ネオ Supports/Surfaces：21世紀のマテリアル・リアリズムのためのマニフェスト
美術史の地図作成において、ムーブメントは通常明確な始まりと終わりを持ちます。彼らは明るく燃え、消え、最終的には博物館の静かなアーカイブに移行します。1966年の理論的な炎の中で生まれたSupports/Surfacesは、消え去ることを拒んだ稀有な例外です。
このムーブメントはもともと1968年5月の政治的急進主義に支えられ、最終的には毛沢東派とマルクス主義派の間の激しい対立に飲み込まれましたが、その真の遺産はイデオロギー的起源よりもはるかに耐久性があることが証明されました。Supports/Surfacesの核心的発見は政治的ではなく存在論的でした。support（ストレッチャー）とsurface（キャンバス）を分離することで、これらのアーティストは絵画の物理的真実を明らかにしました。絵画は幻想への窓ではなく、現実世界の物質的なオブジェクトであることを証明したのです。
2026年1月のアート界を進む中で、この概念は批評家が「Neo-Supports/Surfaces」ムーブメントと呼ぶかもしれないものへと進化しました。創設者の何人かは現在80代か90代でありながら、最も重要な作品を積極的に制作し続けており、旧政治を排除してメディウムの芸術的力に完全に焦点を当てる新世代の後継者たちと共に活動しています。
愛好家にとって、これは歴史の授業ではなく、1960年代の急進的な解体から今日のコレクターが求める物質的な「真実」へとつながる生きたタイムラインです。
I. 生きた柱：創設者たちは今も制作中
歴史的なアバンギャルドの創始者たちが、今なおその全盛期に活動しているのを見ることは稀な特権です。彼らは50年前にムーブメントの文法を確立した人物たちです。
Claude Viallat - Galerie Ceysson Bénétièreでの個展、2023年 - インスタレーション写真
物語は、ムーブメントの不屈の長老であるClaude Viallat (b. 1936)から始まります。1966年、Viallatはキャンバスを木製の枠から解放するという過激な決断を下し、toile libreの時代を切り開きました。現在89歳の彼は、伝説的な勤勉さに支えられ、日々制作を続けるグループの最も目立つ存在であり、単に過去を繰り返すのではなく、生涯にわたる軌跡を深め、彼のシグネチャーである「豆」形状の単一の制約内で無限の変化が存在しうることを証明しています。
Daniel Dezeuze、「Oeuvres Récentes 2020-2015」Musee Paul Valery（セート、フランス）、2026年
もしViallatがキャンバスを主張したなら、Daniel Dezeuze (b. 1942)は空白を主張しました。空の木製フレームや壁に寄りかかる柔軟なはしごを展示することで有名なDezeuzeは、西洋絵画の「骨格」を数十年にわたり明らかにしてきました。2026年においても、彼の作品は「窓」の幻想を解体し、芸術の妥協なき「物体性」を主張し続けています。彼の知的厳密さはムーブメントの指標であり続けています。
Noël Dolla - Galerie Ceysson Bénétière St. Etienneでの個展、2025年 - インスタレーション写真
Noël Dolla (b. 1945)はムーブメントのオリジナル建築家の中でも最後の一人に数えられます。大胆な色使いと非正統的な素材の使用で知られるDollaは、抽象表現の言語をキャンバスの枠を超えて拡張し続けてきました。彼の初期作品である染めた食器用布、張られた糸、ランドアートの介入は、従来の階層を挑戦し、Supports/Surfacesの物質主義的精神を私的および公共の領域に持ち込みました。近年、Dollaの実践は依然として創造的であり、巨大な屋外インスタレーションと繊細でプロセスに基づく作品の間を行き来し、空間、建築、観覧者の動きと関わっています。厳密な概念的核を維持しながらアプローチを再発明する能力は、彼を現代抽象表現の重要な力であり、ムーブメントの起源への生きたつながりとしています。
Bernard Pagès - ギャラリーでの個展 Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - インスタレーション写真
Bernard Pagès (b. 1940)はSupports/Surfacesの彫刻的先駆者を代表します。初期から、Pagèsは絵画と彫刻の境界を解体し、木材、石、金属、コンクリートといった質素な素材を組み合わせて、プロセス、並置、物質の本質的特性を前面に押し出す作品を制作しました。彼の実践は、対象、空間、観覧者の関係に深い注意を払い、芸術的な作者性と価値に対する持続的な問いかけが特徴です。Pagèsの最近の展覧会は、彼が重要な革新者であることを再確認させ、Supports/Surfacesの原則が新しい形態と素材を通じて継続的に再活性化されうることを示しています。構造、リズム、物理的存在の探求を続けることで、Supports/Surfacesの実験的精神は生き続け、進化し続けています。
