンディエゴ校で教鞭をとっていた際、芸術家のジョン バルデッサリは、学生たちの抽象芸術に対する態度に挑戦する課題を考案しました。彼は学生たちに「現実とは最もかけ離れていると思われる、最も苛立たしい芸術作品」を選ぶように指示しました。そしてカメラを持たせ、その作品に相当する現実世界のものを探すように命じました。学生たちはほぼすべての場合に成功しました。これは抽象的なイメージの誠実さや神聖さについて何を示しているのでしょうか？なぜあるものは芸術とみなされ、ほとんど同じものがそうでないのかという疑問を投げかけます。バルデッサリが言うように、「それはただあなたが世界をどう見るかの問題です。芸術が現実でないということではありません。」この演習は学生たちの態度に挑戦するものでした。抽象という言葉はただの言葉であり、言葉自体が抽象的です。あるものが抽象的、概念的、客観的、真面目、または風刺的とみなされるかは、美学と同じくらい文脈に依存します。そしてさらに重要なのは認識です。最終的にどんな芸術作品の本質を定義するかは、完全にあなたの視点にかかっています。

言葉は絵である

ジョン・バルデッサリは、アメリカ合衆国で最も実験的かつ影響力のある芸術プログラムに貢献してきました。芸術家として、彼は常に進化し続ける革新者としての評判を得ています。バルデッサリが現代の芸術家の世代に大きな影響を与えた深い方法の一つは、あらゆる分野を横断する芸術制作への献身です。彼は作品を面白く保つために、あらゆる媒体での制作に開かれています。この方法は、常に新しい視点で世界を見る努力をすべきだという彼の個人的な信念から自然に生まれています。

バルデッサリがその作品群を通じて取り組んできた重要な問題は、人間がイメージと言葉に与える重みの違いです。1960年代以来、彼はイメージと言葉を並置する新しい方法を探求してきました。彼が発見したのは、言葉が文脈から切り離されてイメージの隣に置かれると、両者の意味が深く驚くべき形で変わることです。「絵は千の言葉に値する」という決まり文句は誤りです。バルデッサリは、意味と理解に関しては、絵と言葉は同じ重みを持つことを証明しました。

ジョン・バルデッサリ – ピラミッド、2016年。3色シルクスクリーン。46 × 36インチ。116.8 × 91.4センチ。ジェミニG.E.L. ロサンゼルス（左） / ジョン・バルデッサリ - オーバル、2016年。3色シルクスクリーン。42 1/2 × 36インチ。108 × 91.4センチ。ジェミニG.E.L. ロサンゼルス（右）。© ジョン・バルデッサリ

火葬

成熟した作風を見出す前、バルデッサリは写実的な人物画に優れた伝統的な画家でした。1949年に大学の美術クラスを受講し、様々な学校（UCバークレー、UCLA、オーティス、シュイナード）で美術史、美術教育、スタジオアートなどを10年以上学びました。その間、そして卒業後の10年間も、彼はほぼ同じ方法で作品を制作していました。キャンバスに絵を描くという方法です。しかしある日、彼はアトリエで自分の作品を並べて見て、ある啓示を得ました。彼の作品は本質的にすべて同じであり、すべての絵画作品と同じであると気づいたのです。

彼は前進したいと思いました。しかしそれには根本的な変化が必要だと悟りました。彼は既存の作品すべてを破壊することに決めました。これを「火葬プロジェクト」と名付け、火葬業者を雇って、最も先進的だと考えた数点を除きすべて焼却しました。彼はギャラリーを借りて、営業時間外に「火葬プロジェクト」の展覧会を開催しました。展覧会では、灰を練り込んだクッキーとそのレシピ、作品の誕生と死の日付を記した記念プレートが展示されました。こうして彼のあらゆる分野を横断する制作の段階が始まりました。

ジョン・バルデッサリ – ギターを持つ人（オレンジ）、2004年。3層、5色シルクスクリーン構成（シントラに取り付け、手切り）。額装：33 x 44 1/2 x 3インチ。83.8 x 113 x 7.6センチ。45部限定。ジェミニG.E.L. ロサンゼルス。© ジョン・バルデッサリ

