ネオ Supports/Surfaces：21世紀のマテリアル・リアリズムのためのマニフェスト
美術史の地図において、運動にはたいてい明確な始まりと終わりがある。鮮烈に燃え上がり、勢いを失い、やがて美術館の静かな収蔵庫へと移っていく。1966年の理論的な熱気の中から生まれたSupports/Surfacesは、消えることを拒んだ稀有な例である。
この運動はもともと1968年5月の政治的急進主義に突き動かされ、やがて毛沢東主義派とマルクス主義派の間の激しい対立によって分裂した。しかし、その真の遺産は、思想的な起源よりはるかに長く受け継がれてきた。Supports/Surfacesの核心的な発見は政治的なものではなく、存在論的なものだった。支持体（木枠）と表面（キャンバス）を分離することで、これらの芸術家は絵画の物質的な真実を明らかにした。絵画とは幻想を映す窓ではなく、現実世界に存在する物質的なオブジェクトであることを証明したのだ。
2026年1月のアート界を見渡すと、この概念は、批評家が「ネオ・Supports/Surfaces」運動と呼ぶかもしれないものへと発展している。80代、90代を迎えた創始者たちの一部が今なお最も充実した作品を精力的に制作する一方、次世代の継承者たちは古い政治性を取り払い、メディウムの芸術的な力に全面的に焦点を当てている。
目の肥えた鑑賞者にとって、これは単なる美術史の授業ではない。1960年代の急進的な解体から、今日のコレクターが求める素材の「真実」へとつながる、生きたタイムラインなのだ。
I. 現役の柱たち：創始者たちは今も制作を続ける
歴史的前衛運動の創始者たちが、今なお全盛期の力を発揮して活動している姿を目にできるのは、またとない特権だ。彼らは50年前に、この運動の文法を確立した人々である。
クロード・ヴィアラ - ギャラリー・セイソン・ベネティエールでの個展、2023年 - 展示風景
物語は、この運動の不屈の父祖、クロード・ヴィアラ（1936年生まれ）から始まる。1966年、ヴィアラはキャンバスを木枠から解放するという大胆な決断を下し、自由なキャンバスの時代を切り開いた。89歳となった現在も、毎日制作を続けるという伝説的な仕事ぶりで、グループの最もよく知られた存在であり続けている。彼は過去を単に繰り返しているのではない。生涯にわたって掘り下げてきた道をさらに深め、自らのトレードマークである「豆形」というひとつの制約の中にも無限の変化がありうることを証明している。
ダニエル・ドゥーズ「近作 2020-2015」、ポール・ヴァレリー美術館（フランス、セート）、2026年
ヴィアラがキャンバスを主張したのなら、ダニエル・ドゥーズ（1942年生まれ）が主張したのは空白だった。空の木製フレームや、壁に立てかけたしなる梯子の展示で知られるドゥーズは、西洋絵画の「骨格」を何十年にもわたり明らかにしてきた。2026年も彼の作品は「窓」という幻想を解体し続け、芸術が妥協のない「物体性」を持つことを主張している。その知的な厳密さは、今なおこの運動の試金石となっている。
ノエル・ドラ - Galerie Ceysson Bénétière St. Etienneでの個展、2025年 - 展示風景
ノエル・ドラ（1945年生）は、この運動を築いた創始者たちのうち、今なお活動する数少ない一人です。大胆な色彩使いと型破りな素材で知られるドラは、抽象表現の語彙を一貫してキャンバスの外へと広げてきました。染めたふきん、張り渡した糸、ランドアートの介入といった初期作品は、従来の序列に異議を唱え、Supports/Surfacesの唯物論的な理念を私的・公共的な領域の双方へと持ち込みました。近年もその実践は革新性を保ち、壮大な屋外インスタレーションから、空間、建築、そして鑑賞者自身の動きに働きかける繊細なプロセス重視の作品までを行き来しています。厳密な概念的中核を保ちながら自らのアプローチを刷新する力によって、現代抽象芸術の重要な担い手であり、運動の起源を今に伝える存在となっています。