II. ギャラリーエンジン：Ceysson & Bénétièreの決定的役割
4人の創設アーティスト全員が現在も積極的に展示されており、特に一次市場ではCeysson & Bénétièreによって顕著に代表されています。ギャラリーの継続的な取り組みは、Supports/Surfacesのアーティストたちの持続的な可視性とアクセスの確保において重要な役割を果たしています。
実際、Supports/Surfacesの運命を形作る多くの関係者の中で、Ceysson & Bénétièreの役割は際立っています。2006年に設立されたこのギャラリーは、サンテティエンヌの地域スペースから成長し、ヨーロッパ、北米、アジアにまたがる9つの展示会場を持つ多国籍の力となり、2025年には東京ギャラリーの画期的なオープンを果たしました。この遠心的な拡大は、伝統的な首都圏の外に根ざした深い知的かつ物流的基盤に支えられており、Ceysson & Bénétièreが現代アート市場のルールを書き換えることを可能にしました。
「Supports/Surfaces」展、Galerie Ceysson Bénétière、東京2025 - インスタレーション写真
当初から、ギャラリーはSupports/Surfacesの歴史的かつ芸術的価値に大胆に賭けました。市場から長らく過小評価されてきたアーティスト、Claude Viallat、Noël Dolla、Bernard Pagès、Daniel Dezeuze、André-Pierre Arnal、Patrick Saytour、その他多くのアーティストを擁護することで、Ceysson & Bénétièreはムーブメントの遺産を再評価し確立する上で決定的な役割を果たしました。彼らのキュレーションの厳格さ、学術的な出版プログラム、国際的な展示戦略により、これらのアーティストの作品は最高レベルで可視化され、収集され、議論され続けています。
ギャラリーのコミットメントは単なる遺産的なものではありません。2025年の東京でのオープニング（上記のインスタレーション写真参照）などの展示会では、主要なSupports/Surfacesの総覧を掲げ、Ceysson & Bénétièreはこのムーブメントを生きた、世界的に重要な力として位置づけています。彼らの歴史的な深みと現代的なダイナミズムのバランスを取る能力は、Supports/Surfacesの物質主義的かつプロセス志向の精神を新たな領域に拡張する新進アーティストの支援に明らかです。
III. 「純粋な」継承者たち：厳格さと自律性
「Neo Supports/Surfaces」ムーブメントは、「中間世代」によって推進されています。彼らは60年代の生の解体を精密で瞑想的な科学へと洗練させた巨匠たちに直接師事したアーティストたちです。
Frédéric Prat - Galerie Richardでの個展、2025年 - インスタレーション写真
Frédéric Prat (b. 1966) はムーブメントの「古典的」な転換を代表します。パリの美術学校でClaude ViallatとToni Grandに師事したPratは、ムーブメントの文法を純化することに生涯を捧げてきました。彼は自然主義的な連想を厳格に拒否し、代わりに「非形態」の極限の探求に取り組んでいます。彼の大規模な正方形のキャンバスは、単色の背景に自律的な「絵画的出来事」、ループや線が描かれ、それらは自己の外側の何かを表現することを拒否します。Viallatが反復を用いて構成を破壊したのに対し、Pratは「非イメージ」を用いて純粋な思考の対象を構築します。フランスのGalerie Richardにより代表されており、その厳格な形式主義はグローバルなデジタル文脈においてIdeelArtによって紹介されています。
Stéphane Bordarier - 2023年 Galerie ETCでの個展 - インスタレーション写真
ニームでは、Stéphane Bordarier (b. 1953)がグループの神学者として活動しています。彼の制作は妥協のない制約によって定義されます：colle de peau（動物皮膠）の使用です。この媒体は急速に固まるため、Bordarierは「偽モノクローム」を時間との競争で描かざるを得ず、主観的なためらいの余地を排除します。このプロセスは、エゴよりも手順に焦点を当てるムーブメントの理念と完全に一致しています。
Guillaume Moschini - 2023年 Galerie Onirisでの個展 - インスタレーション写真
