著名なポーランドのアーティスト、ヴォイチェフ・ファンゴルのカラーフィールドとオプアートの再訪

ヴォイチェフ・ファンゴールは、彼の芸術においてシンプルさと深さの両方を表現する才能を持っていました。1930年代に母国ポーランドでリアリストアーティストとして訓練を受けた彼は、キャリアの初期に熟練した具象画家、グラフィックデザイナー、建築家へと成長しました。第二次世界大戦後、彼は多くのポーランドの同時代人と同様に、社会主義リアリズムを促進するイメージの創造に尽力しました。しかし、時が経つにつれて、彼は具象画を超えた興味を広げ、最終的には彼の抽象作品が20世紀の最も影響力のあるポーランドのアーティストの一人としての評判を確立しました。彼の抽象への旅は1950年代に始まり、彼は描かれた構成が観客の物理的空間に対する認識にどのように影響を与えるかを探求し始めました。この探求から生まれた抽象作品は、彼の最も象徴的な業績です。それらのいくつかは、1965年の画期的なMoMA展The Responsive Eyeに含まれ、オプアートを一般の想像力に紹介しました。（ファンゴールはその展覧会に含まれた唯一のポーランド生まれの画家でした。）円、対角線、波形に焦点を当てたこれらの絵画は、目を動きを知覚するように誘います。形が溶けるエッジでニュアンスが現れます。 mutedな色の関係の微妙さは、周囲の空虚さを考察することを促します。これらの作品を通じて、ファンゴールはオプアートに通常関連付けられる目のトリックと、カラーフィールドペインティングに関連付けられる内省的な精神空間を橋渡ししました。ファンゴールがThe Responsive Eyeで展示した作品の選択が、2018年4月19日からヘザー・ジェームズ・ファインアート・ニューヨークの初回展で再び展示される予定です。Wojciech Fangor: The Early 1960sは、色、形、絵画空間の抽象的な神秘についてファンゴールが半世紀以上前に始めた会話に現代の観客を再び引き込むことを約束します。

空間の配置

ファンゴールは、非常に実践的な手段を通じて抽象への評価を得ました。ある鉄道駅が彼に道を示しました。彼は、ワルシャワ中央鉄道システムの地下エリアを再設計するために、2人の建築家と協力していました。彼らの目標は、空間をより人間的にし、閉塞感を減らすことでした。ファンゴールは、旅行者が駅を急いで通り過ぎる際に、色の配色が徐々に変化する抽象的なモザイク作品を石の壁に配置するというアイデアを思いつきました。通行人の動きが壁の画像を活性化させ、周囲とのつながりを感じさせるダイナミックな美的体験を生み出しました。地下鉄駅のデザインに関する彼の仕事は、ファンゴールに、観客がアート展に行くときの体験を再考させるインスピレーションを与えました。彼は、展覧会を人々が単一のアート作品の前で動かずに立つ機会と考えるのではなく、地下鉄駅を活性化させたのと同様に、展覧会スペースをどのように活性化できるかを考えました。

ヴォイチェフ・ファンゴル - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 インチ, キャンバスに油彩, © ヴォイチェフ・ファンゴル, ヘザー・ジェームズ・ファイン・アート ニューヨーク提供

彼が考案した解決策は、1958年の展覧会Spatial Studyで明らかにされ、ワルシャワの「ノヴァ・クルトゥラ」サロンで初公開されました。この展覧会は、環境インスタレーションの最も初期の例の一つと見なされています。この作品を作成するために、ファンゴールは地下鉄プロジェクトの建築家の一人であるスタニスワフ・ザメチニクと協力しました。彼らは、アートの観客が空間を自由に移動しながら、道中で美的要素を体験できるシナリオを考案しました。彼らの動きは、アートと同じくらい彼らの体験にとって重要でした。ファンゴールはインスタレーションのために20枚の抽象画を制作しました。彼は4枚の絵を壁に掛け、残りの16枚は部屋の中にイーゼルに広げて配置しました。画像は、観客の視点に応じて互いに光学的なトリックを演じました。入場したすべての観客は、自分自身の道を選びました。彼らが空間をナビゲートするにつれて、光学的なトリックは進化しました。彼らの体験は、彼らの動きに応じて変化しました。

ヴォイチェフ・ファンゴル - ブラックとピンク, 1960年, 38 x 31 インチ, キャンバスに油彩, © ヴォイチェフ・ファンゴル, ヘザー・ジェームズ・ファインアート ニューヨーク提供

表面の排除

ファンゴールは、スペイシャル・スタディのインスタレーションのために抽象作品を制作する際に、いくつかの気づきを得ました。重要な発見の一つは、彼が光学的に抽象的な構成を作成したとき、画像が表面から浮かび上がり、空間に投影されるように見えることを認識したことです。彼はこの現象を「ポジティブ・イリュージョナリー・スペース」と呼びました。彼は、ポジティブ・イリュージョナリー・スペースを創造するプロセスを、表面の徐々の排除と考えるようになりました。言い換えれば、彼が画像で作り出すことができるイリュージョナリー・スペースが多ければ多いほど、観客はその画像を支える表面が存在するとはほとんど認識しなくなる—形はキャンバスと観客の目の間の虚無に浮かんでいるように見えるのです。この考えは、ファンゴールがThe Responsive Eyeで示したほとんどの画像の核心にあり、ヘザー・ジェームズ・ファイン・アート・ニューヨークで展示される作品にも当てはまります。

ヴォイチェフ・ファンゴル - ピンクとブラックのスピンドル, 1960年, 39 x 29 1/2 インチ, キャンバスに油彩, © ヴォイチェフ・ファンゴル, ヘザー・ジェームズ・ファイン・アート ニューヨーク提供

これらの作品における空間の錯覚は、ファンゴールが形のエッジをぼかす方法によって強調されています。スペクトルカラーは、形が背景から離れていくように見えるにつれて消えていきます。同心円が脈動しているように見え、色の波がキャンバスを横切って波紋のように広がり、目の前で揺らいでいるように見えます。垂直のコラムにある三日月が空からスローモーションで転がり落ちてくるように見えます。これらの絵画は微妙な運動感覚を持っています。形をじっくり見るほど、実際に空間に浮かんでいるように見えます。形がより立体的になるにつれて、色はより儚くなり、表面は遠くへ滑り込んでいきます。ブリジット・ライリーやヴィクトル・ヴァザレリーなどの他のオプアートの先駆者たちの作品と比較すると、ファンゴールの作品は微妙です。しかし、彼の作品全体を見渡すと、それらが彼の発展において重要な役割を果たし、彼の世代が形と空間の神秘について発見したことが明らかです。ヴォイチェフ・ファンゴール：1960年代初頭は、ヘザー・ジェームス・ファインアートニューヨークで2018年4月19日から6月30日まで展示されています。

特集画像: ヴォイチェフ・ファンゴル - スクエア21, 1962年, 35 1/2 x 35 1/2 インチ, キャンバスに油彩, © ヴォイチェフ・ファンゴル, ヘザー・ジェームズ・ファインアート ニューヨーク提供

フィリップ Barcio による