ベルナール・パジェス - ギャラリーでの個展 Ceysson Bénétière Lyon、2013年 - 展示風景
ベルナール・パジェス（1940年生）は、Supports/Surfacesにおける彫刻の先駆者です。活動の初期から、絵画と彫刻の境界を解体し、木、石、金属、コンクリートといったありふれた素材を組み合わせ、制作過程、並置、そして素材そのものの特性を前面に押し出す作品を生み出してきました。彼の実践は、オブジェ、空間、鑑賞者の関係に深く目を向けるとともに、芸術家の作者性や価値を絶えず問い直すことを特徴としています。近年の展覧会は、運動の原理が新たな形態や素材を通して繰り返し活性化されうることを示し、重要な革新者としての地位を改めて確かなものにしました。構造、リズム、物理的な存在感を探求し続けることで、Supports/Surfacesの実験精神は今も生き、進化し続けています。
II. ギャラリーを動かす力：Ceysson & Bénétièreの決定的な役割
創設メンバーのアーティスト4人全員が現在も積極的に展示されており、プライマリー市場ではCeysson & Bénétièreが代表的に取り扱っています。ギャラリーの継続的な取り組みは、Supports/Surfacesのアーティストたちの存在感と作品へのアクセスを長く保つうえで、重要な役割を果たしてきました。
実際、Supports/Surfacesの運命を形作る多くの担い手の中でも、Ceysson & Bénétièreの役割は際立っています。2006年に設立されたこのギャラリーは、サンテティエンヌの地域密着型スペースから、ヨーロッパ、北米、アジアに9つの展示拠点を構える多国籍の勢力へと成長し、2025年には東京ギャラリーを華々しくオープンしました。従来の中心地の外に築かれた強固な知的・物流基盤を土台とするこの遠心的な拡大により、Ceysson & Bénétièreは現代アート市場のルールを書き換えてきました。
"Supports/Surfaces"展、Galerie Ceysson Bénétière、東京、2025年 - 展示風景
ギャラリーは当初から、Supports/Surfacesの歴史的・芸術的価値に大きな賭けをしてきました。Claude Viallat、Noël Dolla、Bernard Pagès、Daniel Dezeuze、André-Pierre Arnal、Patrick Saytourをはじめ、市場で長らく過小評価されてきた作家たちを支援することで、Ceysson & Bénétièreは、この運動の遺産の再評価と確立に決定的な役割を果たしました。厳密なキュレーション、学術的な出版活動、国際的な展覧会戦略により、これらの作家の作品は、第一線で展示・収集され、議論され続けています。
ギャラリーの取り組みは、単なる遺産の保存にとどまりません。2025年の東京オープニング（上の展示風景を参照）を飾った、Supports/Surfacesの大規模な展覧会のように、Ceysson & Bénétièreは、この運動を今も息づき、世界的な意義を持つ存在として位置づけています。歴史の深みと現代的な躍動感を両立させる姿勢は、Supports/Surfacesの物質主義的でプロセスを重視する精神を新たな領域へと広げる新進作家への支援にも表れています。
III. 運動を支えた学校：教師となった革命家たち
芸術の革新者にとって、美術館での回顧展を超える特別な評価があります。それは、自らが生み出すのに貢献した革命を教える機会です。絵画の既成ルールに異議を唱えた芸術家が、後進を育てる役割を託されるのです。かつて制度に向けられた挑戦は、制度の内側で力を発揮するようになります。Supports/Surfacesの歴史において、美術学校はまさにその可能性をもたらしました。急進的な運動を学ぶだけでなく、その発見を生み出した芸術家たちに直接触れる機会です。
