メアリー・ハイルマンとの写真を見る

写真を見ること、メアリー・ハイルマンの作品の回顧展がロンドンのホワイトチャペルギャラリーで現在開催中です。リラックスした雰囲気で、遊び心があり、深い意味を持っています。ハイルマンの作品は、ただ空間を占有するだけでなく、それを生き生きとさせます。ギャラリーを家のように変えてしまいます。抽象的な幾何学的絵画、夜の道路に描かれた波や線の具象的な表現、壁に広がる陶器の球体、カジュアルに散らばったパステルカラーのビーチチェア。展示会に入った瞬間、物語が語られていることに気づきます。アートショーに足を踏み入れたというよりも、信頼できる友人の広々としたツリーハウスに這い込んだような感覚で、彼女の思い出や夢を探求するように招待されているのです。

メアリー・ハイルマンの芸術におけるナレーションと想像力

ハイルマンの作品は会話についてです。アイデアは作品同士、ハイルマン自身と彼女の過去と未来、そしてそれらすべてとその空間に入るすべての観客の間で交換されています。絵を見ることはハイルマンのキャリアの5つの十年にわたります。カリフォルニアで生まれ育った彼女は、1967年にバークレーで修士号を取得しました。1968年にニューヨーク市に移り、同じく伝説的な水飲み場であるマックス・カンザスシティでリチャード・セラや他の伝説的な人々と友達になりながら、仲間のアーティストたちに迎えられました。女性彫刻家に対するミソジニーがハイルマンに絵を描き始めるきっかけを与えました。彼女は「私は油絵の技術を学んだわけではなく、進むにつれて身につけていきました。」と振り返ります。

メアリー・ハイルマン - チャイナタウン, 1976, キャンバスに油彩

メアリー・ハイルマン - JJ, 1986, アクリルと水彩画、キャンバス上

メアリー・ハイルマン、ホワイトチャペル展 2016、展覧会の様子

より物語的な雰囲気を持つ

この思慮深い展覧会は、アーティストとしてのハイルマンが経験した全体の進化を取り上げています。展覧会は、ミニマリズムやジョセフ・アルバースの色彩研究を参照した、コロナ・ボレアリス（1970年）やチャイナタウン（1976年）といった抽象的でポストペインタリーな作品から始まります。次第にハイルマンが画家としての自信を深めるにつれて、彼女の作品はより物語的な雰囲気を帯びていきます。彼女のタイトルはより個人的になり、抽象的なイメージの中に具象的な要素が現れ始めます。その進化は、ゴーストチェア（1989年）に鮮やかに捉えられています。遠くから見ると、この穏やかな白いキャンバスは、大きな赤と黄色のブロックがあり、ピート・モンドリアンによる幾何学的なグリッドのパンクロック的な適応のように見えます。しかし、近くで見ると、鮮やかな赤と黄色の長方形の間にほぼ半透明の白い椅子の微妙なイメージが現れ、ハイルマンのエイズで失った友人たちへのオマージュとして描かれています。

メアリー・ハイルマン - フランツ・ヴェスト, 1995, キャンバスに油彩

メアリー・ハイルマン - 青と白の四角形、1997年、キャンバスに油彩

メアリー・ハイルマン - ラifeline, 1990-94, キャンバスに油彩

狂気と数学の間で

ハイルマンの誠実さと幅広い表現は、最終的に彼女に十分な認知をもたらし、彼女が望むあらゆる種類の作品を制作し展示する自由を享受できるようになりました。彼女は彫刻のバックグラウンドに戻り、Piano（1983）などの陶器作品を制作し、Lifeline（1990-94）などの形を持ったキャンバスを織り交ぜ、カリフォルニアらしい夢のようなビーチチェアを作りました。これらのチェアは美的なオブジェクトであると同時に、観客がリラックスし、他の作品を考えるための休息の場でもあります。ハイルマンの作品をこの時点まで一つの場所で体験することの影響は、信頼できる友人によって語られる壮大な物語を、順不同で断片的に聞くことに似ており、何故か不気味なほどに意味を成しています。

ハイルマンは2013年のHyperallergicとのインタビューでその感情について語り、「…それは数字のない数学や、記号論理のようなものです。私は、狂気というのは、誰かが世界を見て、それを分解し、再構築するようなもので、言葉でコミュニケーションを取ることなく行われるのだろうと思います…しかし、あなたのような人が来て、私たちが会話をし、私はどうやって意味を成すかを理解するのです。」

メアリー・ハイルマン：絵を見る は、ロンドンのホワイトチャペルギャラリーで2016年8月21日まで展示中です。

特集画像: メアリー・ハイルマン - レニーの波の右の幾何学、2011年、木製パネルに油彩

すべての写真はIdeelArtによるものです