Guillaume Moschini (b. 1970)は、Viallat、Saytour、Bioulèsの三者から指導を受け、教師たちの攻撃的な解体を和らげました。下地処理されていないキャンバスと「imbibition」技法を用い、希釈したアクリル絵具を繊維に直接浸透させます。その結果、光と透明性の「善循環」が生まれ、「柔らかな幾何学」が色彩と共に振動し、観る者に対峙するのではなく共鳴します。フランスの抽象シーンの定番であるGalerie Onirisを通じて、Moschiniの作品はIdeelArtを通じて国際的なコレクターに届いています。
IV. イノベーターたち
このムーブメントが存続しているのは、挑戦されているからでもあります。最も若い世代はSupports/Surfacesの手法を使い、その論理を批評したり新しいメディアに拡張したりしています。
No 1113 by Jean-Daniel Salvat, 2020年
Jean-Daniel Salvat (b. 1969)は、'92年のViallatクラスの学生であり、基本的にムーブメントを逆転させて「Post-Supports/Surfaces」を創出しました。彼の師匠がキャンバスの素朴な織りを称賛したのに対し、Salvatは透明ビニールの裏面に絵を描きます。観る者はプラスチック越しに作品を見るため、滑らかで工業的な「ファクシミリ」のような絵画が、デジタル画面の滑らかさを反映しています。彼はムーブメントの対象への執着を維持しつつ、素朴さを合成素材に置き換えています。彼の作品は IdeelArt.comを通じて入手可能です。
Nicolas Chardon - 2014年 Galerie Jean Brolyでの個展 - インスタレーション写真
Nicolas Chardon（1974年生まれ）はPatrick Saytourの家庭用布地と概念的な対話を行っています。Chardonは「Vichy」（ギンガム）布地に絵を描きますが、ひとひねりあります。布地を張ると、テンションにより格子線が自然に歪みます。彼はこれらの歪んだ線に沿って幾何学的な四角形を描き、「理想的」な心の幾何学は常に支持体の物理的現実に屈しなければならないことを証明しています。
Adrien Vescovi - 2017年Ceysson & Bénétiere St Etienneでの個展 - インスタレーション写真
最後に、その遺産はAdrien Vescovi（1981年生まれ）によって屋外にも広がりました。彼は1970年の「Intérieur/Extérieur」展の後継者です。Vescoviはtoile libreを完全にスタジオの外に持ち出します。天然染料を使い、キャンバスを数ヶ月間太陽、風、雨にさらし、運動の焦点を「マルクス主義的物質主義」から「生態学的物質主義」へと移しています。2026年の主要な機関プロジェクトを控え、彼はまた運動の創始者たちを擁護する同じ強力な組織であるCeysson & Bénétièreと共に展示を行っています。
V. 並行する歴史と西洋文化における普遍的言語
Supports/Surfacesが特にフランスの反乱として始まったとしても、その問いは普遍的でした。絵画を解体しようとする衝動はニームだけのものではなく、世界的な時代精神だったのです。
コレクターにとって、このセクションは「後継者」の系譜を示すのではなく、むしろ同じ精神を持つ星座を示しています。これらは異なる首都や異なる年代から現れた西洋のアーティストたちで、同じ「Supports/Surfaces」の結論に達し、物質的真実の探求が文化を超えた必然であることを証明しています。
Fondation Louis Vuittonでの「La Couleur en Fugue」、2022年。 Sam Gilliam - ドレープ・ペインティングシリーズ
アメリカの対応者：Sam Gilliam（1933–2022）。
これは歴史的な同時性の事例です。クロード・ヴィアラがフランス南部でキャンバスを広げていた正確な瞬間に、Sam GilliamはワシントンD.C.でストレッチャーを取り外していました。彼の有名な「ドレープ・ペインティング」—広大で色彩豊かなキャンバスが空間に吊るされている作品—はフランス派の子孫ではなく、その精神的な双子です。フランスの創始者たちと同様に、Gilliamは色を額縁の硬直した構造から解放することで、それが実際の空間に存在できることを理解していました。ゆるやかで彫刻的な折り目で吊るされているか、強烈な顔料で染められているかにかかわらず、彼の作品はキャンバスを窓ではなく物理的な皮膚として扱い、大西洋を越えた物質主義の探求を裏付けています。
「La couleur en fugue」 フォンダシオン ルイ・ヴィトン、2022年。Steven Parrino
パンクの並行線：Steven Parrino (1958–2005)。