Claude Viallatは、この役割を卓越した権威をもって担いました。彼の教職は1963年に始まり、1966年に反復する形が生まれる前から、Supports/Surfacesの結成とその後の展開を通じて続きました。ニース、リモージュ、マルセイユなどで教えた後、1979年にニームに着任し、1991年にはパリ国立高等美術学校へ移りました。つまりニームでは、まだ起きていない変革を教えていたのではありません。すでに自らも確立に貢献したアプローチを伝えながら、自身の作品でその可能性を探り続けることができました。学生たちが出会ったのは、単なる解釈者ではなく、その提案の創始者でした。
こうしたことから、ニーム美術学校は、運動が制度の中で受け継がれていく過程において、独自の位置を占めています。この学校は、支持体、表面、色彩、制作プロセスをめぐる問いが、芸術的な創造から教育へと直接引き継がれる場を提供しました。Viallatの教育活動については、Histoire de la pédagogie artistiqueのインタビューアーカイブに記録されており、素材を使った実践と対話が重視されていました。その中には、学生が模倣する手本にならないためにはどうすればよいかという問題も含まれていました。この特権には責任が伴います。革命が切り開いた自由を伝えるのであり、その見慣れた形式だけを伝えてはならないのです。
Alain Clémentは、これと関連しながらも独自の経験をこの教育機関にもたらし、ディレクターに就任する前はニームで教鞭を執り、1985年から1990年まで学校を率いました。Supports/Surfacesのメンバーと親しい関係にありながら、その創設者ではなかった彼は、1960年代後半の芸術的な問い直しに加わり、独自の概念的探究を発展させました。その後、叙情的なジェスチャーと色彩による構成に取り組んだことから、彼の貢献はとりわけ重要です。ここには、過去の立場を永続的な義務とみなすことなく、急激な変化を経験したアーティストが、その経験をもとに教える姿がありました。
Clémentが絵画と彫刻のあいだで展開する対話は、その自立性に物理的な表現を与えています。ジェスチャーは構成となり、色はボリュームを示唆し、曲線はキャンバスから空間へと移行します。彼の作品は、アーティスト兼教師の権威が固定された教義を守ることに基づく必要はないと示しています。それは、ひとつの表現言語が絶えず更新されていく様子を示すことにも基づき得るのです。
しかし、この成果には矛盾も内包されています。この記事の筆者との会話で教育プログラムを振り返った際、Clémentは、同じ流儀で活動するアーティストを生み出しすぎる危険について冗談を交えて語りました。「私たちはやめなければなりませんでした」と、満面の笑みで言いました。この言葉は、成功した継承が公式化してしまう危険をはらむ瞬間を捉えています。革命を起こした人物が、自ら切り開く助けとなったものを教えられるという最高の評価には、昨日の解放が明日の慣習になる危険も伴います。
しかし、制度的な評価は、関係者全員に等しく行き渡るわけではない。この記事の筆者にとって、かつて親しい友人だったアンドレ＝ピエール・アルナルは、この歴史を語るうえで、より大きな位置を占めるに値する。この個人的な見解は、運動を代表する人物たちの知名度が、世代全体の受容を示すものではないことを思い起こさせる。革命が学校や美術館に受け入れられても、その貢献の一部は十分に認められないまま残ることがある。
アンドレ＝ピエール・アルナル - 無題（赤い三角形） - 1973年
(F.ベルトミエ・コレクション)
ニームの重要性は、芸術的発明、制度的な評価、そして直接的な継承が交わる点にある。絵画の慣習を覆す手助けをした人々には、次世代を教育する立場があった。最も長く残る成果は、彼らの発見が再現されることではなく、学生たちがそれを手がかりに別の何かを発見できる可能性だった。
IV. 「純粋な」継承者たち：厳密さと自律性
「ネオ・サポート／シュルファス」運動を受け継ぐのは「中間世代」の作家たちだ。彼らは巨匠たちに直接学び、60年代の生々しい解体を、精密で思索的な方法論へと洗練させてきた。