あちこちの標識

ジョン・バルデッサリが火葬から救った数点の作品は、彼が制作していた概念的で文字を用いた絵画で、絵画や美術史に言及する文やフレーズが特徴でした。これらの作品は自己言及的な芸術評論の不条理さに注意を向ける意図がありました。しかし、彼の描き方のせいか、それらは個人的な声明として受け取られることが多かったのです。そこで次の標識絵画は自分で描くのではなく、プロの看板職人に依頼しました。この選択はミニマリズムの、芸術家の自我を排除するという考えを参照しつつ、同時にそのような学問的な考えの真剣さを問い直すものでした。

この考えをさらに進めて、バルデッサリは次に、看板職人に描かせる具象的な作品群をデザインしました。概念芸術を「ただ物を指し示しているだけ」と批判したアーティスト、アル・ヘルドの言葉をヒントに、看板職人に物を指差す手の絵を描かせました。そして絵の下に看板職人の名前を署名し、彼らにクレジットを与えました。これらの作品は芸術制作における芸術家の役割を問い、また美術と実用美術の違いにも挑戦しました。抽象的には、指はありふれたものを指し示し、作品に現れる多様な形式的特徴や概念的な考えよりもそのもの自体に注意を向けさせました。

ジョン・バルデッサリ - ナショナル・シティ（W）、1996-2009年。ヤンシー・リチャードソン・ギャラリー、ニューヨーク（左） / ジョン・バルデッサリ - ナショナル・シティ（4）、1996-2009年。ヤンシー・リチャードソン・ギャラリー、ニューヨーク（右）。© ジョン・バルデッサリ

動く絵

1970年代にジョン・バルデッサリは映像を媒体として使い始めました。最初の作品は「私は芸術を作っている」というものでした。映像の中で彼は画家のように空の腕を振り、キャンバスに向かって作業しているかのような身振りをしながら、「私は芸術を作っている」と繰り返します。この映像は絵画を空虚な身振りとしてからかっているように見えます。しかしそのパフォーマンス自体が芸術とみなされうるし、映像もまたそうです。抽象的には、芸術が理念に存在するのか、実行に存在するのか、遺物に存在するのか、そして単に「これは芸術だ」と言うことがそれを芸術にするのかという多くの問題を提起します。

自身の映像作品を制作するだけでなく、ジョン・バルデッサリは既存の映像の要素をしばしば借用します。時には映像を切り分け、静止画を新しい配置に並べます。別の時には映画の静止画を無関係な台本の一部の隣に置きます。この過程で生まれる新しい物語は、一見まとまりがありながらも断片的です。すべては個々の鑑賞者によって形作られ、鑑賞者はそれぞれの既存の視点に基づいてイメージと言葉の間に独自の連想を引き出さなければなりません。

ジョン・バルデッサリ – 鼻とターバンのある二つの横顔；耳と帽子のある二つの横顔、『鼻と耳など』より、ジェミニシリーズ、2006年。リヴェスBFKとラナクアレル紙に色彩シルクスクリーン、シントラに取り付け。30 × 52インチ。76.2 × 132.1センチ。45部限定。コレクターズ・コンテンポラリー、シンガポール。© ジョン・バルデッサリ

空白の空間

ジョン・バルデッサリの最も有名な作品群の一つでは、彼は見つけた写真の一部を覆い隠したり塗りつぶしたりして変化させています。バルデッサリは、博物館が古代の陶器のひびや穴を未塗装の漆喰で埋めているのを見てこのアイデアに着想を得ました。彼はイメージの中の欠けた空間に興味を持ちました。ガレージセールの値札に使われるような色付きの丸いシールを見つけ、それを使って写真の顔や注目点を覆い、イメージの受け取り方を変えようとしました。

これらの作品では、バルデッサリが私たちの視点に挑戦する努力の成熟した表現を体験できます。埋められた空間は、祝祭のようなイメージを一般的なものにし、特別な瞬間を陳腐に見せます。誰かが永久に記録する価値があると判断した場面は匿名的で平凡になります。これらの変えられたイメージは、見えていたものが隠されることで鑑賞者に起こりうる抽象的な心理的効果を雄弁に探求しています。その意味は曖昧ですが、バルデッサリが長年抱いてきた大きな関心、すなわち慣習に挑戦し、彼の芸術に触れるすべての人の認識を広げることを簡潔に、もし抽象的に表現しています。

特集画像：ジョン・バルデッサリ – 『ジョン・バルデッサリはもう退屈な芸術を作らない』シリーズより、2007年。© ジョン・バルデッサリ
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フィリップ・Barcio 作