Steven Parrinoは、絵画の境界を過激な解体へと押し広げたことで国際的に認められています。彼の象徴的な作品は、大きな円形のキャンバスをねじったり折りたたんだり、しわくちゃにしたもので、しばしば大胆なストライプやメタリックな単色で描かれ、キャンバスを彫刻的なオブジェクトとして扱い、素材の物理性と抵抗を強調しています。床に置かれたしわくちゃのメタリックな形状はこれらのジェスチャーを反響させ、絵画と彫刻の境界を溶かしています。
Parrinoの介入は単なる破壊ではなく、絵画の慣習が覆されたときに生じるエネルギーと緊張に関するものです。彼は独自にアプローチを発展させましたが、Parrinoの作品はSupports/Surfacesの精神と強く共鳴しています：どちらもプロセス、物質性、そして描かれたオブジェクトの自律性を前面に出しています。彼の実践はムーブメントの直接的な延長ではなく強力な並行線として存在し、絵画の限界を根本的に再考することが大西洋の両側でどのように展開されたかを示しています。
PS1 MOMAでのSergej Jensen、2011年。インスタレーション写真。
現代の対話：Sergej Jensen (1973年生まれ) & Wyatt Kahn (1983年生まれ)。
今日、ベルリンからニューヨークまでのアーティストたちはこの論理を拡大し続けています。Jensenの「絵の具のない絵画」（リネンと麻布から縫い上げられたもの）はPatrick Saytourの家庭用テキスタイルの使用を反映しています。一方、Wyatt Kahnは生のキャンバスと形作られたフレームのパズルのような組み立てを構築し、Daniel Dezeuzeの空のはしごに対する建築的な答えを作り出しています。彼らはフランス人を模倣しているのではなく、同じ素材の言語を話しているのです。
Wyatt Kahn - Untitled (グレースケール・シティ・ペインティング) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VI: グローバルな共鳴：Supports/Surfacesとアジア
Supports/Surfacesはフランスで始まりましたが、絵画の素材と慣習を根本的に再考するその手法は、戦後のアジア美術においても顕著な類似点を見出せます。直接的なアジアの同等物や正式なつながりはありませんが、韓国のDansaekhwaや日本のGutaiのようなアーティストやムーブメントは、Supports/Surfacesを動かす多くの同じ関心事を独自に探求しています。
Dansaekhwaのアーティスト、Park Seo-Bo (1931–2023)、Ha Chong-Hyun (b. 1935)、Lee Ufan (b. 1936)は、キャンバスの物質性、反復的なジェスチャー、支持体の自律性を前面に押し出しています。彼らのプロセス主導で瞑想的な作品は、キャンバスの操作、削り取り、織り込みを伴い、Supports/Surfacesに見られる物質的実験と解体を反映しています。
"Lee Ufan and Claude Viallat , Encounter" 2023年、Pace Londonでのインスタレーション写真。
同様に、 Gutai groupは1950年代から60年代にかけて日本で絵画に対する実験的アプローチを開拓し、型破りな支持体、パフォーマティブなジェスチャー、身体と偶然の創造行為への統合を受け入れました。アーティストには Kazuo Shiraga (1924–2008)は、ダイナミックな足で描かれたキャンバスで知られ、Shozo Shimamoto (1928–2013)は過激な物質実験とパフォーマティブな「ボトル投げ」絵画で知られ、Supports/Surfacesの精神を強く反映する物質性とプロセス志向を体現し、絵画を幻想としての階層から解放し、作品の物体性と物理的存在を主張しています。
今日、これらの親和性はキュレーターや批評家によってますます認識されており、Supports/Surfaces、Dansaekhwa、Gutaiを一堂に会した展覧会を通じて、物質性、プロセス、そして絵画の伝統的な境界の解消に向けたより広範でグローバルな動きを強調しています。この収束は、芸術における物質的真実の探求が地理的制約を超え、大陸や文化を超えて共鳴していることを示しています。
"アクション" - 2023年、WhitestoneギャラリーでのShozo ShimamotoとKazuo Shiraga。インスタレーション写真
VI. IdeelArtの星座：実践における物質的リアリズム
"Neo Supports/Surfaces"運動は単なる歴史的な注釈ではなく、現代の実践を通じて振動し続ける生きた周波数です。IdeelArtでは、この系譜はすでに述べた直接の継承者たち、Frédéric Pratによる「非形態」の厳格な浄化、ビニールを用いた作品で絵画の皮膚そのものに疑問を投げかけるJean-Daniel Salvat、そして色彩の手続き的な適用によってエゴを排除し、支持体の振動を明らかにするGuillaume Moschiniによって支えられています。