フレデリック・プラ - ギャラリー・リシャールでの個展、2025年 - 展示風景
フレデリック・プラ（1966年生まれ）は、この運動における「古典主義」への転換を体現している。パリ国立高等美術学校でクロード・ヴィアラとトニ・グランに師事したプラは、運動の文法を純化することにキャリアを捧げてきた。彼は自然主義的な連想を厳格に拒み、代わりに「非形式」を極限まで探求している。大判の正方形のカンヴァスにはモノクロームの背景が広がり、その上に、自律した「絵画的な出来事」であるループや線が配されている。それらは自らの外にある何ものをも表そうとしない。ヴィアラが反復によって構図を破壊したのに対し、プラは「非イメージ」によって純粋な思考のオブジェを構築する。フランスではギャラリー・リシャールが取り扱い、世界的なデジタル環境ではIdeelArtが彼の厳格な形式主義を紹介している。
ステファン・ボルダリエ - ギャラリーETCでの個展「Solow」、2023年 - 展示風景
ニームでは、ステファン・ボルダリエ（1953年生まれ）がグループの神学者として活動している。彼の制作を特徴づけるのは、膠（動物の皮から作る接着剤）を使うという妥協のない制約だ。この画材はすぐに固まるため、ボルダリエは時間との競争のなかで「偽のモノクローム」を描かざるを得ず、主観的なためらいが入り込む余地はない。この制作過程は、エゴよりも手順を重視するこの運動の姿勢と完全に一致している。
Guillaume Moschini - Galerie Onirisでの個展、2023年 - 展示風景
Viallat、Saytour、Bioulèsの三者から指導を受けたGuillaume Moschini（1970年生まれ）は、師たちの攻撃的な解体の手法を和らげました。下地を塗っていないキャンバスと「含浸」技法を用い、薄めたアクリル絵具を繊維に直接染み込ませます。こうして生まれるのは、光と透明感の「好循環」であり、見る人に対峙するのではなく、色彩とともに振動する「柔らかな幾何学」です。フランスの抽象芸術シーンでおなじみのGalerie Onirisを通じて、Moschiniの作品はIdeelArtから世界各地のコレクターに届けられています。
V. 革新者たち
この運動が今も続いているのは、挑戦を受けているからでもあります。最も若い世代はSupports/Surfacesの手法を用い、その論理を批評したり、新しいメディアへと広げたりしています。
Jean-Daniel Salvat作、No 1113 、2020年
Jean-Daniel Salvat（1969年生まれ）は、1992年のViallatのクラスで学び、運動を本質的に反転させて「ポストSupports/Surfaces」を生み出しました。師がキャンバスの素朴な織り目を称賛したのに対し、Salvatは透明なビニールの裏面に絵を描きます。見る人はプラスチック越しに作品を目にし、その結果、デジタル画面の滑らかさを映し出す、つるりとした工業的な絵画の「複製」が生まれます。作品という物体への運動のこだわりは保ちつつ、素朴な素材を合成素材に置き換えています。作品はこちらからもIdeelArt.comでご購入いただけます。
Nicolas Chardon - Galerie Jean Brolyでの個展、2014年 - 展示風景
Nicolas Chardon（1974年生まれ）は、Patrick Saytourの家庭用ファブリックと概念的な対話を繰り広げます。Chardonは「ヴィシー」（ギンガムチェック）の布に絵を描きますが、そこにはひとひねりあります。布を張ると、張力によって格子の線が自然にゆがむのです。彼はこのゆがんだ線に沿って幾何学的な正方形を描き、心が思い描く「理想的」な幾何学も、支持体の物理的な現実には常に従わざるを得ないことを示しています。
Adrien Vescovi - Ceysson & Bénétiere St Etienneでの個展、2017年 - 展示風景
ついには、この伝統はAdrien Vescovi（1981年生まれ）とともに屋外へも広がりました。彼は1970年の「Intérieur/Extérieur」展の後継者です。Vescoviはアトリエを飛び出し、toile libreを完全に屋外へ持ち出します。天然染料を使い、数か月にわたってキャンバスを太陽、風、雨にさらすことで、運動の焦点を「マルクス主義的唯物論」から「生態学的唯物論」へと移しています。2026年には主要な美術機関でのプロジェクトを控え、運動の創始者たちを支えてきた同じ有力ギャラリー、Ceysson & Bénétièreでも展覧会を開催しています。
VI. 西洋文化における並行する歴史と普遍的な言語
Supports/Surfacesはフランス独自の反乱として始まりましたが、そこで提起された問いは普遍的でした。絵画を解体したいという衝動はニームに限られず、世界的な時代精神だったのです。
コレクターにとって、このセクションが示すのは「後継者」の系譜ではなく、同じ志を持つ人々の星座です。異なる首都や異なる時代を背景に登場した西洋のアーティストたちは、同じ「Supports/Surfaces」の結論にたどり着き、素材の真実を探ることが文化を超えて不可欠であると示しています。
「色彩の逃走」、フォンダシオン・ルイ・ヴィトン、2022年。 サム・ギリアム - ドレープ・ペインティング・シリーズ
アメリカにおける対応者：サム・ギリアム（1933–2022）。
これは歴史的な同時性の一例です。クロード・ヴィアラが南フランスでキャンバスを広げていたまさにその頃、サム・ギリアムはワシントンD.C.で木枠を取り外していました。彼の名高い「ドレープ・ペインティング」は、色彩に満ちた巨大なキャンバスを空間に吊るした作品で、フランスの流派の後継ではなく、その精神的な双子です。フランスの創始者たちと同じく、ギリアムは、色彩を木枠の硬直した構造から解放することで、現実の空間に存在させられると理解していました。ゆるやかな彫刻的なひだをまとって吊るされる場合も、鮮烈な顔料で染められる場合も、彼の作品はキャンバスを窓ではなく物質的な皮膚として扱い、大西洋を越えた物質主義の探求を裏付けています。
「色彩の逃走」、フォンダシオン・ルイ・ヴィトン、2022年。スティーブン・パリーノ
パンクとの並行性：スティーブン・パリーノ（1958–2005）。
スティーブン・パリーノは、絵画を大胆に解体し、その境界を押し広げたことで国際的に知られています。彼の象徴的な作品は、大型の円形キャンバスをねじったり、折り曲げたり、しわくちゃにしたりしたもので、大胆な縞模様やメタリックな単色で彩られることも多く、キャンバスを彫刻的なオブジェクトとして扱い、素材の物質性と抵抗力を際立たせています。床に置かれたしわくちゃのメタリックな形態は、こうした身振りを反響させ、絵画と彫刻の境界を曖昧にしています。
Parrinoの介入は、単に破壊を目的とするものではなく、絵画の慣習が覆されるときに生まれるエネルギーと緊張に関わっています。独自に手法を発展させたParrinoの作品は、Supports/Surfacesの精神と強く響き合います。どちらも制作過程、素材性、描かれたオブジェクトの自律性を前面に押し出しています。彼の制作活動は、この運動の直接的な延長ではなく、力強い並行例として、絵画の限界を根本から捉え直す動きが大西洋の両岸でどのように展開したかを示しています。
PS1 MoMAでのセルゲイ・イェンセン、2011年。展示風景。
現代の対話：セルゲイ・イェンセン（1973年生）とワイアット・カーン（1983年生）。
今日、ベルリンからニューヨークまで、作家たちはこの考え方を発展させ続けています。イェンセンの「絵の具を使わない絵画」（麻布と黄麻布を縫い合わせたもの）は、パトリック・セイトゥールが家庭用テキスタイルを用いた手法と呼応します。一方、ワイアット・カーンは、未加工のキャンバスと成形したフレームをパズルのように組み合わせ、ダニエル・ドゥーズーズの空の梯子に建築的な応答を示しています。彼らはフランスの作家たちを模倣しているのではなく、同じ素材の言語で語り合っているのです。