しかし、「素材の真実」の追求はこれらの直接の子孫にとどまりません。それは、意識的であれ直感的であれ、同じ結論に達した多様な国際的アーティストの星座の中に現れます：芸術作品はまず現実世界のオブジェクトでなければならず、その後にイメージとなるのです。
Jean Feinberg - 「Minimal/Maximal」展、Ed Rothfarb スタジオ、2025年 - インスタレーション写真
Jean Feinberg (USA) は「絵画をオブジェクトとして扱う」というムーブメントの主張を体現しています。彼女の作品は伝統的な絵画の長方形の窓を拒否し、廃材の木材、キャンバス、絵具から作られた「構造物」を選びます。ベルナール・パジェの初期の実験のように、Feinberg の作品は何かのイメージではなく、鑑賞者の空間に突き出す自律的な存在です。見つけた破片や構造用木材を統合することで、物体の物理的緊張こそが芸術の真の主題であるという命題を裏付けています。
Louise Blyton - "Mulooning" - メルボルンの Five Walls ギャラリーでの個展、2025年 - インスタレーション写真
Louise Blyton (オーストラリア) は「支持体の真実」と深い対話を行っています。クロード・ヴィアラのキャンバス解放の精神に則り、Blyton は生のリネンを受動的な背景から能動的で目に見える素材へと高めています。彼女の還元的な技法—リネンを形作られたバルサ材の上に巻きつけ、無限でエゴのない顔料の層を重ねる—は、絵画でも彫刻でもないハイブリッドなオブジェクトを生み出します。これらは制作過程を隠さず、その表面の織りなす現実を祝福しています。
Anthony Frost が彼のスタジオで（2023年）
Anthony Frost (UK) は、「ファインアート」の貴重さを拒絶するムーブメントの精神を、控えめな素材を大胆に取り入れることで表現しています。ノエル・ドーラが食器用布やタルラタンに目を向けたのと同様に、Frost は帆布、果物用ネット、麻袋を使って彼の生々しい抽象作品を構築しています。これらは錯覚のための中立的な表面ではなく、自らの歴史を主張する粗く工業的な現実です。彼の作品は、「Neo Supports/Surfaces」の精神が、表現の欺瞞よりも物質の生の正直さを優先するアーティストのもとで生き続けることを証明しています。
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, ビクトリア＆アルバート博物館、2025年
Richard Caldicott (UK)は、このムーブメントの解体的論理を写真の媒体に適用しています。Daniel Dezeuzeが絵画をストレッチャーまで剥ぎ取りその骨格を明らかにしたのと同様に、Caldicottは写真を光と紙という基本的なメカニズムまで剥ぎ取ります。彼のフォトグラムや紙のネガを通じて、カメラの記録機能を回避し、世界の物理的な痕跡としてのイメージを創造します。彼は写真の「存在論的真実」を明らかにし、それを現実の鏡から具体的な形態の生成者へと変えます。
私たちは"Neo Supports/Surfaces"ムーブメントがフランス起源をはるかに超えたものであり、素材の真実を求める世界的な探求であると信じています。"Provisional Painting," "Casualism," "New Materialism,"と呼ばれようと、DansaekhwaやGutaiに見られようと、ブルックリンからソウルまでのアーティストたちがこの同じ探求に積極的に取り組んでいます。
これはノスタルジーではなく、21世紀に有効な普遍的な方法論です。ニームのスタジオで始まったものは、ワシントンD.C.のドレープ、デンマークのテキスタイルアート、ニューヨークのミニマリズム、そしてアジアの瞑想的なキャンバスに共鳴しています。
創始者たちは絵画を分解してその真実を見出し、制度的な架け橋がその真実を守り、そして世界中の世代のアーティストたちがそれを使って新しい建築を築いています。1968年の政治的パンフレットは色あせたかもしれませんが、美学的発見は健在です：絵画の対象は絵画そのものである。
フランシス・ベルトミエによる
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". トゥーロンのHotel des Arts。2025年12月。
この記事は、フランスのトゥーロンにあるHôtel des ArtsでのViallat展の最近の訪問に触発されました。そこでClaude Viallat本人との会話により、彼が今も1日に3作品を制作し続けていることが確認され、その持続的な活力とムーブメントの生きたエネルギーの証となっています。
特集画像: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" カレ・ダール（ニーム、フランス）2018年。インスタレーション写真。