ワイアット・カーン - 無題（グレースケールの都市画） - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. 世界に広がる共鳴：Supports/Surfacesとアジア
Supports/Surfacesはフランスで生まれましたが、絵画の素材や慣習を根本から捉え直すその姿勢は、戦後アジア美術にも際立った類似点を見いだせます。直接的な対応関係や形式的なつながりはありませんが、韓国の単色画や日本の具体美術協会などの作家や運動は、Supports/Surfacesを特徴づける多くの問題意識を、それぞれ独自に探究してきました。
単色画の作家である朴栖甫（1931–2023）、河鍾賢（1935年生）、李禹煥（1936年生）は、キャンバスの素材性、反復的な身振り、支持体の自律性を前景化しています。プロセスを重視する瞑想的な作品では、キャンバスを加工したり、削ったり、織り込んだりすることが多く、Supports/Surfacesに見られる素材実験や解体を想起させます。
「李禹煥とクロード・ヴィアラ、出会い」、ペース・ロンドン、2023年。展示風景。
同様に、 日本の具体美術協会は、1950年代から60年代にかけて、型破りな支持体、パフォーマンス的な身振り、そして身体や偶然性を創作行為に取り入れた、実験的な絵画のアプローチを先駆けました。たとえば、 白髪一雄 (1924–2008)は、足で描いた躍動感あふれるキャンバスで、嶋本昭三（1928–2013）は、革新的な素材実験とパフォーマンス性の高い「瓶投げ」絵画で知られ、素材性とプロセス重視の姿勢を体現しています。それらはSupports/Surfacesの理念と強く響き合い、絵画をイリュージョンとして捉える階層性に異議を唱え、作品のオブジェとしての性質と物理的な存在感を主張しています。
今日、こうした親和性はキュレーターや批評家の間でますます認識され、より広範で世界的な、素材性、プロセス、そして絵画の伝統的な境界の解体を目指す動きを際立たせるため、Supports/Surfaces、単色画、具体美術を展覧会で取り上げています。この収束は、芸術における素材の真実の探求が地理的な境界に縛られるものではなく、大陸や文化を越えて共鳴することを示しています。
「アクション」- Whitestoneギャラリーでの庄司初男と白髪一雄、2023年。展示風景
VIII. IdeelArtの星座：実践における素材のリアリズム
「ネオ・Supports/Surfaces」運動は、単なる歴史上の注釈ではありません。現代の実践の中で今も脈打ち続ける、生きた周波数です。IdeelArtでは、この系譜はすでに紹介した直接の継承者たちによって受け継がれています。「非形態」を厳格に純化するFrédéric Prat、ビニールを用いた作品を通じて絵画の表皮そのものに問いを投げかけるJean-Daniel Salvat、そして手順に基づく色彩の適用によって自我を取り除き、支持体の振動を明らかにするGuillaume Moschiniです。
しかし、「素材の真実」の追求は、こうした直接の継承者にとどまりません。それは多様な国際的アーティストの群れの中にも見られます。彼らは意識的に、あるいは直感的に、同じ結論に至っています。つまり、芸術作品はイメージとなる前に、まず現実世界に存在するオブジェでなければならないということです。
Jean Feinberg - Ed Rothfarbスタジオでの展覧会「Minimal/Maximal」、2025年 - 展示風景
Jean Feinberg（アメリカ）は、「絵画はオブジェである」という運動の主張を体現しています。彼女の作品は、伝統的な絵画の長方形の窓を拒み、再生木材、キャンバス、絵の具で構成された「構築物」を追求します。Bernard Pagèsの初期の実験と同様に、Feinbergの作品は何かを描いたイメージではなく、鑑賞者の空間へとせり出す自律的な存在です。拾い集めた破片や構造材を組み込むことで、オブジェの物理的な緊張こそが芸術の真の主題であるという考えを裏づけています。
Louise Blyton - 「Mulooning」- Five Wallsギャラリー（メルボルン）での個展、2025年 - 展示風景
Louise Blyton（オーストラリア）は、「支持体の真実」と深い対話を重ねています。Claude Viallatによるキャンバスの解放の精神を受け継ぎ、Blytonは生のリネンを受動的な背景から、目に見える能動的な素材へと高めます。形を整えたバルサ材にリネンを巻きつけ、自己主張のない顔料の層を延々と重ねるという削ぎ落とされた技法によって、絵画でも彫刻でもない、ハイブリッドなオブジェが生まれます。作品は制作の痕跡を隠さず、表面に織り込まれた現実を讃えています。
アトリエにいるAnthony Frost（2023年）
アンソニー・フロスト（英国）は、ささやかな素材を大胆に取り入れることで、運動が「ファインアート」の格調高さを拒んだ姿勢を体現しています。ノエル・ドラがふきんや寒冷紗を用いたように、フロストは帆布、果物用ネット、黄麻布を使って生々しい抽象作品を制作します。これらは錯覚を生み出すための中立的な表面ではありません。それぞれの歴史を主張する、粗削りで工業的な現実です。表象の欺瞞よりも素材のありのままの誠実さを優先するアーティストがいるところならどこでも、「ネオ・サポート／サーフェス」の精神が息づくことを、彼の作品は証明しています。
「Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection」、リチャード・カルディコット、ヴィクトリア＆アルバート博物館、2025年
リチャード・カルディコット（英国）は、写真というメディウムに運動の脱構築的な論理を応用しています。ダニエル・デズーズが絵画をストレッチャーまで削ぎ落とし、その骨格を明らかにしたように、カルディコットは写真をその根源的な仕組み、つまり光と紙にまで還元します。フォトグラムや紙のネガを通じて、カメラの記録機能を迂回し、世界の物理的な痕跡となるイメージを生み出します。写真の「存在論的真実」を明らかにし、現実を映す鏡から、具体的な形態を生み出すものへと変容させるのです。
私たちは「ネオ・サポート／サーフェス」運動がフランスでの起源をはるかに超えるものだと考えています。それは素材の真実を求める世界的な探求です。「プロビジョナル・ペインティング」、「カジュアリズム」、「ニュー・マテリアリズム」と呼ばれたり、単色画や具体に見られたりする形で、ブルックリンからソウルまで、アーティストたちは同じ探求に積極的に取り組んでいます。
これは懐古趣味ではなく、21世紀に通用する普遍的な方法論です。ニームのアトリエで始まったものは、ワシントンD.C.のドレープ、デンマークのテキスタイルアート、ニューヨークのミニマリズム、そしてアジアの瞑想的なカンヴァスに響き渡っています。
創設者たちは絵画を解体し、その真実を見いだしました。制度的な橋渡しがその真実を守り、世界各地の世代のアーティストたちが、それを新たな構造の構築に生かしています。1968年の政治パンフレットは色あせたかもしれませんが、美学上の発見は今も揺るぎません。絵画の対象は絵画そのものなのです。
フランシス・ベルソミエ著
クロード・ヴィアラ＆クリステル・トマ。「Avatar 2005-2025」。 トゥーロン美術館。2025年12月。
この記事は、フランス・トゥーロンのオテル・デ・ザールで開催されたヴィアラ展を最近訪れたことに着想を得ています。クロード・ヴィアラ本人との会話で、彼が今も1日に3点の作品を制作していることが確認され、その尽きることのない活力と、運動が今なお持つ生命力が示されました。
メイン画像：2018年、フランス・ニームのカレ・ダールで開催された「Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970」。展示風景。
